Sunday 4 December 2011

El Espiritu de la Colmena, 1973


Director, Victor Erice

Esta es una cinta clasica del cine español, que hace a uno recordar que a veces la adversidad puede ser la mejor receta para la creatividad artistica. La opresion vivida durante la dictadura y la obsesion por el control total de los lideres hispanicos ha emponzoñado el espíritu español durante siglos y esta cinta parece ser un exorcismo para expulsar todo el mal de este atormentado pais. La sutil referencia al regimen a traves de la alegoria de la colmena es genial y creo que podría continuar siendo algo util para comprender nuestras vivencias en el siglo XXI, puesto que lo que experimentamos hoy en dia es igualmente un sistema absurdo que hace a sus ciudadanos comportarse como insectos sin propósito.

Tiene la cinta como añadido, un importante elemento existencial. La angustia atenaza nuestras gargantas al comprender los pasos a nivel de desarrollo afectivo que sigue nuestra protagonista. Las limitaciones y los abismos por los que la niña y su familia van pasando, son mucho más que reflejos de una España desvencijada. Son también pasos universales, que son capaces de desvelar mucho de lo que vivir con la consciencia de un ser humano supone. Esta obra refleja muchos planos de existencia, y muchos dilemas que sólo pueden resolverse a través de la reflexión, la paz, el amor y la entrega cívica que sólo una sociedad abierta puede proporcionar.

The Fog, 1980


Director, John Carpenter

"The Fog" es una cinta de la que el mismo Carpenter nunca estuvo muy orgulloso. Creo que despues de los cambios y mejoras realizadas post-produccion, la pelicula entretiene y se sigue bien. Quizas, los fantasmas no son muy "creepies" pero la historia es capaz de tocar un tema de horror. La idea de la niebla viniendo del mar y trayendo una fuerza sobrenatural a una pequena poblacion costera es interesante. Quizas el final es confuso, puesto que parece haber dos finales. El primero parece indicar la resolucion del problema y el segundo parece que no se ha resuelto nada. En cualquier caso es posible que Carpenter se diera cuenta de que de algun modo ninguno de los personajes es suficientemente desarrollado o que no causan ninguna identificacion relevante. Al fin y al cabo, la historia va sobre los fantasmas que vuelven a reclamar algo que se les arrebato, pero de nuevo, los fantasmas tampoco estan desarrollados lo suficiente como para poder seguirlos, ni tampoco son suficientemente sofisticados como para asustar mucho. Todo esto me hace pensar sobre los principios psicologicos en los que se basan las peliculas de miedo y me sugiere que quizas en esta pelicula no hay grandes sorpresas, no hay shock, ni efectos especiales que superen lo alcanzado en  "Halloween" dos anos antes. Me pregunto si en el supuesto de que Carpenter hubiera realizado esta pelicula primero y despues "Halloween", hubiera tenido mejor recepcion critica. Digo esto porque los espectadores de los horror films parecen ir experimentando una mayor tolerancia a las escenas de miedo conforme mas peliculas salen en cartelera. Puede que sea tambien a parte del efecto de la cantidad de peliculas que hemos visto, el gradual incremento y exposicion a imagenes y sonidos de terror que los directores de cine han ido anadiendo en sus peliculas para poder mantener sus audiencias interesadas. Es un hecho historico que en el cine haya un incremento en la filmacion de escenas explicitas a pesar de que las audiencias son cada vez mas cultas (algo curiosamente paradojico). Este efecto in crescendo puede que nos haya acostumbrado a un alto nivel de horror y por tanto a minusvalorar una cinta porque no expone o expresa suficiente material para hacernos sentir petrificados como la primera vez.

Una ultima observacion es la anecdota de ver los cristales de un coche romperse. Los cristales de aquellos dias no era de seguridad y el director comenta en el DVD que fue complicado filmar la escena con tales cristales (como es una low budget film a lo mejor no tuvieron dinero para poner candy glass en esa escena).

Friday 2 December 2011

Biutiful, 2010





Director, Alejandro González Iñárritu

Esta es una cinta estupenda que tiene la gran habilidad de hacer interesante la vida de los parias de la sociedad. Aquellos que sin ser violentos ni egoistas, aceptan su destino con humildad y sin perder el control. Son los verdaderos cimientos de la comunidad humana, porque soportan el exito de una minoria que los explota y los reduce a ser partes de un sistema de produccion maquiavelico y sin escrupulos. Los actores hacen un trabajo fenomenal encarnando a las gentes que vemos todos los dias nada mas salir a la calle. Se expone todo de tal forma que convierte a estos hombres y mujeres que vagan por las alcantarillas de la vida en heroes en la sombra.

Salud y enfermedad, pobreza y riqueza, esta todo ahi a la vista, como en un manual de sociologia. La vida individual refleja los parametros psicosociales entre los que se mueve la poblacion trabajadora. Sus problemas psicologicos y corporales, sus desvarios y tropiezos estan determinados por una abrumadora sed de consumo. Los personajes tienen diferentes procedencias geograficas y etnicas, pero todos estan unidos por un mismo genero y un mismo tratamiento. Esto parece ser inconcebible en la cultura anglo, pero facilmente reflejada desde el mundo hispanico.

Si esto no es suficiente, tenemos que anadir el tremendo efecto que causa el drive para cubrir una necesidad etica para con el projimo. La culpa y el error, la generosidad y el sacrificio estan entrelazados formando un tejido inextricable en esta cinta. Los elementos paranormales de la narracion complementan apropiadamente, la normalizacion de la psicosis e incluso su transformacion en un gesto de transcendencia y proyeccion espiritual. Para terminar, hay un rescoldo de sentimiento de comunidad, de familia, de amor por todos y hacia todo el que nos rodea, que quizas sea un tesoro mejicano. Algo que los gringos tienen delante de sus narices y que en su desprecio no alcanzan a oler. Un enorme trabajo senor Alejandro!!! 

Mientras Duermes, 2011

Director, Jaume Balagueró

He visto esta cinta en Sevilla, en mis vacaciones de Noviembre. Me parece una historia de gran interes y con una construccion que engancha desde el primer al ultimo minuto. La historia se va desvelando de forma sistematica, y las escenas una tras otra nos van desvelando con escrupulosa objetividad, con quien estamos tratando. Horror y suspense al 200% en esta magnifica pelicula espanola. Desde el punto de vista psicologico, Cesar es un psicopata en proceso de formacion, y como tal, el personaje esta construido de manera que permita cierta identificacion y empatia por parte de la audiencia. Para eso se ha tenido que sacrificar la precision psicopatologica. Esto significa que ciertos aspectos de su presentacion caracterial son ficticios o exagerados. Es un individuo demasiado solitario, demasiado depresivo para ser lo que es. Pero no importa, porque la historia tiene que magnificar algunos aspectos para poder ayudar al espectador a entender mejor la dinamica distorsionada de su psique. Esos aparentes momentos donde no hay ya proposito, donde Cesar se rinde, no son mas que escusas para justificar la necesidad de saltar hacia la garganta de los demas y entregarse a la liturgia de torturar al projimo. Una obra vibrante y extraordinaria, bien hecho senor Balaguero!! 

Les Enfants du Paradis, 1945

Director, Marcel Carné

No me extraña que en Francia esta película fuera elegida mejor filme de la historia. Es una obra magnifica y tremenda. Los dialogos son fluidos y reveladores y sus caracteres arrebatan al espectador como si fueran arquetipos o estados del Ego. Todo sucede de un modo que permite observar la condicion humana al desnudo, sin ambages. Esto se hace palpable al ver el comienzo y el final de la cinta que representa el rio humano que vive en las calles de un vecindario parisino por donde fluyen todas las historias contadas y por contar. A lo mejor y tomando perspectiva, quizas la historia refleja actitudes adolescentes, extremas y dramatizadas en donde la construccion de la identidad y la toma de decisiones estan basadas en un alto grado de conviccion, en el todo o la nada. La incertidumbre no parece ser buena madera para esculpirse uno su propio Yo. Y por eso hay que Ser o No Ser. Los personajes por tanto no son ambiguos sino mas bien polaridades que se van forjando a base de colisiones con los otros. Baptiste muestra su escaso desarrollo moral al abandonar simbolicamente a su hijo en un momento critico de la historia. Esto tiene un efecto emocional profundo, mas si cabe que todo lo anterior expresado por el atormentado actor. Quizas esto fuerza la historia a sugerir que el arte es individualista y egoista o a hacernos ver otra de las muchas formas de exponer a dónde lleva el aislamiento emocional (esto es, a la perpetuación del abandono y la falta de compromiso con el Otro).

Es dificil de comprender hasta que punto el contexto histórico de la película ha contribuido a gestar una obra con tanta autenticidad en donde los actores parecen darlo todo en cada escena. El hambre, la humillacion, el deseo de sublimar supongo, todo estaría a flor de piel, en esa Francia invadida por los nazis. No habia posibilidad de esconderse y a lo mejor los sentimientos afloraban de esta manera tan volcánica y poderosa. En suma, una narración visual que describe a los humanos como una flora que frenéticamente invade de color el mundo, pero por su falta de visión de futuro perece tras una leve aparición y solo deja un legado de dolor y pérdida.
 

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