35mm

Avatar, 2009

2012-01-22T11:38:00.000-08:00

Esta es una cinta de todos conocida y que no necesita mucha presentación. Creo que el dinero invertido en la obra es brutal y más brutal ha sido la recaudación. Los efectos especiales y el realismo de los caracteres virtuales es sorprendente, pero supongo que como todos sabemos, la película no genera interés en ningún otro aspecto. A pesar de todo, creo que las expresiones faciales reflejando emociones básicas están bien estudiadas y son creíbles, en particular, las caras que pone Neytiri. Para los que hemos disfrutado de las novelas gráficas o tebeos, ésta obra es una copia glorificada de muchos de los cómics que pudimos comprar allá en los años 80. Todos los diseños de flora y fauna están más que vistos. Pero es muy agradable verlos en movimiento. Yo no he visto la cinta en 3-D así que no puedo opinar sobre este efecto.

Es curioso una vez más, ver la reacción de la audiencia ante la masiva inversión en propaganda y su correlación con el espectáculo que la película proporciona. Es como si la gente supiese que de algún modo la modernidad debe de tener una determinada apariencia, y todos los que creen en la moda y en lo actual se tienen que lanzar desesperados en la misma dirección, por la misma película o por el mismo libro. En ese sentido, quizás no hay nadie defraudado, con excepción de los miles de creadores e innovadores que día a día aportan sistemáticamente cosas al mundo al mismo ritmo en que la mayoría de la gente los ignora. Sin embargo, y volviendo a la película, la narración parece un claro ejemplo de fantasía autocomplaciente sobre un imperio americano en el espacio. Dado que hay una supremacía americana a nivel político y militar en la Tierra, imaginemos cómo esto fracasaría en otro lugar con gentes con un nivel tecnológico y científico inferiores. Está claro así que la mente americana tiene un bajo concepto del funcionamiento intelectual de los ciudadanos de las naciones que ha oprimido y oprime. Por otra parte se podría justificar como un signo de legitimación de su propio abuso en el planeta Tierra, puesto que esta cinta indica que los americanos van a lo que van por dinero y nada más. Otros aspectos interesantes y menos políticos es la idea de ser un paralítico y poder transplantar la mente en otro organismo. De nuevo, es una moral utilitarista: me hago amigo de los nativos porque me compensa. A nivel de comportamiento animal, los guionistas han decidido que en el planeta Pandora, hay que provocar a los animales salvajes para que te dejen en paz, y al parecer los bichos son tan bravucones, que cuando una pantera gigante hambrienta se puede merendar al avatar de Jake, prefiere chulearse en frente de una docena de mastodontes. En fin, una forma singular de entender la psicología animal.

Vincere, 2009

2012-01-22T11:12:00.000-08:00

Director; Marco Bellocchio

Esta es la historia de una mujer enamorada de Benito Mussolini, la cual desarrolla una obsesión ciega por dicho hombre de Estado. La cinta es muy atractiva de ver y nos coloca con facilidad en aquellos oscuros años de cambios sociales y violencia que sacudieron el viejo continente. La historia está narrada de una manera ambigüa, de modo que no está claro si ella pierde su salud mental y cree haberse casado con Mussolini o si casándose con él, Mussolini simplemente acaba abandonándola y por ello ella desarrolla un proceso delirante. Una exploración superficial de esta historia indica que en efecto, el asunto no está nada claro. Sin embargo, si hay pruebas de que Mussolini le pagó una pensión y la mantuvo, de modo que es lógico que la señora se sintiera con derecho a reclamar su papel en la vida de este personaje histórico. A pesar de que el proceso en el que ella entra es descrito ambiguamente, está mucho más claro que el hijo de ambos, sí que sufre de una serie de problemas psicológicos como consecuencia del medio en el que vive. Por ejemplo, el hijo sabe de su padre y siente el abandono del mismo durante toda su vida. Creo que el director ha intentado mantener el suspense y no declarar que Mussolini hizo todo lo posible para eliminar toda prueba de que esta mujer hubiera tenido una relación formal con él. El problema es que esto hace que la historia pueda parecer una mera descripción de una persona volviéndose psicótica, sin ninguna conexión con su propia biografía o pasado. Es un riesgo sin duda. Creo que hubiera sido útil haber colocado algún epílogo al fina de la obra para hacer el asunto un poco más claro. En todo caso, es como he dicho una cinta entretenida y que nos ayuda a comprender muchos de los entresijos de la historia moderna y la lucha por el poder político en Europa. Algunas imágenes poseen una tremenda fuerza erótica y a la vez de modernidad. Todo esto me hace pensar en la paradójica identidad italiana, llena de contrapuntos y contradicciones.

Una última observación es la intratable incomprensión que Ida Dalser sufre en el sistema psiquiátrico. Nadie cree su historia, nadie da crédito a alguien que se percibe como enfermo. Y lo peor de todo es que si hay alguien que tiene compasión, el problema es tan complejo que hace que la persona no pueda escapar del tormento y del castigo de la sociedad. En ese sentido, la representación de la institución médica como agente benigno y paciente está distorsionado puesto que como he dicho anteriormente, es posible que el mismo Mussolini se encargara de eliminar pruebas de que Ida fue su esposa. Lo patético de la historia es el comprobar de que hubiera boda o no, si que hubo convivencia y también hubo un hijo de por medio. Pero la medicina no tiene interés en la psicología: todas las pruebas personales de haber vivido con Mussolini no son válidas para demostrar la necesidad de Ida de ser al menos 'reconocida' por alguien. Y es curioso pensar que si uno tiene que vivir en un mundo donde no se te 'reconoce' (o la persona o personas que uno considera más importante no nos reconoce), hasta qué punto uno se acaba desentendiendo del mundo o del afecto a los demás.

Secret Window, 2004

2012-01-18T12:02:00.000-08:00

Director, David Koepp

Esta película se salva por la gran actuación de Johnny Depp y por el buen proceso cinemático de su narrativa visual. Sin embargo, psicológicamente es absurda, y no refleja nada de la psicología de nadie. Es una pura construcción literaria que no tiene correspondencia con ningún proceso normal o anormal. Nadie puede olvidarse de lo que uno hace cuando a la vez ha calculado y premeditado bien esa acción. Es simplemente una historia que demuestra una total ignorancia sobre psicología. Sin embargo, el desarrollo del personaje central (antes del giro revelador de la historia), con sus gestos, sus cabreos y sus torpezas, pueden muy bien reflejar a una persona normal reaccionando ante adversidades de la vida, como el divorcio o un sujeto que se quiere vengar de nosotros. Eso es todo. Después de esto, lo que sigue es una segunda película que ha sido pegada a la primera, sin tener en cuenta lo anterior creando una discontinuidad que fragmenta la narración de forma brutal. Cuando he visto la reacción de otros espectadores en reviews me sorprende que el nivel de ignorancia del escritor (Steven King) se correlaciona con el del espectador y su complacencia con esta cinta. Pero bueno, a veces ser un ignorante escritor te permite cautivar a espectadores ignorantes .

Monsters, 2010

2012-01-16T12:59:00.000-08:00

Director; Gareth Edwards

Esta es una magnífica cinta de bajo costo y máximo rendimiento especialmente a nivel de calidad. Sorprende que no hubiera historia, sino simplemente una idea. Pero está claro que la historia se ha formado al lanzar la idea cuando el equipo se lanza a filmar los 'exteriores'. Tiene elementos existenciales que hace a la historia fluir y reconciliar muchos cables sueltos que en la cultura anglo siempre suelen hacer chispas. El bilingüismo y el trasfondo hispánico está tratado con respeto y realismo. El estudio de lo sobrenatural y la reacción humana de habituarse a todo es un concepto ejemplar con el que trabajar y entre toda esta ciencia-ficción alienígena está una relación imposible, torpe y aquejada de todos los vicios urbanos. El final es sublime; allí donde lo alien y lo humano pueden coincidir. Esta mezcla me recuerda a 'District 9' que también es igualmente agradable y efectiva de ver. La música también facilita el acceso a lo espiritual, junto con los shots fotográficos en la jungla. La soledad, el desvarío, la tolerancia entre culturas y pueblos en estado de amenaza...todos los elementos orbitan unos junto a otros con gran efecto. ¡¡Y qué decir tiene de que los únicos actores profesionales son los dos protagonistas o que los efectos especiales están hechos con un portátil!! Los actores espontáneos son increíbles. Incluso se nota la fructífera fusión entre técnicas europeas y americanas de enmarque de los actores (medium, close-up and full shots). Estas son las películas que hay que hacer y que reflejan no sólo el aqui y el ahora sino que también nos ayudan a través de la imaginación a trascender. Esperemos que mucha gente, como dice uno de sus productores, replique este tipo de proyectos.

Bad Lieutenant, 2009

2012-01-14T05:21:00.000-08:00

Director, Werner Herzog

Esta cinta es un remake de la original de Abel Ferrara de 1992. Al parecer el guión es muy distinto del original y se dice que ha habido algún mal rollo entre ambos directores, aunque no sabemos el porqué. El caso es que esta versión es puramente una película de entretenimiento y nada más. No aporta nada nuevo, más allá de una buena interpretación y un rato de distracción. En contraposición al Cine Negro, todo lo que expresa la película es directo y sin ambages, aunque también hay algún mínimo espacio para la reflexión sobre las limitaciones que tienen los valores sociales (por ejemplo el reconocer hasta que punto es posible funcionar dentro de los límites de la ley) y la complejidad de la sociedad en la que vivimos (los roles sociales son más difusos de lo que parecen). Pero todos estos procesos están meramente esbozados. Supongo que como su predecesora, la historia da cierto respiro a la masa incesante de obras que alaban e idealizan a la policía. En este caso la obra muestra todo lo contrario, lo cual es también un extremo. Pero al fin y al cabo, el cine, al igual que otras formas de arte, no pueden competir con la sofisticación de la vida social humana. Las historias tienen que exagerarse o distorsionarse para hacerse cinemáticas y en este sentido el resultado es convincente. En cuanto a la personificación de los caracteres, creo que hay un cierto grado de esa deformación, especialmente en el protagonista y su novia. Ambos parece muy contentos allí donde se encuentran, cosa que resulta algo chocante. Pero ¿quién sabe?, a lo mejor mucha gente vive así. Este mundo es muy grande y cabe de todo. Sólo cabe esperar que no nos topemos nunca con gente así.

Four Lions, 2010

2012-01-12T15:06:00.000-08:00

Director: Chris Morris

Chris Morris ha desarrollado esta historia con la misma falsa frialdad que su compatriota Daniel Barber con 'Harry Brown'. Si los ingleses y americanos tuvieran la mínima decencia en aplicarse su cinísmo a sí mismos alguna vez, a lo mejor podríamos tolerar sus obras e incluso sentir compasión por ellos. Pero ¿porqué en lugar de esto siempre ridiculizar al que no se puede defender? Por eso mismo.

Esta historia que tiene un trasfondo político muy claro, parece que a nivel de financiación sufrió algunas dificultades. En realidad, era por miedo a aparecer racista. Lógicamente es una obra despectiva para con culturas y naciones diversas. Es un insulto global, y hay que evitar señalarse. Para eso se lo han dejado a este señor Morris, que parece que carece de cerebro para darse cuenta de lo que ha hecho. Para arreglar un poco las cosas y que todo no sea poner a parir a los emigrantes musulmanes, ha habido que sacrificar el papel de la policía, el cual es por cierto, bastante acertado.

En esta película se expresa la necesidad de ser británico a pesar de estar forzado a vivir en un país que renuncia a la vida social. Un país volcado con el capital, y que con sus migajas acalla a la clase obrera con subsidios que nunca llama subsidios, regala pensiones, council houses y acoge a una docena de asylum seekers. Un país que practica la caridad falsa, porque no educa ni alimenta el espíritu, sino que te da un billete para que veas desde el gallinero como es el mundo de los ricos. Te hace ambicioso, egoísta y paranoico. 'Four Lions' es la triste historia de los que viven condenados a la soledad, aislamiento y ostracismo. Pero también es una historia que idiotiza al violento musulmán, cuando la mayoría de los violentos británicos son encumbrados como héroes y no se les consideran tarados mentales. Un tema complicado en el que es fácil dejarse llevar por el nacionalismo más clasista. Lo siento pero es un desperdicio de película, una oportunidad perdida, y las pocas risas que uno puede soltar se tuercen con la maliciosa intención política que subyace a esta cinta.

Harry Brown, 2009

2012-01-11T13:27:00.000-08:00

Director: Daniel Barber

Daniel Barber refleja la necesidad inglesa de presentar un fenómeno social como si el ojo que observa fuera objetivo. Este es un acto sofisticado, puesto que se reconoce la necesidad de tratar con un tema difícil, pero como en todas las instancias inglesas, se niega el hecho de que la política y la vida humana no admiten una sola postura. La marginalidad y el vicio de la clase baja es algo monstruoso que debe ser castigado por un ex-militar pensionista. Es una vieja historia de gran resultado de taquilla en el pasado. La falta de imaginación se nota incluso por la semejanza en el nombre de la película con el del conocido actor lituano Charles Bronson, que protagonizó muchas cintas de este mismo estilo. Por desgracia, Harry Brown no ha tenido tal éxito a pesar del intento de evocación quasi-subliminal de un ídolo de otra época. La cinta está protagonizada por casposos policías y casposos yonkies. Daniel parece intentar en vano resucitar estas momias haciendo uso de sus conocimientos sobre televisión, publicidad y sobre todo esperando tirar de la actitud conservadora de la audiencia británica, que desde hace tiempo ha renunciado a la democracia y vive una rancia alternancia política. Su héroe geriátrico indica que se necesita resucitar constantemente la impresión de que los crímenes de los pobres son los que arruinan la sociedad y no los de los ricos. Y que todo tiene solución, pero se requiere fuerza y brutalidad aunque ésta venga de un hombre enfermo. El resultado es una cinta fácil de seguir (hay que reconocer el mérito cinemático), sin sorpresas y también entretenida sobre todo por razones personales. El lenguaje rudo y grosero del inglés marginado es el único vehículo permitido al proletario para hablar por las pantallas. Su sinceridad se convierte en un insulto que es fácil de invalidar y considerar inaceptable. En términos generales traer a la gran pantalla una película de este tipo resulta no sólo una idea inoportuna sino también evidencia de una pulsión repetitiva de culpar y simplificar la compleja madeja social. Así mismo, el cine debe reflejar la actitud de su cliente fundamental que es una clase media anticuada y conservadora.

Da la casualidad que paso todas las semanas por donde se filmó la película: el barrio londinense de Elephant and Castle y aunque algunos de los edificios que salen ya se han demolido y eliminado de la ciudad, todavía queda el más grande y monstruoso como un espectro de la anquilosada sociedad europea. ¿Está el cine inglés perdido, o es esta cinta una historia sobre un 007 desvencijado? Viejas glorias, historias facilonas.

Machete, 2010

2012-01-10T11:41:00.000-08:00

Director: Robert Rodriguez and Ethan Maniquis

Esta cinta, como varias de las que ha dirigido el señorRodríguez, han sido calificadas como obras con mal gusto y con un contenidodominado por una violencia excesiva o gratuita. Uno se pregunta si a estasalturas se puede hacer un comentario crítico sobre películas de este calibre,cuando los psicólogos se han hartado de despotricar durante años sobre losefectos nocivos de tales películas. Lo cierto es que cuando se puso enevidencia la importancia de los modelos o ejemplos sociales para el aprendizajesocial de los niños, fue lógico dirigir la mirada a los anuncios, los dibujosanimados y otras formas de cultura visual y examinar su contenido violento,sexual etc. Ahora que ya han pasado muchos años y hemos sobrepasado la era delos juegos de ordenador y comprobamos que los niños no son más violentos porpegarse todo el día matando enemigos digitales, parece conveniente sentarse apensar un rato sobre el tema. Los que han seguido interesados por esta línea deinvestigación han empezado a ver que la agresividad humana es algo natural, yque la violencia se puede ritualizar a través de juegos que en realidad sólocausan un daño virtual. Si esta es una respuesta satisfactoria, creo que entonces,una película como Machete, se puede entender muy bien. El filme reflejainjusticia, necesidad de cambio social y la inclinación a buscar nuevos héroes.La ritualización de la violencia y el voyerismo erótico parecen normalizar alespectador, que puede buscar una salida a sus necesidades primarias sin rompernormas o saltarse a la torera las leyes que mantienen a la sociedad en equilibrio. Es de hecho un claro fenómenoel que no haga falta ser un psicópata para sentir rabia, agresividad o unapulsión erótica de vez en cuando. Igual que hay arte para conceptualizar mejorel mundo o para expresar emociones comunes, también debe de haber espacio paraconducir y canalizar otras emociones menos políticamente correctas pero tambiénsalientes. Parece que el delegar en héroes y en historias construidas por otrasmentes no sea una forma patológica de relacionarse con el mundo, sino más bienun método para integrar esos procesos con el resto de la compleja tramaexperiencial de la vida. En este sentido esta cinta organiza muy bien todosestos elementos, los cuales resultan en una estética singular y genuina. Elmensaje más revolucionario es también viable mezclado con humor, erotismo yviolencia. Como adición a estos reflejos coloristas está la habilidad del guión y de las propiedades cinemáticas de esta obra, de poder convertir la película en un tebeo que al distorsionar la realidad hace de laficción un mundo más probable y saboreable. Una última observación es que como otras películas de Rodríguez, la presente muestra con franqueza la realidad lingüística y cultural de USA, la cual está cada vez más inclinada hacia la hispanidad, cosa que espero vaya a más con el tiempo.

El Espiritu de la Colmena, 1973

2011-12-04T13:45:00.001-08:00

Director, Victor Erice

Esta es una cinta clasica del cine español, que hace a uno recordar que a veces la adversidad puede ser la mejor receta para la creatividad artistica. La opresion vivida durante la dictadura y la obsesion por el control total de los lideres hispanicos ha emponzoñado el espíritu español durante siglos y esta cinta parece ser un exorcismo para expulsar todo el mal de este atormentado pais. La sutil referencia al regimen a traves de la alegoria de la colmena es genial y creo que podría continuar siendo algo util para comprender nuestras vivencias en el siglo XXI, puesto que lo que experimentamos hoy en dia es igualmente un sistema absurdo que hace a sus ciudadanos comportarse como insectos sin propósito.

Tiene la cinta como añadido, un importante elemento existencial. La angustia atenaza nuestras gargantas al comprender los pasos a nivel de desarrollo afectivo que sigue nuestra protagonista. Las limitaciones y los abismos por los que la niña y su familia van pasando, son mucho más que reflejos de una España desvencijada. Son también pasos universales, que son capaces de desvelar mucho de lo que vivir con la consciencia de un ser humano supone. Esta obra refleja muchos planos de existencia, y muchos dilemas que sólo pueden resolverse a través de la reflexión, la paz, el amor y la entrega cívica que sólo una sociedad abierta puede proporcionar.

The Fog, 1980

2011-12-04T11:36:00.001-08:00

Director, John Carpenter

"The Fog" es una cinta de la que el mismo Carpenter nunca estuvo muy orgulloso. Creo que despues de los cambios y mejoras realizadas post-produccion, la pelicula entretiene y se sigue bien. Quizas, los fantasmas no son muy "creepies" pero la historia es capaz de tocar un tema de horror. La idea de la niebla viniendo del mar y trayendo una fuerza sobrenatural a una pequena poblacion costera es interesante. Quizas el final es confuso, puesto que parece haber dos finales. El primero parece indicar la resolucion del problema y el segundo parece que no se ha resuelto nada. En cualquier caso es posible que Carpenter se diera cuenta de que de algun modo ninguno de los personajes es suficientemente desarrollado o que no causan ninguna identificacion relevante. Al fin y al cabo, la historia va sobre los fantasmas que vuelven a reclamar algo que se les arrebato, pero de nuevo, los fantasmas tampoco estan desarrollados lo suficiente como para poder seguirlos, ni tampoco son suficientemente sofisticados como para asustar mucho. Todo esto me hace pensar sobre los principios psicologicos en los que se basan las peliculas de miedo y me sugiere que quizas en esta pelicula no hay grandes sorpresas, no hay shock, ni efectos especiales que superen lo alcanzado en "Halloween" dos anos antes. Me pregunto si en el supuesto de que Carpenter hubiera realizado esta pelicula primero y despues "Halloween", hubiera tenido mejor recepcion critica. Digo esto porque los espectadores de los horror films parecen ir experimentando una mayor tolerancia a las escenas de miedo conforme mas peliculas salen en cartelera. Puede que sea tambien a parte del efecto de la cantidad de peliculas que hemos visto, el gradual incremento y exposicion a imagenes y sonidos de terror que los directores de cine han ido anadiendo en sus peliculas para poder mantener sus audiencias interesadas. Es un hecho historico que en el cine haya un incremento en la filmacion de escenas explicitas a pesar de que las audiencias son cada vez mas cultas (algo curiosamente paradojico). Este efecto in crescendo puede que nos haya acostumbrado a un alto nivel de horror y por tanto a minusvalorar una cinta porque no expone o expresa suficiente material para hacernos sentir petrificados como la primera vez.

Una ultima observacion es la anecdota de ver los cristales de un coche romperse. Los cristales de aquellos dias no era de seguridad y el director comenta en el DVD que fue complicado filmar la escena con tales cristales (como es una low budget film a lo mejor no tuvieron dinero para poner candy glass en esa escena).

Biutiful, 2010

2011-12-02T22:50:00.001-08:00

Director, Alejandro González Iñárritu

Esta es una cinta estupenda que tiene la gran habilidad de hacer interesante la vida de los parias de la sociedad. Aquellos que sin ser violentos ni egoistas, aceptan su destino con humildad y sin perder el control. Son los verdaderos cimientos de la comunidad humana, porque soportan el exito de una minoria que los explota y los reduce a ser partes de un sistema de produccion maquiavelico y sin escrupulos. Los actores hacen un trabajo fenomenal encarnando a las gentes que vemos todos los dias nada mas salir a la calle. Se expone todo de tal forma que convierte a estos hombres y mujeres que vagan por las alcantarillas de la vida en heroes en la sombra.

Salud y enfermedad, pobreza y riqueza, esta todo ahi a la vista, como en un manual de sociologia. La vida individual refleja los parametros psicosociales entre los que se mueve la poblacion trabajadora. Sus problemas psicologicos y corporales, sus desvarios y tropiezos estan determinados por una abrumadora sed de consumo. Los personajes tienen diferentes procedencias geograficas y etnicas, pero todos estan unidos por un mismo genero y un mismo tratamiento. Esto parece ser inconcebible en la cultura anglo, pero facilmente reflejada desde el mundo hispanico.

Si esto no es suficiente, tenemos que anadir el tremendo efecto que causa el drive para cubrir una necesidad etica para con el projimo. La culpa y el error, la generosidad y el sacrificio estan entrelazados formando un tejido inextricable en esta cinta. Los elementos paranormales de la narracion complementan apropiadamente, la normalizacion de la psicosis e incluso su transformacion en un gesto de transcendencia y proyeccion espiritual. Para terminar, hay un rescoldo de sentimiento de comunidad, de familia, de amor por todos y hacia todo el que nos rodea, que quizas sea un tesoro mejicano. Algo que los gringos tienen delante de sus narices y que en su desprecio no alcanzan a oler. Un enorme trabajo senor Alejandro!!!

Mientras Duermes, 2011

2011-12-02T22:33:00.001-08:00

Director, Jaume Balagueró

He visto esta cinta en Sevilla, en mis vacaciones de Noviembre. Me parece una historia de gran interes y con una construccion que engancha desde el primer al ultimo minuto. La historia se va desvelando de forma sistematica, y las escenas una tras otra nos van desvelando con escrupulosa objetividad, con quien estamos tratando. Horror y suspense al 200% en esta magnifica pelicula espanola. Desde el punto de vista psicologico, Cesar es un psicopata en proceso de formacion, y como tal, el personaje esta construido de manera que permita cierta identificacion y empatia por parte de la audiencia. Para eso se ha tenido que sacrificar la precision psicopatologica. Esto significa que ciertos aspectos de su presentacion caracterial son ficticios o exagerados. Es un individuo demasiado solitario, demasiado depresivo para ser lo que es. Pero no importa, porque la historia tiene que magnificar algunos aspectos para poder ayudar al espectador a entender mejor la dinamica distorsionada de su psique. Esos aparentes momentos donde no hay ya proposito, donde Cesar se rinde, no son mas que escusas para justificar la necesidad de saltar hacia la garganta de los demas y entregarse a la liturgia de torturar al projimo. Una obra vibrante y extraordinaria, bien hecho senor Balaguero!!

Les Enfants du Paradis, 1945

2011-12-02T21:59:00.001-08:00

Director, Marcel Carné

No me extraña que en Francia esta película fuera elegida mejor filme de la historia. Es una obra magnifica y tremenda. Los dialogos son fluidos y reveladores y sus caracteres arrebatan al espectador como si fueran arquetipos o estados del Ego. Todo sucede de un modo que permite observar la condicion humana al desnudo, sin ambages. Esto se hace palpable al ver el comienzo y el final de la cinta que representa el rio humano que vive en las calles de un vecindario parisino por donde fluyen todas las historias contadas y por contar. A lo mejor y tomando perspectiva, quizas la historia refleja actitudes adolescentes, extremas y dramatizadas en donde la construccion de la identidad y la toma de decisiones estan basadas en un alto grado de conviccion, en el todo o la nada. La incertidumbre no parece ser buena madera para esculpirse uno su propio Yo. Y por eso hay que Ser o No Ser. Los personajes por tanto no son ambiguos sino mas bien polaridades que se van forjando a base de colisiones con los otros. Baptiste muestra su escaso desarrollo moral al abandonar simbolicamente a su hijo en un momento critico de la historia. Esto tiene un efecto emocional profundo, mas si cabe que todo lo anterior expresado por el atormentado actor. Quizas esto fuerza la historia a sugerir que el arte es individualista y egoista o a hacernos ver otra de las muchas formas de exponer a dónde lleva el aislamiento emocional (esto es, a la perpetuación del abandono y la falta de compromiso con el Otro).

Es dificil de comprender hasta que punto el contexto histórico de la película ha contribuido a gestar una obra con tanta autenticidad en donde los actores parecen darlo todo en cada escena. El hambre, la humillacion, el deseo de sublimar supongo, todo estaría a flor de piel, en esa Francia invadida por los nazis. No habia posibilidad de esconderse y a lo mejor los sentimientos afloraban de esta manera tan volcánica y poderosa. En suma, una narración visual que describe a los humanos como una flora que frenéticamente invade de color el mundo, pero por su falta de visión de futuro perece tras una leve aparición y solo deja un legado de dolor y pérdida.

The Day the Earth Stood Still, 2008

2011-09-13T11:25:00.000-07:00

Director; Scott Derrickson

Un buen remake que merece su visionado y entretiene a pesar de mostrar un guión convencional y el efecto intrusivo de Keanu Reeves en la cinta debido a su carismática intervención en 'The Matrix'. Hay muchos temas psicológicos en esta obra que me gustaría comentar. El gran esfuerzo en efectos especiales ha dado varios frutos de ingenioso aspecto en esta película, como por ejemplo, el traje de astronauta del alienígena, o la presencia de nanotecnología y física cuántica en las esferas con apariencia de planetas.

De esta cinta me choca el cómo la audiencia necesita colocar a un protagonista que no es un/a experto/a en psicología que para colmo requiere poseer un elemento religioso en su constitución personológica para comunicarse con individuos de una civilización más avanzada. Esto sugiere que una persona ignorante aseguraría una comunicación satisfactoria con una civilización superior de la que tememos una colonización o exterminación. Esto hubiera supuesto que Cristóbal Colón y su tripulación andaluza no hubieran invadido el Nuevo Mundo si los locales se hubieran mostrado más sumisos.

Los guiones americanos están muy condicionados por la box office y en este sentido parecen seguir fielmente lo que los espectadores van a poder aceptar dentro de los límites de su cultura. Esto hace que las películas de este país reflejen lo que allí se cree o piensa, al menos de manera demográficamente significativa. Respecto a lo que en sí esta película proyecta, creo que indica la percepción de que un científico es un técnico que ha aprendido el lenguaje de una lógica que le permite entender problemas psicológicos sin necesitar de trabajar con ellos. Uno puede pegarse toda la vida estudiando microbios en un laboratorio esperando que por arte de magia esta actividad provoque una milagrosa capacidad para analizar la conducta y la mente de un ser superior. Sin embargo, conforme la película se desarrolla se va observando que la supuesta científica, se deja llevar por sentimientos básicos, como cualquier otra (i.e. agresividad o sumisión absoluta). El papel de la protagonista me recuerda a una compañera con la que estudié el bachillerato de ciencias y que creía que tal bachillerato permitía tanto saber ciencias como 'letras' porque las 'letras' es una forma de conocimiento inferior. Tratar al conocimiento con los mismos parámetros que se usan para humillar y amedrentar a los iguales refleja un procesamiento mecánico del conocimiento y un uso claramente peligroso y producto de resentimiento y miedo. De hecho, siguiendo este estereotipo, la protagonista no tiene la humildad de acudir a un psicólogo para ayudar a su hijo adoptivo (el cual la desprecia), ni tampoco al alienígena, ya que para intentar pacificarlo, hecha mano de un premio nobel (en altruismo biológico) que se pasa la vida en un chalet en medio del campo haciendo garabatos matemáticos: todo un ser altruista.

En la cinta, los alienígenas tampoco muestran ser muy sofisticados, y parecen ser una versión de lo que los mismos americanos hacen con otras naciones y territorios. Resulta ridículo ver cómo en la película, los otros países se comportan de manera absurda, esto es, reaccionan con miedo y desorganización ante una posible colonización, cosa que no ocurre en el mundo real ante la omnipotencia y agresividad de los EEUU. Otra prueba de falta de respeto por los países dominados.

La capacidad para interaccionar y ser capaz de entrar en el mundo interior de otro individuo requiere un profundo conocimiento de la psicología humana, más si cabe cuando el interlocutor es alguien desconocido o tiene un problema de salud mental. Sin embargo, nada de esto es requerido para comunicarse eficientemente con una inteligencia alienígena. Esto sugiere que la audiencia de esta película posee una estructura subyacente que atribuye un papel parental y protector en las fuerzas de otros mundos. Es como una forma degradada de teísmo. Los aficionados a los alienígenas son de este modo adeptos a una colonización racional por parte de superinteligencias que nos van a proteger y entender. Para satisfacción de ellos, el remake construye un escenario muy bíblico, donde un dios decepcionado con la humanidad tiene que castigarnos para que aprendamos a mejorar.

La escena donde el psicólogo intenta analizar a Klaatu muestra una vez más, el escaso estatus de la psicología científica. Al principio, el cirujano abre el cuerpo del alienígena ante la atenta observación de numerosos colegas. Sin embargo, cuando un psicólogo entra en acción, no hay nadie alrededor, no hay nada interesante que escuchar y para colmo, no puede hacer nada para que se escape, ya que nadie está protegiéndole. Esta escena es el azmerreír de todos los psicólogos que trabajamos en el ámbito forense con pacientes peligrosos. ¿Quién sería el guapo que se iba a meter en una habitación con un individuo peligroso sin garantías de protección?

Inception, 2010

2011-09-12T11:02:00.000-07:00

Director: Christopher Nolan

'Inception' es una película de acción y suspense en el contexto de una trama de fantasía y ciencia-ficción. A pesar de ser de alguna manera una historia engorrosa, no se me ha hecho pesada y creo que he tolerado bien a Leornardo DiCaprio, el cual me resulta un actor poco efectivo y sobrevalorado.

Esta cinta toca una serie de temas interesantes, de por sí demasiado complejos para ser reducidos a una historia de acción y suspense. Para hacer justicia habría que hacer más filmes sobre el tema, lo cual es algo excitante. Creo que el mundo de los sueños es algo que paradójicamente no se trata mucho en el cine, especialmente cuando muchos dicen que hacer cine es fabricar sueños. En cualquier caso, la historia tratada en 'Inception' es entretenida y bien elaborada aunque científicamente poco válida. Por ejemplo, no se explica cómo el director decida que los sueños son eventos organizados y detallados a menos que sea por necesidad del guión. Tampoco es necesariamente una experiencia obligatoria el morir en el sueño y tener que despertarse por ese motivo. Lo de entrar en el sueño de otra persona resulta aún más complicado y hace pensar en que si esa tecnología existiera, daría lugar a otras facetas más radicales de la experiencia humana, como por ejemplo la transformación de la enseñanza y la psicoterapia. La experiencia humana cambiaría de tal modo que sería difícil predecir sus consecuencias y también recordar como habría sido el mundo antes de que tal tecnología lo invadiera todo. A pesar de todas estas dificultades, también podríamos decir que la televisión, internet, los juegos digitales y los teléfonos inteligentes cada vez nos llevan más y más cerca a el mundo de Matrix. A un mundo virtual donde todos podamos contactar y coincidir. Sin embargo, todos estos mundos parecen tener lugar afuera de la mente.

La narración de la historia denota la falta de formación psicológica del director y muestra un paisaje mental y fenomenológico muy racional y simplista. Es posible que Nolan refleje la necesidad de materializar y de expresar emociones de una forma contenida y consciente, lo cual de alguna manera destruye la posibilidad de entender el papel tan importante que juega la dinámica inconsciente de nuestra psique en nuestra vida. A pesar de todo es un intento, pero como digo, me sorprende que se siga hoy día haciendo uso de técnicos y expertos en muchas materias a la hora de hacer una buena película y se olvide con frecuencia el apoyo y consulta con expertos en psicología experimental y psicología clínica. De hecho, los personajes críticos de la historia carecen de etiqueta o formación psicológica y sólo se concede reconocimiento profesional al etiquetar al que combina moléculas sedantes como químico. Es pues probable que Nolan quiera indicar el deseo de la sociedad en querer ver la mente como un espacio físico objetivo, como un espejo fiel de la realidad. La gente tiene claros propósitos en la vida y las ideas son simplemente virus que se expanden sin control. Esto sugeriría que los propósitos son reducidos y las ideas más escasas aún. A lo mejor hay algo de verdad en esto, pero no sé si es más un deseo que un hecho psicológico per se.

Ran (乱), 1985

2011-08-18T13:10:00.001-07:00

Director: Akira Kurosawa

Esta película retrata y enfatiza la contínua lucha intraespecie que caracteriza al ser humano. La jerarquía como forma de organizar la sociedad se basa sobre pactos, reglas y de cómo y cuándo romper estas leyes que establecemos. El poder fluye como la energía y siempre cambia de manos. Las sociedades medievales son una muestra de cómo la agresión y la violencia son la forma de resolver los problemas de continuidad y estabilidad que acechan a cada generación. Es un orden sistemático (que quizás en sus movimientos aparentemente erráticos a los ojos de los que lo experimentan directamente) acaba por empujar a sus protagonistas más allá de lo que pueden entender o soportar. Algunos están mejor preparados para ser líderes y otros son capaces de mantener su dignidad como víctimas. Al fin, todos participan en este escenario volátil y sangriento a su manera mientras que la naturaleza y la estética cultural japonesa definen las formas, colores y contornos.

Una obra épica y trascendente que toca los distintos palos de lo más jondo del ser humano: La ambición, la lealtad, el poder, la continuidad, el honor, la locura, el amor, la venganza...Muchos líderes políticos y económicos deberían de verla para ser educados y advertidos de que ellos tan poderosos acaban siendo peones y víctimas en algún momento de su exitosa existencia.

On The Water Front, 1954

2011-08-15T08:32:00.000-07:00

Director: Elia Kazan

Esta cinta es negra por su contenido pero también por el costo humano. Elia Kazan denunció a varios compañeros al HUAC para evitar que lo lincharan después de negarse a cambiar el guión y poner a los malos de la película de comunistas. Kazan está maldito por lo que hizo. Si es perdonable, que lo perdonen sus víctimas. La película tiene una factura tremenda al exponer de forma contundente los motivos y valores sociales predominantes en la sociedad. Los que ostentan el poder son extorsionadores, violentos y corruptos. Las autoridades no son más que los que organizan y legitiman el crimen. Delatar a los culpables parece ser la mejor manera de luchar contra el gigante todopoderoso, pero a lo mejor esto es lo que Kazan utilizó para liberarse de la culpa de haber identificado a comunistas en el mundo del cine. A parte de toda esta controversia, la actuación es potente y los caracteres son muy auténticos reflejando la vida de los barrios obreros y de su constante miedo a la aniquilación. El grupo se rinde ante los violentos porque la mayoría no usa la violencia para vivir. Sin embargo, tolerar la injusticia nos hace a todos menos humanos. Otro tema de la película es el arrepentimiento y el cambio de actitud. Todos podemos cambiar y dar un giro de 180 grados a nuestras vidas. Hay opciones y oportunidades. El que las toma puede mejorar. Quizás esto represente la nueva espiritualidad de la clase obrera del siglo XX y un antídoto contra la alienación. Al mismo tiempo nos inclinamos por un héroe clásico (violento y sexual) que al madurar se hace metrosexual (asertivo, reflexivo y autoconsciente). La cinta expresa de manera tolerable la fealdad de la pobreza y la intensidad de las emociones cuando todo es frustrante.

Mr deeds goes to town, 1936

2011-08-15T07:53:00.000-07:00

Director: Frank Capra

Esta es una de esas cintas que son capaces de irritar y de entretener al mismo tiempo. Diseñada en un momento económico difícil, la película desarrolla una historia imposible y ridícula. En medio de un capitalismo agresivo y codicioso no puede uno ser más obsceno que colocar a un gandul como representante de la clase media y que intente rescatar a los pobres con su magnánima voluntad mientras es engañado por una bella hipócrita y juzgado por pseudocientíficos fariseos.

Todo es chirriante desde principio a fín, pero para eso está el tiempo que todo lo cura. Ahora es una pieza de museo que refleja la cultura del siglo XX y que nos ayuda a entender la confusión del mundo americano. El dinero es el centro de gravedad sobre lo que todo gira. Todo es intercambiable por semejante forma de medir la vida y es considerado la solución de nuestros problemas. El imperio español declaró la espiritualidad, el autoritarismo y a el 'Dorado' como una trinidad inextricable pero necesaria en la vida hispánica. El imperio americano es más unificador al proclamar ser capaz de unir el dinero y la hipocresía en un mismo embalaje. Todo vale en esta sociedad de excesos y de falsedad. Se espera que el egoísmo del burgués y del potentado acabe beneficiando al pobre, pero esto sucede de manera colateral. Se espera que se haga justicia, pero ésta es aleatoria y siempre aliada del más creíble, no del más válido.

Un contrapunto en la película es la crítica y escarnio que sufre el psiquiatra que evalúa a Mr Deeds en el juzgado. Parece obvio que la psiquiatría no es más que un conjunto de juicios de valor al servicio del que pague. Metamos en la cárcel o en el psiquiátrico aquél que nos molesta: esto parece haber sido un gran insight de la película en medio de un montón de atropellos morales. Otra observación adicional es la inteligencia y ambición de la periodista que apoya al pobre Mr Deeds cuando está a punto de perderlo todo. Ella se asegura su pensión al ayudarlo. Su arrepentimiento está lleno de intereses económicos.

Este tipo de películas son el substrato comercial de Hollywood y al verla uno puede entender de dónde proceden otros grandes éxitos más recientes. El método es el mismo. Guiones facilones, actores guapos y el uso de un repertorio de trucos baratos para crear la sensación de haber vivido algo significativo y a la vez 'uncompromising' adornado por una serie de estúpidos e insignificantes sucesos que se interpretan como cómicos. A pesar de todo, estos son solo pecados menores. Supongo que tiene mérito el haber sido capaz de engañar a la gente con semejantes trucos. Al fin y al cabo, es la gente la que se deja llevar. Prefiero mil veces la falacia de la propaganda que la brutalidad de las bombas y el pistoletazo en la nuca.

Crumb, 1994

2011-08-15T06:57:00.000-07:00

Director: Terry Zwigoff

Esta cinta es un documental basado en la vida y vicisitudes del controvertido dibujante de tebeos, Robert Crumb y de su traumatizada familia. La narración es chocante y llena de críticas al 'sistema'. Sin embargo, el mismo Crumb parece tan inmerso en sus resentimientos que parece incapaz de reflexionar. En este sentido el documental describe a un hombre exclusivamente dedicado a rumiar sobre su vida mientras distorsiona, revive y 'castiga' a todo el mundo en su imaginación. Es algo decepcionante ver que quizás su obra es producto de una tendencia compulsiva que por tanto le resta perspectiva o profundidad a su trabajo. Su negativa hacia la posibilidad de entregarse más a gente próxima a él, refleja hasta qué punto él mismo ha absorbido lo más oscuro de aquello que tanto repudia. Resulta penoso contemplar al hombre en medio de su ceguera y decadencia que sin mostrar interés en cómo el mundo ha podido cambiar alrededor suyo continuará solitario hasta el fin. Una buena psicoterapia le hubiera podido dar mayor madurez, pero Crumb pertenece a la generación de los psiquiatras y antipsiquiatras: O tratamiento biológico o rechazo total a todo. El mejor aprendizaje al ver ésta cinta es comprobar el efecto combinado del narcisismo exarcebado con traumas y fealdad. El producto resultante parece ser rencor, aislamiento y mucha sublimación intelectual.

Crumb contribuyó al desarrollo del 'cómic underground' con un estilo hipersexual casi patológico. La película nos ayuda a entender mejor su obra y los cimientos de su imaginación. He disfrutado del visionado el cual proporciona todo tipo de emociones y permite delegar en Crumb mucho de lo que no nos gusta del Imperio. Quienes se atrevan a curiosear los cómics de Crumb podrán entrar en el lado oscuro de la generación del flower-power, los aspectos más bajos de la condición humana (e.g. sadismo, violencia), la obsesión masculina por el cuerpo femenino y el origen psicosocial de los trastornos mentales graves. Crumb es un superviviente en un mundo alienado. Su única terapia, es la terapia ocupacional. El documental es una estupenda obra que sintetiza y refleja no sólo a éste representante de la contracultura sino una pieza artística en sí misma, ya que ayuda a revisar los logros y los tremendos errores de la cultura del consumismo. Crumb está en todos nosotros, ya que representa verdades impopulares. En toda mente masculina existe la percepción de que vivimos en un mundo sin héroes, donde lo único que apreciamos es la pornografía, el sexo libre, el exceso, la venganza y la violencia total. Quizás eso es lo que existe en esta sociedad corrupta solo que los pobres sólo podemos vislumbrarlo con nuestra imaginación mientras los ricos se dedican a hacerlo real.

Andrei Rublev, 1966

2011-08-15T03:50:00.001-07:00

Director: Andrei Tarkovsky

A diferencia de la anterior, ésta es una cinta completa que aborda muchos problemas y temáticas. Como maestro fílmico, Tarkovsky sí que muestra capacidad para hacer la historia redonda y diáfana. Al verla me recordó una compleja conversación que tuve con un físico hace muchos años. En dicha tertulia hablábamos sobre la posibilidad de viajar en el tiempo y ver el pasado. El dedujo que la única posibilidad sería ir al pasado pero sin poder interaccionar con el mundo. Al final acabó concluyendo que veríamos todo como si fuera una imagen imposible de tocar o alcanzar. Sin darse cuenta describió al cine. En este filme Tarkovsky es capaz de transportar al espectador al pasado con gran eficacia. Todo está cargado de autenticidad. Los personajes son creíbles y llenos de sentimientos que no parecen fingidos, sino directamente desarrollados en un escenario real. Sus reacciones son tan humanas y al mismo tiempo tan profundas que arrebatan al verlas. Todo surge como si tuviéramos una visión divina y poderosa para captar los fenómenos históricos sin presunciones. Los personajes son tan perfectos que uno puede identificarse con ellos y comprender al instante el porqué de sus acciones y pensamientos, incluso cuando éstas trascienden lo inmediato y refieren a un sentido de misión espiritual en el mundo. Un momento histórico de la nación rusa es así eternizado en esta epopeya. A pesar de todo, la obra refleja las preocupaciones y posiciones sociopolíticas del artista y en ese sentido puede que el guión contenga ese sesgo. En este sentido no creo que la nación rusa deba tener como puntos esenciales lo que Tarkovsky promueve, pero en sí es una visión válida. Una gran película que todo el mundo debería ver para apreciar la impresionante historia de los pueblos europeos. En cuanto a los caracteres, son complejos y reflejan un modo de pensar clásico, en el cual se espera que los individuos encuentren la esencia de la vida y puedan expresar ética y artísticamente sus sentimientos ante una vida social impregnada de tragedia y crueldad. La religiosidad como articuladora de grupos e individuos permite a los hombres encontrar sentido al caos que supone ser consciente de las fuerzas sociológicas y una estructura que ofrece una identidad cristiana a la mente rusa. Tomando perspectiva de estas ideas puede que Tarkosvky respondiera al autoritarismo estatal idealizando otros momentos de la historia rusa, igualmente basados en dogmas y grandes sacrificios, pero donde los artistas no tenían las restricciones que los contemporáneos de Tarkovsky tuvieron que experimentar bajo régimen comunista. Sin embargo, es fácil ahora ver que hubiera sido imposible para un artista en la edad media el poder haber pintado cuadros abstractos o 'ateos' o simplemente de naturaleza no religiosa.

The Innocents, 1961

2011-08-15T03:31:00.000-07:00

Director:Jack Clayton

Esta cinta basada en una novela de Henry James se la considera una película de horror, pero creo que no lo es. Para mí es más bien una película de suspense. La narración contiene elementos interesantes en los que se proyecta un cambio de valores en la sociedad inglesa. A través de la historia que ocurre en tiempos idealizados, es decir en la época victoriana, la protagonista desarrolla su personalidad de adulta en un medio donde poder luchar contra sus fantasmas. Una mujer sana y responsable pone a prueba sus valores y sus creencias para acabar al borde de un precipicio existencial. La construcción de las escenas están diseñadas para garantizar ambigüedad pero todo indica que la mujer sufre de psicosis. Considerada por los ingleses la mejor cinta de horror, está simplemente sobrevalorada y no es nada 'horrorosa'. Creo que es entretenida y bien ejecutada en todos los aspectos, pero es demasiado explícita y por tanto distrae al espectador con mensajes inconclusos. No se sabe si se insinúa la decadencia de la cultura e influencia inglesa o se está reconociendo el final de la represión sexual o simplemente se cuenta una historia de fantasmas o quizás la de una mujer autista y psicótica. No es que incluir muchos mensajes y símbolos sea improductivo, es que no se ha sabido dar prioridad a la ninguno, ni tampoco se ha sabido terminar la historia correctamente. Un buen intento de película, pero una gran decepción al final.

Festen, 1999

2011-07-17T13:08:00.000-07:00

Director, Thomas Vinterberg

Festen es una cinta chocante y que cuenta una historia altamente improbable. Sin embargo, el efecto es notorio y el realismo de los personajes flota como una balsa en el fondo de un paisaje de clase alta. Es una historia creada para denunciar el abuso sexual, pero se pierde en la lucha que supone la angustia y la incertidumbre de la audiencia que debe juzgar si el abuso existió o no. Lo más impactante ocurre durante las escenas donde la gente se sienta a comer y representan de algún modo la sociedad. La sociedad se resiste a los embites de la manifestación emocional y 'alocada' de los individuos y en un momento dado atribuye todo a la salud mental de los que son problemáticos, cosa también muy típica en la sociedad de nuestros días. Al final, no existe resolución, y no sabemos qué es lo que la sociedad hace con ello. No sabemos si la sociedad continúa inmutable o se necesita una reconstrucción cultural. Todo termina con una sospecha de que nada cambia y que la denuncia sólo sirve para paliar las heridas. Como contraste a lo que las películas 'Dogma' intentan reclamar, discrepo totalmente y declaro que esta cinta no refleja ninguna 'realidad' objetiva, sino una construcción intelectualizada que tiene como objetivo denunciar una práctica humana antigua que es el abuso sexual infantil, y percibirla como una injusticia social.

Imago Mortis, 2009

2011-04-25T08:16:00.000-07:00

Director: Stefano Bessoni

Esta cinta tiene una factura interesante por su fotografía, su actuación y su guión. Desde un punto de vista artístico tiene gran valor el haber conseguido filmar las escenas en un lugar que en el pasado fuese una institución psiquiátrica y también un centro educativo. Sin embargo el análisis psicológico del fundamento esencial de la película pone en entredicho la posibilidad de realizar una proeza del calibre sugerido en la historia. La imagen psicológica no es formada en la retina, y por tanto extraer el ojo y colocarlo en un supuesto aparato para 'revelar' la última imagen captada por dicho órgano no tiene mucha base. Esto me hace pensar que los guionistas, fotógrafos y cineastas de esta película han reducido la mente a una mera cámara oscura donde no hay procesamiento de la imagen. Para realmente haber conseguido algo semejante habría que haber accedido a la parte posterior del cerebro conocida como parietal y haber tratado de encontrar módulos de procesamiento de imagen, cosa bastante remota y compleja todavía para la ciencia actual. En cualquier caso, y quizás tratando de ir un poco más allá de todo esto, parece que lo más morboso e interesante de la historia es realmente el tratamiento de los aledaños. o postrimerías de la vida. Captar lo patético de los instantes previos al cese de la misma pudiera indicar quizás el intento humano de atrapar la última herencia, o realizar el último rescate posible de la historia de un individuo. Quizás por ahí, podría elaborarse un poco más este guión, que estoy seguro generará más versiones, puesto que el filme en sí ha colocado firmemente un buen cimiento para un verdadero subgénero al cual llamaría tanatografía, siguiendo la terminología de la propia película.

Que se mueran los Feos, 2010

2011-04-25T05:03:00.000-07:00

Director: Nacho G. Velilla

Esta es una cinta con un extraordinario reparto y con gran efectismo a nivel visual, cinemático en general y de actuación en particular. El nacimiento del ternero es impresionante y toda la narración contiene elementos que encajan con la vida normal sin caer en un vulgarismo fácil. Tanto las actitudes y los roles como el fondo paisajístico todos encajan en un puzzle contemporáneo donde los íberos empiezan a respirar un nuevo aire de autocompasión y de amor por lo que está alrededor nuestro. Hay mucho más que comedia en esta obra que la veo conectada con un renacer de lo local y de que lo pequeño o feo también es hermoso.

Rien à déclarer, 2010

2011-04-23T04:44:00.000-07:00

Director, Dany Boon

Esta cinta que he visionado en el Avenida 5 Cines de Sevilla ha valido la pena disfrutarla en pantalla grande. Aprovechando mis vacaciones la he visto con unos amigos y nos hemos partido de risa. Tocando un tema dificil como es la idea del cambio y como la gente se resiste, conectar esto con una comedia sin pretensiones es algo de reconocer. Los actores principales han hecho un trabajo de reconocimiento merecido y la reflexión sobre la historia reciente es algo de agradecer. En fin, es una película que entretiene, que careciendo de una trama compleja hace pasar un rato agradable y nos permite burlarnos de nosotros mismos. Creo que el personaje del policía aduanero francés supone un cambio de estereotipo de hombre respecto a lo que estamos acostumbrados y por tanto se añaden elementos valiosos de la nueva cultura europea en esta divertida cinta franco-belga.

No Man´s Land, 2001

2011-04-16T13:17:00.001-07:00

Director: Danis Tanović

Esta gran película nos muestra sabiamente un concepto histórico importante que es el de la continuidad. Dicho concepto está muy bien asociado en la cinta con otros de tipo psicológico como es el del constructivismo. En este caso asumimos que los distintos personajes construyen la situación de forma idiosincrática y la línea argumental no falla en favor de ninguna de dichas construcciones. Las elecciones humanas son accidentales y caóticas, puramente basadas en el contexto y fundamentalmente conectadas con el grupo cultural de referencia. Esto nos lleva a situaciones irreconciliables y funestas. Película simple y efectiva, de gran valor filosófico y psicológico.

The Great Dictator, 1940

2011-04-16T12:57:00.000-07:00

Director: Charlie Chaplin

A pesar de que ésta es una reconocida e impactante obra quisiera hacer unas observaciones un tanto críticas de la cinta. Me parece que Chaplin utilizó de forma oportunista y política la crítica a Hitler y todo lo que representaba Alemania en aquél instante de la historia de Europa. Chaplin era inglés, y en aquél momento podía haber elegido hacer una película criticando su patético país, que en aquellos momentos se cagaba de miedo a pesar de haber proclamado al mundo que era un imperio. Sin embargo, Chaplin no criticó al país más pirata y oportunista que era el suyo. Sino que criticaba a otro país que simplemente carecía de hipocresía pero que actuaba con igual brutalidad a nivel internacional que Inglaterra. Como típico inglés, hábilmente aliado al capo de la aldea global (Estados Unidos), simplemente hace una sátira del poder que Hitler simboliza y que él en realidad envidia. En un acto de proyección enorme Chaplin ejecuta una película que a la deseperada pretende hacer protagonista a su cultura. La cultura de la dominación, de la propaganda y también la del consumismo: 'Ahora que otros asesinan más que nosotros y que nos pueden incluso liquidar, propongamos la paz, para así seguir engañando y robando, pero esta vez sin dar el pistoletazo en la nuca'. Chaplin y sus amiguetes han sido capaces de lanzar este mensaje tipo Coca-Cola, mediático y falso para reconquistar una vez más la humanidad pero esta vez atontándola como si su arte estuviera más cerca de la apicultura que de la filmación.

La Dolce Vita, 1960

2011-03-24T06:38:00.000-07:00

Director: Federico Fellini

A pesar de la obsesión anglosajona por producir arte y ciencia de manera coherente, la disparidad reflejada en esta película que carece de continuidad narrativa supone un reto para toda mente del Norte de Europa y América. Sin embargo, todo el mundo reconoce que este filme es sin duda uno de los mejores que se han podido hacer en la historia del cine. Federico así demuestra que la expresividad y creatividad humana tiene mucho que ver con la vivencia interna del individuo. La aparente falta de lógica percibida en la cinta no es más que el reflejo de la propia ignorancia de aquellos que no aciertan a ver orden en la sofisticación.

Los mensajes que Federico mezcla en la película son una suerte de fragmentos semi-oníricos de gran valor existencial. El efecto acumulativo de las narraciones que 'La Dolce Vita' nos muestra, nos acaba dejando angustiados, perdidos y quizás, desilusionados con la vida. No hace falta presentar burdamente esta reflexión, sino que como arte que es, el cine permite hacerla consciente a través de nuestro inconsciente.

Roma es un desierto moral, una ciudad que acumula tantas ruinas como depravación. Perdidos en la vorágine de la nueva era, los personajes de esta historia vagan ebrios y desinhibidos. Su alienación no les permite reaccionar emocionalmente ante el sufrimiento y la confusión de la clase trabajadora todavía adicta a la superstición y la que se le prepara un nuevo lavado de cerebro: el consumismo. Ni siquiera el choque con lo animal o con el mundo no vivo (reflejado en el fin de la película) produce cambios en los personajes. El ser humano, imbuido en sí mismo, está en constante huída de su propio destino. El exceso de civilización nos puede hacer perversos y grotescos en nuestros hábitos y actitudes. La clase dominante se retuerce de dolor ante su impotencia frente a la mortalidad. Al final, como siempre, serán las clases trabajadoras las que tengan que encontrar modos de aliviarlos. La comercialización y el consumo masivo de la belleza y la popularidad se entronan como valores absolutos del mundo contemporáneo. El Emperador se ha colocado nuevos ropajes.

Le Boucher, 1970

2011-02-08T12:33:00.000-08:00

Director, Claude Chabrol

Es una gran cinta que entretiene, evoca un mundo singular que aunque cerca en el tiempo parece ya clásico y envidiable y a la vez cuenta una historia de una forma sencilla y efectiva. La historia de un asesino, de una vida normal en un pueblo europeo donde una maestra disfruta de su buena reputación se mezclan para insinuar que el bien y el mal, y sus límites están entrelazados y se confunden en el mundo social humano. Ni el asesinato es central, ni la captura del criminal el objeto de la película. Un filme inquietante y profundo que es sin duda una obra maestra.

Orphée, 1949

2011-01-15T08:50:00.000-08:00

Director, Jean Cocteau

Tiene muchos elementos personales que hacen que la película sea una mezcla de autobiografía y referencias a la memoria colectiva de la Francia ocupada. Orfeo es la historia de un poeta, pero también un fragmento de la propia personalidad del director. Los personajes bohemios presentes en la historia reflejan el valor dado a la intelectualidad en la construcción de la personalidad gala. A pesar de todo Cocteau se presenta como un individuo poco comprometido con las ideas políticas a no ser que se incluya la homosexualidad como una facción de la izquierda. En cualquier caso es un filme que hay que ver y que posee una construcción surrealista y siempre fresca en su presentación. Si el cine refleja la vida humana y sobretodo se presenta como una expresión onírica o quizás fenomenológica de la experiencia, Orfeo es un puente entre lo inconsciente y lo consciente.

No Controles, 2010

2011-01-14T10:05:00.000-08:00

Director: Borja Cobeaga

Esta es una de esas películas que tiene buena crítica en Estados Unidos y no en España. Por ejemplo en 'Variety' se aplaude el humor y el refrescante mensaje de la cinta y en España se ve como una obra con puntos muy vistos y predecible. Para mí, que la he visto en Sevilla hace unos días me resultó en general entretenida y graciosa, pero además añade otros aspectos interesantes que me gustaría añadir. Creo que aporta una imagen necesaria de una España que cambia y se reconstruye de manera más sana y progresista. Hay espacio para la autocrítica, la melancolía y para explorar errores y fallas personales. Todo un guión que hace a los actores engancharse en la historia. Esto produce unas escenas creíbles y con consistencia. También se introducen aspectos de la cultura vasca y la cultura pop y televisiva. Todos estos elementos demuestran que reconocer aspectos de la compleja cultura ibérica nos une a todos en nuestra diversidad.

The Road, 2009

2010-11-25T13:49:00.000-08:00

Director, John Hillcoat

Esta es una película interesante, que desarrolla una narrativa muy americana sobre un mundo post-apocalíptico. Creo que el protagonista refleja el egoísmo y la falta de fé en los iguales algo que es de algún modo un estereotipo gringo. Eel protagonista es un hombre que intenta ir por la autopista de la vida aún sabiendo que puede ser arrollado. A pesar de pasar por circunstancias extremas donde la vida en grupo es fundamental, él no confía en nadie. Por eso acaba quedándose solo. Es un reflejo de la cultura anglo, tan esforzada en conseguir objetivos sin saber en realidad que el modo de conseguirlos es tan importante como los fines. El director reconoce que evitando el evento apocalíptico se facilita el enfoque en lo humano de la historia. No se sabe ni porqué ni cómo el mundo conocido llega a su fin. En este sentido la pelicula es efectiva y con un mínimo de efectos especiales se recrea un escenario terrible pero muy creíble. Como padre que soy, pasé un rato bastante malo viendo cómo se sufre por la vida de los hijos. Qué le vamos a hacer, se va uno haciendo mayor y el corazoncito se ablanda.

オーディション Ōdishon, 1999

2010-10-16T12:21:00.000-07:00

Director, Takashi Miike

Sin más preámbulos esta película es una obra maestra. Su concepción revela un profundo conocimiento de la psique y de cómo una historia debe ser contada para que sea interesante. Creo que la cinta mezcla los temas de la vida misma y presenta el choque entre inocentes, lo que da a entender el erudito conocimiento de como funcionan las relaciones interpersonales. Es una historia dulce que no puede defraudar porque es romántica. No deja de sorprender y minuto a minuto nos engancha con situaciones posibles, caracteres y expresiones emocionales complejas y que incitan empatía. El amor es imposible y la imperfección, un anticipo de la aniquilación total. La angustia vital es revelada finalmente. Well done Miike!!

Blade Runner, 1982

2010-10-16T12:06:00.000-07:00

Director, Hollywood (y en su nombre, Ridley Scott)

Blade Runner es una película que he visto muchas veces, pero pocas veces he podido responder a la pregunta de porqué. He aprovechado estos días que estoy en casa solo para verla una vez más. No me agrada que se use la violencia en las películas de ciencia ficción o para expresar temas metafísicos, creo que no es necesario. De hecho he conseguido imaginarme el guión evitándola y me ha gustado el ejercicio. Mi sugerencia es que en esta película los replicantes deberían de haber ido al psicólogo en lugar de ir a matar a sus propios 'padres'.

Lo más atractivo de esta cinta para mí es el escenario futurista, la preocupación por la contaminación, la soledad, las consecuencias de la postindustrialización y por supuesto la estética visual de la historia. Así mismo, la muerte o la mortalidad y consecuentemente la angustia son temas bien tratados en el filme. Se les da un tono épico y se mezcla bien con lo determinado de la conducta humana. La palpable falta de libertad en un mundo aparentemente 'humanizado'.

Decididamente voto por la versión del director, la cual tuve la suerte de ver en la gran pantalla en Cambridge en 2007 y fue una pasada porque uno se admira más todavía de cómo se pudieron hacer esos efectos especiales en 1982.

Zombie Wars, 2006

2010-10-11T10:51:00.000-07:00

Director, David A Prior

Esta cinta me ha recordado a Orzogüey o algo así. El mundo se ha ido al garete y los zombis han conquistado el planeta. Sólo unos cuántos rebeldes están en condiciones de devolver el golpe. El guión sugiere que los militares son los que saben solucionar problemas tan difíciles como éste y claro, la solucíón ya sabemos cuál es. Por otra parte los zombis parecen más listos, pero no hay una clara explicación. El caso es que se dedican a esclavizar o 'cultivar' a los seres humanos como si fueran lechugas para luego comérselas. Esto puede provenir del Planeta de los Simios y de otras cintas como Matrix.

Es difícil salvar la película a pesar de que tiene un presupuesto mayor que otras que he comentado antes (200.000 dólares). De hecho, los efectos especiales, y todo lo demás resultan poco efectivos, y eso que he visto la peli y solito y por la noche. En cualquier caso, hay un montón de zombis mal maquillados y feos, muchos tiros y mucha sangre. Un auténtico desahogo para el que desea deshacerse de su suegra y no puede. De hecho hay una escenita de ejecución de dos que podrían parecer los suegros de alguien. El poster de la película, lo mejor sin duda.

Warlock, 1989

2010-10-10T12:34:00.000-07:00

Director, Steve Miner

Esta es una película que supongo entretendrá a los americanos cristianos y demás creyentes en el diablo y en el 'mal'. El mál es vencido y todo tiene rituales y modos que son estúpidamente arbitrarios y aburridos. Por lo demás es una cinta de las que típicamente conecta Inglaterra con USA. No se les podía haber ocurrido hacer una narración parecida de españoles católicos, que para eso llegaron antes a América. Se les ocurre siempre lo mismo, lo cual es aburrido e históricamente ñoño. El sabor de los ochenta está imbuido en el filme, con sus vestimentas y estilos horteras. Pero más hortera es como he dicho, cambiar la historia. Quizás lo único español de la película es la manía de destruir libros. Los efectos especiales dan risa pero fueron supongo un trabajo concienzudo en aquellos años.

Wicked Little Things, 2006

2010-10-10T09:49:00.001-07:00

Director, J. S. Cardone

Esta película titulada 'Zombies' en Inglaterra, no tiene nada de zombies. Trata sobre la revancha tardía de unos niños-fantasmas-caníbales que antes de su metamorfosis tenían que trabajar en una mina y murieron tras una explosión. Resulta dudoso que los mineros se quedaran dentro de la tierra al detonar explosivos, pero bueno. El caso es que la película promueve una especie de venganza anticapitalista que al final está fuera de control. Debido posiblemente a demandas de consumo la película, igual que la anterior comentada, condensa varios temas que despistan y distorsionan el mensaje principal convirtiendo la cinta en una especie de cóctel extraño. Por ejemplo -matar a todo el mundo menos a los que son de nuestra sangre- no es un plan muy justiciero que digamos. Las razones por las que la familia de mujeres se van a la montaña es por razones puramente económicas y después todo cambia radicalmente. Esto no tiene mucho sentido (a lo mejor es por esa confusión ética que existe en los países ultracapitalistas en la que ellos tienen que autoconvencerse de en el fondo ellos no están tan obsesionados con el dinero). La idea de hacer a una niña-fantasma sonreír y tener empatía por otra niña (que no conoce el miedo o es más bien psicótica) tampoco es muy afortunado y con el maquillaje de los niños se han quedado un poco cortos de presupuesto. Algunas de las fallas de esta cinta puede que simplemente reflejen falta de imaginación aunque resultaría una pena que esto fuese así. La película tiene buenas imágenes y creo que han hecho un gran esfuerzo por filmar a oscuras, tema bastante complicado técnicamente. A juzgar por los títulos de crédito parece que han filmado en Europa del Este, lo cual a parte de ahorrar pasta está bien conseguido el simular que la historia ocurriera en USA.

No Man´s Land: The Rise of the Reeker, 2008

2010-10-10T08:17:00.000-07:00

Director, Dave Payne

Esta cinta tiene un buen comienzo, con buenas imágenes, fotografía y acción. Gradualmente se va enlenteciendo y haciendo cada vez más liosa y difícil de comprender mientras que el gore te va distrayendo. Al final has visto suficiente de lo que esperabas, el nudo gorgiano se supone que se resuelve pero casi que da lo mismo porque es demasiado. A lo mejor la confusión procede del exceso de ideas divergentes (i.e. asesino en serie, psicosis, atracadores, camarera sexy a la que le ponen los cuernos, padre e hijo policías, médica solitaria aficionada a las motos, etc). La historia a lo mejor intenta adoptar la forma de una especie de fábula en la que la gente persigue su propio destino, pero como he dicho la confusión no me permite tener esto nada claro. Por otra parte se intenta conectar salud mental con otras dimensiones, cosa que bueno, es una suposición no muy interesante para mí ya que todos los días trabajo con personas psicóticas. Dicen por ahí que la primera versión de esta película es mejor. En cualquier caso, las escenas de horror, de humor y las posturitas sexy de las actrices hacen de la película un conjunto entretenido que nos ayuda a condensar una pizca de todas esas cosas que buscamos en la vida y que en realidad sólo vemos muy de vez en cuando. Pero creo que la cinta tiene tanta cantidad de temáticas que resulta una ensalada más pesada de lo que uno puede esperar. Quizás de nuevo, puede que esto sea una reflexión de nuestra forma de consumir; hacemos rápidamente una ensalada de todo sin pensar muy bien sobre las consecuencias que tendrá esto a largo plazo.

Moby Dick, 1998

2010-09-27T11:56:00.000-07:00

Director, Franc Roddam

Esta película se produjo para la televisión y está hecha en dos partes. Es una cinta trabajada en cuestión de presentación y ambientación. Los caracteres también son complejos y cargados de carácter a pesar del tema. Creo que esta es una de estas historias que hace mostrar lo lejos que estamos del siglo XIX en cuanto a estilo de vida. Todo parece tan alejado del presente que resulta forzado actuar haciéndose el duro todo el tiempo. También es extraño que un profesor quiera ver mundo enrolándose en un barco pesquero. Aún más estrambótico es servir lomo en una posada de un puerto pesquero. Sin embargo esta paradójica fobia por el pescado es común en Inglaterra.

A pesar de toda la fama de la novela, la percepción es que es difícil creer en una historia así desde un punto de vista cultural, puesto que la cultura anglosajona es práctica y no permitiría ir con un barco privado en busca de un 'toro de mar'. Esto es algo destinado a los íberos, que tienen más cojones para hacer una cosa así. Supongo que habrá mucho publicado en cuanto al significado de la lucha entre el hombre y la ballena, pero la verdad es que seguramente los que han pensado sobre el tema no saben nada de tauromaquia. Este tipo de temáticas no es el punto fuerte de la cultura anglo y le doy más valor al esfuerzo de ambientación y de construcción de los caracteres que a otra cosa.

Zombie Transfusion o Automaton Transfusion, 2006

2010-09-26T02:09:00.000-07:00

Director, Steven C Miller

De nuevo considerando que esta película se ha hecho con 30000 dólares, hay que reconocer que tiene mérito congregar a tantos extras y hacer tan buenos efectos especiales considerando el presupuesto. A pesar de ello, la película no da para mucho. Guión chungo, con historia infantiloide y final abrupto. La búsqueda de la 'safe base' en el instituto y encontrar allí una 'base secreta' es un acto irracional pero muy satisfactorio para la audiencia adolescente y las paranoias de la mente juvenil. En cualquier caso, interesante movimiento de la cámara y algún diálogo que hace reír. El concepto de zombi se va desarrollando cada vez más sobre todo con la ayuda de los virus, y en esta cinta son muy poderosos, supongo para poder convertirse en soldados de combate. Por ejemplo, con sólo ponerle la mano a alguien en la tripa, le pueden sacar a uno los riñones. Los virus son los virus. De este tipo de obras saldrán futuros ídolos de culto.

Es una pena que todavía los mismos fanáticos de los 'horror films' debuten haciendo énfasis sólamente en los efectos especiales. Más valdría la pena introducir algo más consistente y menos dirigido a 'niñodeclasemediaangloparlantedegringolandia'. Es por ello por lo que no puedo aceptar esta cinta como cinta independiente o indie porque no tiene nada de independiente en relación a los valores dominantes.

Romasanta, 2004

2010-09-21T14:40:00.001-07:00

Director, Paco Plaza

Esta cinta es otra evidencia más de cómo no merece la pena hacer películas españolas en inglés. A pesar de todo los actores son buenos y su trabajo es respetable. Sin embargo, debido a la alta calidad de la película, su salida en el mundo angloparlante no tiene sentido. De hecho en Inglaterra no hay ni siquiera 'reviews' sobre ella, lo cual es una vergüenza.

Romasanta no solo es la mejor película de licántropos que he visto sino que añade elementos de otros géneros. Es una película policiaca, psicológica y de suspense. La factura es buenísima y todo parece realizado con esmero, respeto y gusto. Una obra maestra que si hubiera sido realizada por un director de Hollywood hubiera ganado oscars. Well done Paco!

The Zombie Diaries, 2006

2010-09-19T13:40:00.000-07:00

Directores, Kevin Gates and Michael Bartlett

Esta es una cinta independiente realizada en Inglaterra en áreas geográficas que yo mismo conozco bien. Creo que la película introduce un aspecto nuevo en el mundo de los zombis lo cual consiste en narrar la historia con estilo documental e introducir una trama que va hacia atrás y hacia adelante en el tiempo. Dicha trama es compleja y describe aspectos degradantes del comportamiento humano en situaciones extremas. Normalmente en las películas de zombis hay una 'personalidad' dominante que es la de la lucha por la supervivencia y quizás una preocupación por la humanidad. Sin embargo, en este caso, los mismos humanos 'sanos' parecen carecer de planes de este tipo y no tienen reparos en convertirse en depredadores impulsivos o simplemente desinterés por la situación de los otros humanos sanos.

El sonido no es muy bueno, y no la he podido ver con subtítulos lo cual dificulta aún más la comprensión del diálogo. A pesar de todo, se insiste mucho en el 'fucking this and fucking that' de modo que asumo que no me he perdido mucho del diálogo shakespeariano de la película. En general una historia algo mareante por lo de la cámara documental, pero interesante y con buenos zombis y situaciones nuevas. Con respecto al título quizás hubiera estado mejor ponerle 'Diaries of the Dead', ya que consiste en tres partes realizadas por distintos periodistas, pero hubiera provocado confusión con otras movies como la de Romero (que aún tengo que ver). Tiene ese tono realista de las películas inglesas que es un tanto seco, pero los actores se han esforzado mucho y dan una actuación bastante respetable. Las Special Features del DVD nos describen cómo se hizo la película y la verdad es que todos parecen haber puesto mucha pasión en esta película utilizando trucos como por ejemplo el no decirle mucho a los actores sobre las escenas y enfrentarlos a un escenario dantesco de golpe y porrazo. Una técnica bastante eficaz al parecer. Con respecto al maquillaje decir que hay un profesional de ese campo llamado César Alonso que tiene una página güeb muy interesante:

http://www.cesarthecat.com/

Days of Darkness, 2007

2010-09-15T03:48:00.001-07:00

Director, Jake Kennedy

Esta cinta es adecuada para un visionado sin grandes espectativas a nivel de efectos especiales, como uno se puede esperar, sin embargo, contiene un gran número de elementos entretenidos que hacen enriquecer la experiencia zombi. Por ejemplo, los zombis no contagian con su mordedura puesto que están controlados por criaturas alienígenas que han invadido los cuerpos de los infortunados seres humanos.

El proceso de indagación sobre las causas del desastre está aderezado por una convivencia compleja y tensa entre minorías sociales (e.g. gays, militares, curas, estudiantes de medicina fracasados, etc) que conlleva vivisecciones y autopsias interesantes. Los efectos especiales y el presupuesto no dan para más, pero eso no importa. Lo bueno es el derroche de ideas, como el de usar una base militar abandonada y de aportar diálogos políticamente incorrectos. A pesar de todos estos puntos buenos, en cuanto al guión, no me queda claro cómo los protagonistas se acaban dando cuenta de que los alienígenas llegaron empaquetados en un meteorito. Supongo que se olvidaron de especificar esta parte un poco más.

Otro aspecto valioso de la cinta es la dinámica entre los dos protagonistas que sufren el sentimiento de traición y culpa por un embarazo inexplicable. A esto le sigue el éxtasis ante la comprensión ulterior del drama (al comprender el motivo del embarazo y también cómo combatir a los aliens). Creo que dicho aspecto narrativo de la historia le da un tono positivo a la horrible sensación de ser los últimos humanos en el planeta y da un resultado muy satisfactorio a la historia. Con un poco más de dinero se podrá hacer un excelente remeik.

Alice, 1990

2010-09-06T16:16:00.000-07:00

Director, Woody Allen

Esta cinta que he visto en numerosas ocasiones es una especie de bálsamo para noches de insomnio. Tener tiempo e independencia para verla uno solo en compañía quizás de una infusión herbal asiática es ideal.

En este tipo de películas Mr Allen desarrolla toda su potencia como escritor, guionista y director. No he visto la película original de Fellini (Guiulietta degli Spiriti) sobre la que se basa 'Alice', aunque debería. En cualquier caso es una obra que toca diferentes cuerdas. Es seria e hilarante, capaz de reflejar la vida real de la clase media neoyorkina y también la fantasía y aspiraciones de sus ciudadanos. No sé si Mr Allen se inspiró a través de Fellini en el realismo mágico o simplemente lo desarrolló independientemente pero en cualquier caso el filme nos lleva grácilmente desde los problemas interpersonales de una pareja adulta hasta la intimidad del psiquismo individual.

El estilo y moda de los años 80-90 está ahí también capturado en su máximo esplendor y resulta en la distancia un tanto hortera, pero reflejo de la vanidad de nuestra época.

Esta película tiene la capacidad de permitir a la audiencia masculina de identificarse con la protagonista, lo cual creo es un gesto moderno y profundo. A la vez por su animosidad y encanto especialmente producto del misterioso médico chino la historia se nos hace fácil de seguir y comprender sin tener que realizar un esfuerzo intelectual o consciente para procesarla. El inglés es fácil de seguir, debido al natural encanto de los neoyorkinos con esos acentos tan mediterráneos y cálidos. Sin duda una pieza necesaria en la videoteca de un aficionado.

Chrysalis, 2007

2010-09-05T07:39:00.000-07:00

Director, Julien Leclercq

Chrysalis es un filme que refleja a mi modo de ver dos aspectos étnicos y culturales de la vida francesa. El primero es su devoción por lo estético y el segundo su total entrega a una medicina del siglo XIX y un tanto pasada de tuerca. Esto lo he comprobado personalmente en mis encuentros personales y profesionales con individuos de aquél país.

Leclercq nos seduce con un futurismo al alcance de la mano y sin fanfarrias donde personas, ropajes, vehículos, arquitectura y juguetes resultan todavía familiares y a la vez estremadamente bellos y sofisticados. La paleta azul de la cinta nos indica el tono afectivo y psicológico de la misma. A la vez se nos muestra que la robotización aunque en desarrollo sigue siendo torpe e incapaz de capturar la emocionalidad de los humanos. Esto se refleja en el juego autista de un perrito robot en una secuencia. El uso de la cámara es muy europeo, esto es sin mareos y muy estable a pesar de la tensión y movimiento que engendra la propia historia. A pesar de su inteligente guión, intensa acción y suspense, su buena mezcla entre golpes, testosterona y tecnología nos decepciona con su pobre concepción de lo que requiere comprender la mente humana. No sólo no resulta creíble ni posible que una cirujana entienda de inteligencia artificial sino que por ello mismo no sorprende que todo le salga absolutamente al contrario de sus planes. Las otras bondades de la tecnología futura como traspasar mentes de un cuerpo a otro son cuestión de opinión pero a mí en particular me ha fastidiado esa nefasta y francesa creencia en que los médicos lo saben todo. A lo mejor el hecho de que todo se salga del tiesto es una indicación inconsciente de que la psicología requiere de especialistas y no de aficionados. Por otra parte, y como he visto en otras críticas puede ser que el mismo guión sea algo confuso y poco cuidado en cuanto a identificar quiénes son los artífices de esta fausta empresa de descargar softwares mentales y de cuáles son sus motivos.

800 Balas, 2002

2010-09-05T07:03:00.000-07:00

Director, Álex de la Iglesia

Esta película curiosamente tiene mejor crítica en el mundo angloparlante que las anteriores comentadas. Supongo que porque la audiencia de este tipo de cintas son más selectas y más mayores en edad. En este sentido de la Iglesia nos recrea un microcosmos andaluz, con los restos arqueológicos de un Hollywood almeriense que sólo los que eran adultos en los años sesenta-setenta pueden comprender. La película no sólo es una 'B movie' o una 'exploitation film' en terminología anglo, sino que parece una rareza artística donde se mezclan más de un género.

Me recuerda a Planet Horror de Rodríguez y Tarantino porque tienen un sabor retro y psicológico. En este caso de la Iglesia revive aspectos históricos de la historia del cine español, pero amalgamando métodos expresivos como el uso de lenguaje vulgar y arquetipos ibéricos con la chocante adición de una estudiada estética de cine del Oeste. Como aderezco hay pinceladas fellinianas donde el niño que llevamos dentro es iniciado sexualmente por una venus iberoamericana y toques postmodernos y americanizantes sobre el capitalismo y el papel represor de la policía en la sociedad.

De la Iglesia retrata a los españoles pero confunde lo andaluz con lo madrileño. Mostrar a andaluces hablando castellano es tanto una desafortunada pero frecuente falta de respeto, decoro y tacto como una forma de subordinar nuestra preciada cultura a la cultura dominante. A lo mejor somos igual de burdos que los madrileños a ojos de otros y no es mi paranoia personal. Pero también puede que como vasco, de la Iglesia todavía no se haya enterado de que los andaluces somos más país y más nación que su pequeño y diminuto barrio del norte de la península. Por otra parte también creo que a estas alturas, a lo mejor nosotros tenemos más culpa de esto que los íberos del Norte. En cualquier caso, y volviendo a la cinta, su dinámica parece descarada e intencionalmente dilatada, lo cual facilita distracción pero también cierto grado de tedio. Supongo que el tedio es un ingrediente necesario para comprender el submundo del Franquismo y sus secuelas en la vida cultural y diaria de los que lo sufrieron. Por todo lo más, creo que es una obra compleja y quizás sobrecargada de información o de planos de significado. Digo esto no porque a mí me disguste lo barroco, sino porque a lo mejor dichos planos me resultan insólitos o insisto, simplemente porque no viví aquella época como adulto.

Knight and Day, 2010

2010-08-23T23:21:00.000-07:00

Director; James Mangold

Esta es una película que he ido a ver al cine por motivos obvios. A pesar de la horterada de ver los San Fermines en una Sevilla gaditana, uno no puede evitar la curiosidad de ir a ver un retrato de su propia cultura vista por palurdos ignorantes. Después de todos los atentados culturales que la cinta muestra, hay que reirse con la actuación de estos viejos actores que dicho sea, hacen un buen trabajo. Desde que vi a Cruise en 'The War of the Worlds' me dí cuenta que es un mejor actor cuando hace el ridículo. En este sentido, es una película entretenida. Para colmo también tenemos por fin a una película donde los españoles a pesar de ser los malos, son supermodernos.

Los Crímenes de Oxford, 2008

2010-08-23T23:11:00.000-07:00

Director; Alex de la Iglesia

Esta película una vez más experimenta el maltrato y abuso de los países anglosajones. Las críticas no pueden ser peores y contrastan con las de los españoles como el blanco y el negro. A mi modo de ver resulta cada vez más patente que a los inglesitos no les gusta que les ganen en su propio terreno, pero es lógico que esto suceda después de tantos años de invasión cultural. Ahora nosotros sabemos mucho mejor que ellos lo que ellos son.

En cuanto a la cinta en sí, decir que es brillante, inteligente y demoledora. Probablemente la mejor película de crímenes que he visto. Para colmo tiene cosas que enseñar. Por ejemplo, psicológicamente es una obra maestra al unir matemáticas y psicología. Es un sueño hecho realidad, el ver expuesto en público cómo las matemáticas carecen de respuestas y no son más ni menos científicas de lo que lo puedan ser el resto de las disciplinas del conocimiento. Hay un deja vú con la película 'Pi' que he comentado hace poco, lo cual es positivo porque significa que los intelectuales parecen estar al acecho de conceptos constructivistas y neoexistenciales. Da gusto ver el gran cine renacer. Well done Alex!!

The Mist, 2007

2010-07-27T13:08:00.000-07:00

Director, Frank Darabont

Con mucho menos éxito y talento que cuando dirigió The Shawshank Redemption y The Green Mile, Frank Darabont ha creado esta película que es simplemente entretenida. Quizás en ese sentido la película replique uno de tantos libros de Stephen King, que en general son de nuevo efectivos pero nada arrebatadores, reveladores o sencillamente originales.

La película aglutina un gran número de tópicos, deja vús y de efectos digitales un poco cutres, pero sobrevive puesto que es fácil de seguir. A parte también tiene algún giro antireligioso que sin duda para ser una cinta americana, está bien y da como efecto una sensación refrescante.

Los aspectos psicosociales y psicológicos son poco creíbles al menos desde una perspectiva europea. Esa fractura entre conversos y agnósticos, esas paranoias americanas son poco atractivas para el paladar del otro lado del charco. Para colmo insisto, la película toca el refrito tema de los militares haciendo experimentos peligrosos y afectando a la población de ese sacrosanto país de crédulos violentos llamado USA.

The Matrix, 1999

2010-07-25T08:50:00.001-07:00

Directores, Larry and Andy Wachowski

No he podido evitar colocar una entrada sobre esta película después de 'Pi' por sus conexiones y porque quizás también me estoy volviendo mayor. Al fin y al cabo, aunque a mí me parezcan dos días los que han pasado desde que esta película se vio en la pantalla grande, en realidad han pasado ya casi once años...

Esta cinta que pude ver muchas veces en la pantalla grande para mí significa no sólo una conexión entre pasado, presente y futuro, sino que es también una expresión angustiosa del deseo de muchos urbanitas por proyectarse de una vez por todas hacia la complejidad del futuro tecnológico y psicológico. Es el hartazgo por la superficialidad, por la actitud partisana de las religiones, por el tedio del trabajo y por la paradójica fuerza y debilidad del Yo en la sociedad moderna. Es por todo ello y por mucho más por lo que todos deseamos saltar a un futuro donde la existencia y la identidad sean algo más flexible y psicológicas. Esto significa el poder mostrar a otros distintos aspectos de nuestro Self con más libertad, poder utilizar cualidades biomecánicas y robóticas para poder hacer la vida más efectiva y confortable. Y también significa poder hablar de espiritualidad y de transcendencia sin tener que sentirse esclavo de dogmas y de reglas medievales que no se ajustan a la realidad y aspiraciones de hombres y mujeres del presente.

La idea de Calderón de que la vida es un sueño, es llevada a un extremo constructivista en la cinta, puesto que en terminos modernos y psicológicos, la vida está 'construida' por nuestra mente. No sabemos lo que hay ahí fuera, sabemos lo que sabemos a través de nuestra maquinaria mental la cual es limitada y falible. Pero deberíamos de sentirnos más a gusto con ello en lugar de distorsionar las cosas aduciendo que sólo hay una verdad, o que la 'verdad' existe. Este filme nos lanza al siglo XXI y espero que algún día no muy lejos del presente podamos cada uno sumergirnos de verdad en el mundo de la robótica, lo virtual y la exploración de la conciencia de una manera más libre.

Pi, 1998

2010-07-24T14:39:00.000-07:00

Director, Darren Aronorfsky

Esta pelicula que es una joya de la produccion independiente y de nuevo opera prima, no solo es barata en terminos de presupuesto sino que es rica en ideas y en aspectos que conciernen la vida actual desde un punto de vista existencial. Creo que de ella acabaran saliendo interesantes remakes, que en palabras de Tarantino haran la idea mucho mas cinematica. Lo unico que no me convence es el final, el cual es un tanto ambiguo (cosa no necesariamente mala) que en este caso convierte la historia en un conjunto de sucesos que acaban en algo simplemente borroso e impreciso, lo cual choca de mala manera con todo lo anterior aunque el director en su comentario del DVD intente aclarar que no hay explicación para ciertas cosas.

Un aspecto de los que a mí me gusta en términos de evolución y mejora cinemática está relacionado con los famosos títulos de presentación de The Matrix, la cual creo debe tener mucho que ver con la que se ve en Pi. Al fin y al cabo Pi salió a escena el año anterior a The Matrix. Curioso que estos diseños numéricos costaran 2000 dolares en un Mackintosh usando un software barato. También el preciosismo (el respeto por algunos aspectos como el tratamiento del hebreo y de las matemáticas) y el efecto retro (contando una historia donde ordenadores de generaciones con disco de 51/4) de la película me encanta.

El blanco y negro es efectivo y la velocidad y estilo de narracion bastante agradable de seguir. La filosofia y fenomenologia del protagonista estan bien construidas y la complejidad de los retos que el protagonista se plantea se hacen entendibles para el lego a traves de la cinta. Hay guinos hacia la cultura sefardi, que fue la generadora de la Kabala y por tanto de como lo nuevo y lo viejo se entrelazan en la vida contemporanea.

Gracias a la tematica de esta pelicula, he podido recordar mi posicion hacia la extendida creencia de que las matematicas son el lenguaje de la naturaleza. Creo que esto es un gran error que muestra poca rigurosidad cientifica. Para mi las matematicas son un lenguaje humano y por tanto construido por la mente, la cual es falible. Por extension las matematicas tambien lo son. Lo curioso es que a mitad de la pelicula yo crei ver que el planteamiento inicial sufria un reto, es decir crei ver que el director mostraba lo absurdo de esta presuposicion inicial, pero despues el final me deja con la duda de si al final el guion es consciente de que caos y orden son construcciones humanas.

They Live, 1988

2010-07-24T02:34:00.000-07:00

Director; John Carpenter

Aunque para los criticos mas conocidos este tipo de pelicula tenga un contenido subversivo, yo preferiria utilizar subversivo en otros contextos menos 'comerciales'. De todos es conocido la cantidad de peliculas americanas que critican y subliminalmente adoran a la vez lo que critican. Creo que esta pelicula, que se inspira en comics y otras peliculas como la The Invasion of the Body Snatchers tiene algo de frescura y de simplicidad de los ochenta. Hay un cumulo de conocidos conceptos sociologicos de izquierda presentes en el filme como la condena del capitalismo y la sociedad de clases. Para mi lo mas sorprendente de todo es proyectar como en pocas veces se ve en una cinta americana, como literalmente las favelas estan al lado de los grandes bancos y edificios de grandes corporaciones y como la gente pobre que vive en Estados Unidos a parte de ser una masa grande, vive y sobrevive desarrollando su sociedad bajo un sistema de plena solidaridad. El punto de locura esta en la parte alienigena, lo cual es da un sabor adolescente y de rechazo a la autoridad que no permite dialogo ni reflexion. Como digo, no es subversiva porque emplea la fuerza bruta, la violencia y el exceso (el protagonista es una especie de Conan el Barbaro), que son precisamente valores del capitalismo.

District 9, 2009

2010-06-24T14:05:00.001-07:00

Director, Neill Blomkamp

Es curioso que esta película haya tenido tan buen recibimiento y crítica puesto que la he percibido abrupta y llena de caracteres impulsivos y mareantes. Decididamente es un éxito de taquilla porque es entretenida. Pero tiene algo que es simplemente repetitivo. Quizás sea un efecto de contaminar constantemente la cinta de humor ácido que se prolonga y mezcla extrañamente con ideas sobre la obligación de ser 'humano' por encima de todas las necesidades de la existencia, aderezado con un constante baño de sangre y glorificación de la militarización y la violencia gratuita.

Este tipo de película por lo tanto muestra una sofisticación y orientación cada vez más precisa hacia el estudio de la audiencia, más que por la reflexión temática, y del resultado y mensaje. La audiencia está sedienta de violencia repentina, gore y comedia. Pues démosles lo que quieren. Tampoco es eso. Torrente tiene más gusto al mostrar lo cutre, y más control al mostrar paso a paso la degradación del ser humano en un contexto cultural muy específico como el expresado en esta cinta.

A pesar de todo, los alienígenas percibidos como criaturas que no nos dan una solución a nuestros problemas, ni nos ayudan a ser mejores necesariamente, es un punto de vista más realista de un posible encuentro de este tipo. Ellos son representados con sus virtudes y defectos, con su vulnerabilidad y sus recursos técnicos, en realidad como si fueran otro retrato de nosotros mismos. La tendencia anglo-germana por colocar a los débiles en campos de concentración supone de nuevo un reflejo de los conflictos de esta sociedad decadente. A su vez, las referencias a la historia reciente de Sudáfrica son chocantes y provocativas, lo cual es valeroso.

Más cintas como estas se agradecen, puesto que son independientes, con actores desconocidos y con más inversión en imaginación y valor que lo que Hollywood nos tiene acostumbrados.

The Limits of Control, 2009

2010-06-15T20:18:00.000-07:00

Director, Jim Jarmusch

Una película lenta y críptica que hipnotiza y transporta a un espacio interior paradójico. Ver imágenes de ciudades ibéricas en una pelicula hace que inevitablemente uno active sus propias memorias y sentimientos. Es por tanto difícil para un íbero asociar libremente y dejarse llevar por esta película, aunque su intención y preparación haya sido sofisticada y cuidadosa.

Como añadido está la extraña conexión entre ciudades que contrastan tanto. Supongo que para Jarmusch Castilla y Andalucía de alguna manera deben ser la misma cosa. Pero no para mí.

Creo que la cinta es una especie de deja vu de Ghost Dog, lo cual disminuye su impacto, pero a la vez contiene un mensaje ideológico importante que no debe uno perder de vista.

Los Cronocrímenes, 2007

2010-05-23T09:17:00.000-07:00

Director, Nacho Vigalondo

Esta es una cinta de esas que pasan a la historia. Simplicidad, elegancia, fluidez, historia creíble y que engancha al 100%. No es casualidad que ganara en la Fantastic Fest de USA en la edición de 2007. De alguna manera le hace a uno desear que así deberían de ser todas las películas. Relevancia temática, pedagogía al narrar un tema complejo, en fin, un gusto.

Desde el punto de vista psicológico, la película genera una temática muy importante que se refiere a cómo de extraño se puede sentir uno al tenerse que enfrentar a una persona que fuera exactamente uno mismo. ¿Generaría compasión, comprensión, rechazo...? La complejidad del universo se ve reflejada a través de la línea del tiempo. Es una gran forma de poner de manifiesto que lo físico no es tan tangible como parece. Su 'grounding' en el principio de autoconsistencia de Novikov es simplemente apropiado y las consecuencias metafísicas y psicológicas son elegantemente puestas de manifiesto.

Me gustaría elaborar este comentario mucho más, pero tendré que dejarlo para otro momento debido a obligaciones parentales.

Tootsie, 1982

2010-05-14T15:52:00.000-07:00

Director, Sydney Pollack

A lo mejor estoy de mal humor, pero esta película es hortera. Es una historia absurda, que carece de credibilidad y de buen gusto. Es una tomadura de pelo en la que las mujeres son objeto de manipulación y de un profundo desprecio. El hacer una película en Nuevo Barbate no le da a nadie más caché, ni el usar actores famosos tampoco. Esta película es una autentica basura americana. Si hubiera sido rodada en Madrid, con actores famosos españoles, la hubiera rodado Almodóvar.

En fin, de todas formas, incluso la basura se puede reciclar. Siempre hay algo que aprender. Y una de las cosas que me enseña esta película es cómo le encanta a la gente ser engañada. De alguna manera el engaño es una de las tretas que usa el poder para estar donde está y aunque de un modo inconsciente, la gente lo sabe. De modo que, esta basura es la que hace a la gente sentir que todo tiene una justificación, incluso la burla hacia el género femenino. Para hacerse pasar por una mujer hay que ser más que un buen actor.

Død Snø, 2009

2010-05-11T16:00:00.000-07:00

Director, Tommy Wirkola

Una película hecha y pensada en Noruega. Es una cinta entretenida y que toca varios palos cinemáticos; comedia, horror, aspectos históricos y por supuesto como tema subyacente es la clásica historia de cómic donde juventud, sexualidad y muerte van unidas. Los comentarios de los 'expertos' anglofonos sobre esta película son completamente ridículos y reflejan más que otra cosa envidia cochina y xenofobia. Esta película está hecha con mínimos recursos y tiene un máximo de efecto. Tiene todos los toques adecuados para atraer al gran público y tiene el valor de simplemente ser noruega.

Vuelvo otra vez a las críticas hechas por los inglesitos. Dicen que los actores son todos iguales, que no dice nada nuevo. Habría que ver qué tiene de nuevo lo que se hace en Hollywood. Más bien es lo contrario. Los actores son muy creíbles y hay muy buenos puntos en la cinta. Especialmente la fuerza por recuperar las historias europeas, que parecen ser dominadas y contadas por Hollywood y la autenticidad del lugar y los personajes. En cuanto a los efectos especiales, creo que están muy bien conseguidos y el tono desenfadado de la película hace todo fluir muy bien. Creo que se deberían hacer más películas de nazis zombies, y esta es un buen empezar. Por cierto últimamente he pensado que alguien debería de hacer una película de nazarenos sevillanos zombies. Sería una pasada total.

Dark Star, 1974

2010-03-27T14:41:00.000-07:00

Director, John Carpenter

Esta película es básicamente un 'pain in the ass' y todavía más si cabe el haberla visto sin subtítulos. No le he encontrado ningún atractivo a la misma, y debido a su tremenda capacidad para anular mi interés en la misma, me he perdido los supuestos diálogos entre la máquina y el hombre que al parecer tienen algún valor. La película original es un montaje de estudiantes, y aunque lo he sabido después de verla, en realidad esta es la impresión que me dio cuando tuve que pasar algo más de una hora sufriéndola; una chapuza en todos los sentidos. Dark Star tiene una buena valoración por la crítica anglosajona pero la realidad es que debe ser porque la habrán usado como método de tortura contra espías hispánicos o algo así. Creo que por otra parte el filme se puede considerar como una especie de compendio de cosas que uno no debería de hacer en una película, lo cual es interesante. Por último, quizás e intentando buscar algo mejor aún en la cinta, resulta creíble imaginarse a un grupo de aburridos astronautas barbudos y con pelo largo perdidos en el espacio haciendo gilipolleces con un fondo de fotos porno, pero el resultado visual no es muy impactante.

Righteous Kill, 2008

2010-03-06T03:06:00.001-08:00

Director, Jon Avnet

Esta es una película que ha tenido una mala crítica a pesar de que se ha vendido bien. Quizás sea un tema el de esta cinta un tópico trillado (policías chulitos tipo Starky & Hutch), y cuando se va al cine se espera mayor sofisticación o grado de sorpresa. La factura no es mala y la actuación es respetable. Pero sin duda la cinta no sorprende nada, y sus actores principales aunque veteranos y aclamados, parecen sacados de un asilo, lo cual hace la historia poco creíble. A pesar de todo, como DVD la realidad es que es una película efectiva en el sentido de que hay suficientes tiros, mujeres guapas y chulerías neoyorquinas para poder irse a la cama sin sentir ningún tipo de culpa existencial. Quiero decir, es suficientemente peliculera e irreal para no generar traumas. Desde un punto de vista evolutivo, lo curioso es que aunque el tema tratado es genérico (típico suspense americano) el final sugiere que ir ejecutando a los malos no es buena cosa. Supongo que esto en relación a lo que hemos ido absorviendo durante los últimos años supone un cambio ideológico. Incluso si uno es bueno, no tiene derecho a quitar de enmedio a asesinos y proxenetas. Teniendo en cuenta su positiva recepción por el público, quizás indique que el día en que en los USA suspendan la pena de muerte no está muy lejos...

ベクシル 2077日本鎖国 'Bekushiru 2077 Nihon sakoku', 2007

2010-02-20T08:06:00.000-08:00

Director, Fumihiko Sori

En español esta película se podría titular 'Vexille; 2007 Aislamiento Japonés'. Me atrajo el trailer de esta cinta, aun sabiendo que las películas de dibujos animados o animé como le dicen en inglés, son un poco aburridas. En cualquier caso, esta película es fiel a la tradición japonesa de contar historias con un estilo híbrido para atraer a la audiencia occidental. Vexille es una historia dramática y sugiere un futuro apocalíptico para Japón. La tecnología se apodera de la vida humana en las islas japonesas y la convierte en una especie de caprichosa imitación. Esto tiene un aspecto interesante puesto que de alguna manera, ellos mismos parecen haber caído en esa peculiar obsesión por cerrarse al mundo (por ejemplo, es de todos conocido lo difícil que es trabajar o emigrar a Japón) y a la vez ese interés por copiar lo occidental (en particular, la tecnología). De modo que esta película podría ser una especie de ironía al respecto.

Por otro lado, a pesar de ciertas escenas e impresionantes diseños robóticos, la película deja que desear a nivel de la narración. Todo es predecible y la acción te hace sentir que todo es un deja vú de otras películas (e.g. guerra de las galaxias, dune, final fantasy).

En cuanto al género, creo que contiene una temática adolescente en la que el heroísmo, las tendencias suicidas, y la lucha violenta contra algo que no se comprende parecen dominar el contenido subyacente. Algo que llama la atención es la pobreza de emocional de los caracteres en contraste con un fondo muy detallado de paisajes y maquinaria futurista. Quizás es un anticipo del futuro.

Celda 211, 2009

2010-02-19T10:05:00.000-08:00

Director, Daniel Monzón

He disfrutado de nuevo en mi segunda visita a Andalucía de este año, de sentarme en una sala de cine. En este caso he tenido la ocasión de ver esta estupenda película española, que aborda un tema bastante complicado. Las múltiples tramas de traición y corrupción, el dinamismo y la tensión marcada por los sucesos dentro de la prisión atenúan el problema de narrar una historia que sucede en el interior del lugar más estático y opresivo que uno pueda experimentar. La marcha atrás y adelante de la historia también ayuda a comprender el estado psicológico de los caracteres.

Para los que hayan tenido la mala suerte de conocer el mundo de la criminalidad, seguro que coincidirán conmigo que Malamadre no es tan duro como quiere parecer, pero a pesar de ello el actor que lo encarna ha hecho un trabajo más que aceptable. A pesar de todo, desde el punto de vista psicológico no tiene mucho sentido que Malamadre empatice con Calzones o muestre empatía por él, puesto que es un psicópata asesino. Aún así, esto puede que sea una licencia para explorar las extrañas alianzas y sentimientos volátiles de los que se encuentran en prisión.

Celda 211 es una buena película y una satisfactoria pieza artística que hace solo unos años sería inconcebible para el espectador en español. Me refiero a que el cine en español está mejorando muchísimo y esta película tiene tanta categoría como las mejores del cine americano del mismo género. Su resultado es redondo y el espectador sin duda disfrutará del concienzudo trabajo desarrollado para producir semejante cinta. ¡Enhorabuena señor Monzón!

Outland, 1981

2010-02-18T07:27:00.000-08:00

Director, Peter Hyams

Esta es una de esas películas en las que el título en español (Atmósfera Cero) parece mucho más sugerente que el original inglés. A parte de la decepcionante historia de sheriff espacial, esta película tuvo que ofrecer un espectáculo visual sobre cómo sería la vida laboral en un mundo extraterrestre. Creo que a ese nivel la película construye un ambiente creíble para un público salido de la crisis de los años setenta. Alienación, drogas, prostitutas y mucho trabajo. A diferencia de los comentarios que he visto en otros lugares, esto no me parece un tema anticapitalista, sino más bien una proyección ideal de la realidad laboral estadounidense.

A parte de eso no queda mucho que comentar constructivamente. Desde un punto de vista psicológico no se explica cómo el super sheriff captura un enorme alijo de droga y los trabajadores no sufren ningún tipo de síndrome de retirada, es decir, habiendo sustraído la mercancía ilegal los adictos tendrian que estar subiéndose por las paredes.

Otra patética muestra de la arrogancia de Hyams es el enfrentamiento final entre el Marshall y los malos. Nada creíble y en la que el mismo Bruce Willis hubiera actuado mejor que Sean Connery. Esta parte de la película parece convertirse en una pura descripción visual de un mundo exógeno en la que dicha narración visual se vuelve lo más importante y la lucha entre buenos y malos se vuelve un mero tópico sin sorpresas.

Es una pena que uno no pueda disfrutar más en este filme del estudio de la complejidad de la vida humana en circunstancias artificiales. La vida en una mina en los extrarradios del sistema solar es un buen escenario que podría dar lugar a muchas posibilidades pero el resultado de esta cinta en particular es simplemente un desperdicio de presupuesto y de efectos especiales.

Por cierto, en el DVD se comenta que esta película innova en el campo de la mezcla entre imágenes de fondo espacial con la de los actores. Estoy de acuerdo en que en este sentido la película es buena, pero al final, una buena película es una historia bien contada y eso es lo que vale. Y Outland no es más que un intento.

Metrópolis, 1927

2010-01-31T03:19:00.000-08:00

Director, Fritz Lang

Supongo que es algo complicado hablar de una película como esta sobre la cual todo cinéfilo debe tener una opinión. A mí personalmente me sorprende que la película sea tan larga, con un final tan positivo (y por tanto poco o nada creíble) y que a pesar de que invierte tanto en decorados, sofisticados escenarios y mensajes épicos de la impresión de ser naïve. Históricamente la época en al que se filmó fue un periodo complejo en el que la República de Weimar supuso un momento de cambio y revolución cultural para Alemania. La influencia de la revolución comunista transformó la estructura social de dicho país y me imagino que Lang intentó reflejar la dirección que estos cambios deberían de llevar, de alguna manera.

Siguiendo la inocencia que Lang nos ofrece, es curioso que a pesar de la esperanzadora formación del bloque comunista, expresara en su futurista película un mundo dividido en dos clases sociales. Supongo que quizás como artista quisiera expresar su reconocimiento de que la sociedad es en sí injusta, pero que a la vez su obra pudiera ser un éxito comercial en un mundo que estaba intentando frenar la revolución rusa. De hecho su inspiración visual vino de sus visitas a Nueva York, ciudad de altos edificios y grandes contrastes sociales.

Por todo ello creo que a nivel psicológico la película representa un rechazo a la posibilidad de que la clase trabajadora pueda tomar las riendas de la sociedad, puesto que ellos representan el corazón de la humanidad, y el cerebro (los ricos y burgueses) es el que toma las decisiones. Lang dio un voto conservador a favor del mundo capitalista. Su película futurista es por tanto prejuiciosa y burguesa, plagada de tópicos que insultan a la clase trabajadora (e.g. la masa es estúpida, emocional, sin control, necesitada de una fé patética, sin dirección). Pero también reflejan el sentimiento jerárquico que ha dominado en Europa desde siempre. Lang como director es por lo tanto un reflejo de su época y todo lo que aporta en efecto visual no hace más que acentuar lo que va a venir después; la era del márketing, el vacío de contenido, el consumo, la pompa y la vanidad.

Knowing, 2009

2010-01-31T02:36:00.000-08:00

Director, Alex Proyas

Knowing parece ser una película apocalíptica donde los alienígenas tienen un papel mesiánico. El filme está estudiado al detalle para ser mediático, comercial y por ello las escenas donde estudiantes del famoso MIT parecen ser reflejados como estudiantes de primaria contestando preguntas de colegial. Esto obviamente es un efecto bastante cutre.

Su presentación facilona hace que sea entretenida de ver y que el misterio de los números y la magia que tiene el tiempo y la mera existencia física sean algo agradable de explorar. Pero de nuevo, la aparente complejidad de los números dictados 'by the wispering people' hace sentir que todo eso era un artefacto innecesario cuando la verdad se revela al final de la película.

El otro aspecto más oscuro es la angustia existencial que revela la cinta. No es la humanidad la que se destruye, es el mundo anglosajón. Son ellos los que quieren el final del mundo porque no saben en qué dirección hay que ir. Prefieren que los alienígenas tomen el mando a que los chinos, los hispanos o cualquier otro pueblo proponga una solución. La cultura anglosajona se ve abocada a un final trágico, abrupto, apocalíptico. Hay que buscar un cometa, un destello brutal del sol o cualquier otro destino final para la humanidad puesto que ellos no quieren que continuemos. El mensaje finalista por tanto encaja bien con la tensión autodestructiva de los anglosajones, que son tan propensos al suicidio y a la destrucción masiva.

Agora, 2009

2010-01-16T14:44:00.001-08:00

Director, Alejandro Amenabar

Se supone que este blog es sobre películas vistas en versión original. He visionado esta película en el cine en Sevilla, aprovechando mis vacaciones. Amenabar supongo pensó esta película en español, y por tanto aunque su performance es en inglés, asumo que la versión original es española.

La película se me hace algo lenta, quizás por la costumbre que tengo de ver películas de horror y con tramas un poco más simples. Sin embargo, la factura es impecable en todos los sentidos. Es una pena que Amenabar haya hecho esta película en inglés puesto que no creo que la mayoría de las personas que tienen el inglés como primer idioma y que sean aficionadas al cine puedan apreciarla. Es una cuestión cultural aunque obviamente las minorías cultas las hay en todas partes. Le deseo suerte en el mercado internacional puesto que esta gran obra merece todos los honores, y que la próxima gran película la haga en español, puesto que no merece la pena hacer una película en un idioma que de por sí es incapaz de entender la cultura mediterránea. Esto sólo lo digo por la amargura de ver con qué desprecio se ha recibido esta película en el mundo anglosajón.

Me siento agradecido de haber visto este filme porque engarza muy bien con mi forma de pensar, esto me obliga a hacer una disgresión. Creo que Hipatia y sus amigos vivieron una oportunidad única para adaptarse y salvar la biblioteca. Su cabezonería y arrogancia los hizo impopulares y una nueva forma de organización social los barrió del mapa. Creo que Hipatia simboliza la idea del científico o filósofo clásico. Esto es, la de un aristócrata que vive por encima del populacho y al margen de lo que pasa en la sociedad. Su mundo es un mundo hegemónico y centralizado. Esto lo hace rígido e incapaz de sobrevivir un ataque político o social. Creo que esto está bellamente representado en el carácter de Hipatia. La locura de Hipatia es la locura de todo aquél que le da la espalda a la sociedad. Hoy día tenemos poderes hegemónicos que caerán como las torres gemelas, pero si queremos salvar nuestras bibliotecas debemos de pensar y actuar de manera diferente a como actuó Hipátia y sus correligionarios.

The Brain that Would not Die, 1962

2010-01-02T12:19:00.001-08:00

Director, Joseph Green

Esta película que compré en Nueva York, es un buen entretenimiento para el cinéfilo paciente. Contiene interesantes ideas y preocupaciones relacionadas con la mente de un Fausto contemporáneo. Bill es un cirujano muy atrevido y apuesto que siente que la vida nos provee de un status biológico demasiado limitado y frágil. Bill como héroe científico intenta ir más allá de lo convencional y explorar los límites de la vida. Sus conocimientos son puestos a prueba cuando él y su novia tienen un grave accidente automovilístico y ella sufre un impacto mortífero. La censura de sus iguales no lo detiene y por desgracia una serie de acontecimientos inesperados lo llevan a una situación imposible de resolver. De nuevo como en toda la tradición narrativa y de cómics cristiana, la ambición científica es construida como un sentimiento inadecuado y que es castigado por las fuerzas inexplicables e incontrolables de la naturaleza.

Hay que decir que esta película puede hacer rechinar los dientes a más de uno, tanto si se mira los aspectos técnicos, efectos especiales, secuenciación de imágenes o de guión. Pero sin embargo, si uno es capaz de ser tolerante con escenas artificiosas, situaciones inverosímiles y actuaciones de aficionado, lo cierto es que hay algo interesante que salvar de esta cinta. Por ejemplo, en aquélla época en la que se hizo es probable que nadie hubiera visto antes una mesa de operaciones o cómo se operaba. Tampoco creo que muchos supieran cuál puede ser el resultado de un accidente de tráfico sin llevar cinturón de seguridad, porque la mayoría no tendría coche. El nefasto maquillaje del monstruo, o el exiguo laboratorio del científico loco, serían detalles menores para una audiencia todavía poco preparada para esta mezcla de ciencia ficción, horror y cuento apocalíptico. Estos son aspectos históricos interesantes que ayudan a comprender la psicología de la audiencia. Creo que por tanto ver una película de este tipo ayuda a valorar y entender el cine como expresión humana que está ligada a las circunstancias de la época.

Halloween, 1978

2010-01-02T12:03:00.000-08:00

Director, John Carpenter

Esta es la película original de Carpenter que por razones ajenas a mi voluntad he visto después de la de Rob Zombie. Por ese motivo he experimentado la película de una manera curiosa. Me ha parecido una película más europea y menos preocupada por las formas o por lo cinemático, como diría Tarantino de lo que me esperaría. Por otro lado, es de destacar que Carpenter se focaliza en la construcción de un asesino de clase media que supuestamente ha nacido con el mal metido en el cuerpo. Sus víctimas son criaturas de algún modo focalizadas en el mundo hedónico y simple. La construcción del personaje sugiere un perfil de antihéroe, que es invulnerable ante los vanos intentos de aniquilarlo. Esta caracteriología tiene similitudes con las desarrolladas por Hichtcock en Psychosis, pues se sugiere que la falta de salud mental es algo innato y también inexplicable como el comportamiento de los pájaros en la otra excéntrica película del mismo director. Interesante filme que recomendaría ver antes que sus remakes.

Dark Waters, 2002

2009-12-16T11:54:00.000-08:00

Director, Hideo Nakata

Basada en un relato corto de Koji Suzuki, esta película fue dirigida por Nakata, el autor de 'Ring'. La verdad es que la película más que pertenecer al género de horror sugiere una temática bastante compleja entre la necesidad de apego de los niños y el difícil mundo de los adultos. Otra forma de ver la historia podría ser el asumir que la tensión que ocurre entre la niña 'fantasma' y la real es una tensión entre las necesidades infantiles del adulto y las necesidades de los hijos. A pesar de ser la historia complicada, la última frase de la niña refiere a la necesidad infantil de sentir que los padres le protegen pase lo que pase.

The Broken, 2008

2009-12-10T10:35:00.000-08:00

Director, Sean Ellis

Esta película tiene un estilo clásico, como las películas de Hitchcock. Al igual que ellas tiene algo que no convence y es sencillamente que no se explica porqué sucede lo que sucede. Muy al igual que 'los Pájaros' película donde a los pájaros les da por atacar a la gente así porque sí (lo cual es puramente absurdo) en la presente cinta, unas criaturas que salen de los espejos intentan reemplazar a todo aquel que se mira a sí mismo en el espejo. El problema de la película es la confusión entre el Yo de la víctima y el del que la suplanta. Ellis supongo que inteligentemente añade la parte de amnesia traumática para confundir y crear un suspense interesante pero falla al confundir como he dicho, el Yo con la apariencia de la persona. Para Ellis, la mente no es más que un subproducto de las facciones que uno tenga, el aspecto que uno tenga. La personalidad, la memoria y todo lo demás viene dado automáticamente con la apariencia y ni se desarrolla, ni se construye, sino que es como parte del 'inborn package of the individual' . Una pena de película si señor, porque está bien construida y su lentitud y atención a las expresiones que acentúan la angustia, son muy apropiadas para crear tensión e interés. No se hace gran uso de efectos especiales y es por ello refrescante.

Night Watch, 2004

2009-12-10T10:19:00.000-08:00

Director, Timur Bekmambetov

Esta película rusa basada en la novela de Sergei Lukyanenko parece haber sido un éxito internacional y desde luego posee los requisitos para ello. Es la primera de una trilogía que parece el principio del cine de grandes audiencias para la industria cinematográfica rusa. El mismo Bekmambetow afirma que su filme muestra una mezcla de géneros y refleja el aprendizaje y la admiración despertada en Rusia por las películas americanas. Lukyanenko dice que el género de su novela es el 'metropolitan fantasy' y al comentar la película parece satisfecho con ella.

Los efectos especiales están muy bien conseguidos y el guión está bien trabajado. En cuanto a los papeles parece que son creíbles y junto con la ambientación le dan ese carácter especial que tienen las peliculas rusas. Hay un punto de la película que no me parece convicente y es el propio final. Quizás la historia en sí está muy vista; la lucha entre dos fuerzas opuestas, el bien y el mal, etc. Todo está bien hilado y disimulado para proyectar estos estereotipos en un mundo moderno pero quizás falla la idea un poco, no sé. En cualquier caso y como he dicho la película es bastante agradable de ver y los personajes reflejan situaciones complejas e interesantes. Por ejemplo, el rol de los vampiros, y de cómo el protagonista tiene que aprender a sentir y vivir como uno de ellos para poder llevar a cabo su misión.

30 Days of Night, 2007

2009-11-28T09:12:00.001-08:00

Director; David Slade

La ciudad de Barrow es bastante grande y no se refleja que en realidad vivan cerca de 4000 personas en ella en esta película. La noche polar es mucho más larga de 30 días en Barrow, pero creo que los demás detalles del ambiente polar y oscuro de esta región del globo están fielmente representados en este entretenido largometraje que está basado en un cómic. A pesar de ser una historia de vampiros tiene elementos de 'The thing' y otros atractivos añadidos como su buen reflejo de lo que sería los arrabales del consumo. Barrow es un lugar perdido donde acaban todos los que huyen de la sociedad convencional. Los vampiros vienen a cebarse con los que nada quieren saber con el resto del mundo, pero a su vez los humanos muestran comportamientos estrambóticos. Es un poco al contrario de a lo que nos tienen acostumbrados. Creo que la luz y la fotografía están muy bien. El diseño de los caretos de los vampiros es muy interesante y convincente, así como su comportamiento. Una película horrorosa, pero de miedo que da.

Halloween, 2007

2009-11-26T10:56:00.001-08:00

Director; Rob Zombie

He visto la versión extendida de la película. Aunque es un mito que John Carpenter iniciara el subgénero 'slasher' dentro del cine de horror con la primera película de esta serie, lo que si es cierto es que generó una verdadera inspiración y audiencia de masas, para futuras cintas de este tipo. La 'Halloween' de Zombie tiene una magnífica factura estilística. Es entretenida, engancha y es convicente aunque no para el ojo clínico. Nunca he visto ningún paciente psicopático con tan poco trauma. En cualquier caso, la historia generará secuelas. El mismo 'Silencio de los Corderos', otro gran exito, es otro gran absurdo clínico. Pero es que la audiencia ama lo imposible. La realidad es realmente fea, y eso es lo que precisamente sobre lo que ni el director ni su audiencia tienen interés. Esta historia es pura estética.

Por otra parte, aquí también se puede ver la creación de un mito urbano, y es que la clase baja es la que genera el problema y la clase media lo tiene que pagar. Ese odio y resentimiento está eficiente y sistemáticamente reflejado en todas las futuras películas del subgénero. Después ya en los noventa, acercándonos a fin de siglo se va generando el siguiente mito del 'mal'. Los malos, Al Qaida, y toda esta absurda historieta fanática y evangélica. Hitchcock convenció al mundo anglosajón de que se puede culpar a los pájaros de forma gratuita, y más tarde con la continua corrupción de esta cultura, ya se puede alimentar la creencia de que la gente hace daño gratuitamente. Así podemos justificar nuestra paranoia. Para mí este tipo de expresiones son un culto a los mitos más primitivos y sórdidos que reflejan el grado avanzado de alienación y pánico social en que los anglosajones se encuentran. El fin está próximo.

La Noche de los Girasoles, 2006

2009-11-24T10:43:00.000-08:00

Director; Jorge Sánchez-Cabezudo

Esta es de nuevo otra opera prima que vamos a comentar. En este caso de Sánchez-Cabezudo. Creo que esta película tiene una factura excelente, bastante creíble y muy bien recreada. La construcción de la historia es compleja y fiel a la idea del suspense. También es muy apropiado el reflejo del conflicto entre el mundo rural y el urbano. La película sugiere que es el mundo rural el que se destruye, y que pasa a convertirse en un lugar más bien mítico donde la gente vuelve para reencontrarse con el pasado. El asesino en serie es un elemento que quizás atraviesa ambos mundos y acentúa el drama de lo que pasa en las vidas de los protagonistas. La película da una serie de giros muy interesantes y da vida a personajes y relaciones turbulentas como es el caso de los guardias civiles y los vínculos que tienen entre sí. Sin embargo se echa de menos en esta película un último toque final extra, quizás de locura, quizás de absurdo, quizás algún aspecto macabro o de sugerencia de que las cosas no sucedieran como cada personaje pensó. No sé, en cualquier caso es una interesante representación de la sociedad europea y española que lucha por sobrevivir ante un mundo invididualista que promueve la tentación del consumo y del egocentrismo.

La Mujer Más Fea del Mundo, 1999

2009-11-23T10:30:00.000-08:00

Director; Miguel Bardem.

Esta fue la primera película de Miguel Bardem, la cual sin duda alguna merece la pena ver. Creo que en realidad ya la ví hace algún tiempo, pero me apetecía volverla a disfrutar. Creo que posee muchas cualidades esta película porque retrata muy bien mucho de lo que España o Iberia es. Hay un mundo dentro de la españolidad al que se rechaza, una serie de personas que repugnan y no son necesariamente una minoria en nuestra sociedad. Bardem hace buen uso del guión, de los efectos especiales y del mensaje complejo que esta película tiene.

Sin embargo hay dos aspectos estridentes en la cinta que de alguna manera 'afean' la belleza de esta obra. La una es la falta de credibilidad de los actores. No sé si esto está hecho a propósito. Este asunto se conecta con lo esperpéntico de muchas de los diálogos y comportamientos de los personajes que sugieren que se está parodiando a un género cinematográfico, pero en realidad no sé cuál. No sé si se parodia a la ciencia ficción o se parodia al mismo cine. Esta crítica intensiva mezclada con la debilidad de los intérpretes hace que quizás accidentalmente se transmita algo también particularmente distintivo de la vida española; su superficialidad, su prisa, su impulsividad, su rabia y auto-odio y por tanto su debilidad cultural.

Creo que hay muchas cosas que se pueden aprovechar de la película y quizás esto se convierta en un eslabón de una cadena de buenas películas que la mejoren. Espero que algún día se pueda superar sobre todo el auto-odio. Esto conlleva a no tomar en serio la vida. Creo que hay momentos para el humor y momentos para la seriedad. El exceso de comedia es síntoma de cinismo y de una gran desconfianza y desilusión por todo. Mayor ilusión y autoconvencimiento haría que las cosas pudieran cambiar, pero es esto mismo lo que en España no pasa. El cambio de siglo y milenio ha sido augurado en esta cinta como una gran desilusión. ¡¡No confundamos pasado con futuro Bardem!! ¡Viva la República!

Synecdoche New York, 2008

2009-11-14T12:27:00.000-08:00

Director: Charlie Kaufman

Esta cinta es una continuación de otros filmes que apuntan hacia una circularidad existencial algo centrípeta. Como ‘Groundhog Day` de Ramis o ‘8½’ de Fellini, Synecdoche New York se lanza hacia una exploración del Self en la que uno puede perderse tome la dirección que tome. Es confuso seguir la película y quizás esto está hecho a propósito, porque la vida en sí es algo confusa, agobiante, tediosa y dolorosa. Pero claramente la cinta es una aventura hacia dentro. No estoy seguro de que esto haga departir esta obra del arte y abrace lo psicótico como algún crítico ha dicho. Pero si ese es el caso, ¿qué mas da?

Hay otras filigranas que la película ofrece. Son como metáforas y apreciaciones del carácter humano que tienen un gran valor psicológico. La juxtaposición de distintas realidades, mundos dentro de otros mundos, conexión y desconexión, confusión y límites del propio Yo, son algunas de las muchos elementos que constituyen la estructura de la personalidad vistas de un modo fenomenológico.

Referencias a la psicología de Jung o a ideas orientales sobre la vida humana, puede que tengan sentido para articular el motivo de esta película. Pero creo que también esta cinta puede que intente conectar neorrealismo con imaginación. En cualquier caso una película que merece la pena ver. Sin embargo, no es una obra que me haya producido un determinado estado mental aunque tampoco me ha dejado indiferente. Esto quizás implique que la cinta es capaz de resonar a través de diferentes y profundos estratos de nuestra psique sin que lo sepamos. En cualquier caso es bueno mandar sondas como estas a nuestro interior y ver qué pasa. Well done Charlie!

La Zona, 2007

2009-11-14T03:20:00.000-08:00

Director: Rodrigo Plá

El uruguayo Rodrigo Plá, ha conseguido en esta cinta mostrar con nitidez, lo que significa la diferencia de clases. Aunque la película parece reflejar la sociedad mejicana, en realidad esto podría suceder prácticamente en cualquier parte del mundo. Las paradojas de la justicia, las dobleces de la ética en una sociedad que vive cada vez más orientada a la acumulación y al consumo del poder por unos pocos.

El debut de Plá es un éxito, y la construcción técnica de esta película de suspense refleja los múltiples recursos intelectuales y artísticos de este nuevo director. Los personajes son creíbles y el contraste social es brutal. Es una auténtica bofetada a todos aquellos que piensan que los valores y que la ideología política ya no tiene sentido.

Slither, 2006

2009-11-04T14:00:00.000-08:00

Director: James Gunn

Esta es una película para pasar el rato y reír mientras se harta uno de palomitas. Para los aficionados al cine de horror, Slither explota un tema bien fundamentado en cintas clásicas del género, pero tiene como adición la mezcla de elementos como lo cómico, el estudio de la hibridación entre el humano y el alienígena y también la conciencia como una entidad que se puede expandir hacia otros organismos. En cuanto a efectos especiales hay mucha fluctuación: en algunos momentos, por ejemplo cuando uno de los 'bichos' nada en la bañera en busca de su víctima la escena no tiene credibilidad, pero en otras situaciones los efectos están bien conseguidos.

Juno, 2007

2009-11-02T13:42:00.000-08:00

Director: Jason Reitman

Esta película canadiense, dinámica y juvenil, sorprende y nos asusta con esa arrogancia típica de los adolescentes. Ahora que cada vez me alejo yo más de aquellos años y más me aproximo a la paternidad como un estado mental, me doy cuenta de cómo y porqué la juventud es arrogante. Esta película ayuda a través de sus dos principales personajes (Juno y Bleeker) a entrar en la vida adolescente. La construcción de las secuencias es fresca y tanto la paleta de colores como otros aspectos técnicos (como la luz) o artísticos (música) están muy bien engarzados.

Creo que sin caer en lo evangélico, ni en lo parroquiano, el filme nos coloca en una situación creíble y compleja donde una adolescente asertiva y de clase modesta se queda embarazada casi sin pensarlo. La dureza y la dulzura de la situación se exponen en sucesión y sin esconder casi nada, o sin maquillar las cosas de una falsa moral cristiana. Asimismo, nos deja de postre quizás como la película ´L´enfant´ un interrogante hacia el futuro. ¿Qué será del futuro niño? Las generaciones próximas se enfrentan con una verdad más excitante que la nuestra.

It, 1990

2009-10-25T11:53:00.000-07:00

Director: Tommy Lee Wallace

Creo que las novelas de Stephen King son todas iguales, y aunque tienen una arquitectura interesante en relación al miedo que pueden generar, todas contienen ese estilo de Hitchcock en el que no hay racionalidad, sino una pura explotación del miedo. En este caso, la película parece seguir esa línea. Sin embargo, la forma en que los distintos personajes de la película son introducidos es muy interesante, porque permite construir en la mente de cada uno, las vivencias de un grupo de adolescentes, 'los losers', los que son sensibles y humanos. Estos jóvenes que parecen estar en contacto con sentimientos y conductas humanos sufren el trauma de experimentar algo inexplicable. Se me ha ocurrido pensar que introducir la idea de un monstruo para contar qué horrible es este mundo, es algo antiguo, pero también nuevo. Es antiguo porque la cultura oral y escrita está repleta de estas historias. Es nuevo porque el cine ha permitido una nueva forma de contar estas historias. Y también es nuevo por lo que ahora sabemos acerca de los traumas psicológicos. Por tanto estamos ante un tipo de película que nos permite acceder al sufrimiento emocional de los niños, tal y como ellos los ven: es decir, experimentar el terror sin tener capacidad emocional o madurez para entender lo que les está pasando. La otra ventaja de contar así una historia, es la de no tener que criticar a la sociedad por la parte que a ésta le corresponde en cuanto a la responsabilidad de evitar que los niños sufran. La sociedad es así exonerada y uno puede continuar viviendo su vida sin tener que cuestionar nada.

Solaris, 1972

2009-10-06T14:04:00.000-07:00

Director, Andrei Tarkovsky

Me acerqué a la obra de Stalislaw Lem a través, del Solaris de Steven Soderbergh. Después leí la novela y por último, he tenido la suerte de hacerme con el DVD del 'Solaris' de Tarkovsky. Por lo visto Lem, colaboró con Tarkovsky en la creación del guión para esta película, sin embargo Lem nunca pareció simpatizar con la versión final de Tarkovsky. Para Lem, lo principal era reflejar fielmente la idea de su libro, que esencialmente refleja las limitaciones que el ser humano tiene respecto al desarrollo del conocimiento. Tarkovsky sin embargo optó por crear algo nuevo, y de este modo desviar más la atención hacia la fenomenología, la moral, el constructivismo y la conflictiva existencial. A mi modo de ver, Tarkovsky consigue desarrollar una nueva idea y ayuda a través del cine a expresar la tensión, la experiencia y la transformación de las ideas y los sentimientos ante un nuevo descubrimiento científico. Es una película magistral y que pone de relieve no sólo el potencial artístico e intelectual del cine, sino también la capacidad ilustrativa del mismo para exponer complejos procesos emocionales, cognitivos y éticos. Sin lugar a dudas es una película inolvidable y poderosa. El Solaris de Tarkovsky es una obra maestra del cine. Es una gozada escuchar a los personajes hablar en ruso y sentir la extrañeza de la vida en el espacio y el vértigo de lo desconocido con más rotundez si cabe.

L'enfant, 2005

2009-09-27T05:59:00.000-07:00

Directores: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne

Esta es una gran película creada por los Dardenne, hermanos de origen belga y que sin ser nada sentimental es capaz de transmitir una poderosa temática postindustrial en la que dos caracteres jóvenes y marginados navegan por la existencia.

El estilo técnico de esta cinta implica evitar identificar directamente la ciudad donde todo ocurre, lo cual está hecho a propósito. Aunque los directores no esconden de qué ciudad se trata, el principal efecto que tiene es el ocultar ciertos aspectos de la dinámica evolutiva de los personajes, que da la sensación de pérdida de control, de espontaneidad, o de incluso invisibilidad. Estas personas viven y sufren casi sin ser vistos, pasan desapercibidos. Nosotros los que intelectualizamos la vida, pensamos sobre ella. Los personajes y la tragedia de la película reflejan la trayectoria de aquellos que simplemente viven sin pensar.

Otro angustioso aspecto gira sobre el título de la película. Todo va sobre un bebé, al que se le ama y se le desprecia al mismo tiempo. Qué será de ese bebé en el futuro? y él acabará sabiendo lo que le ocurrió? Genial película.

Che, 2008

2009-08-04T16:22:00.001-07:00

Director: Steven Soderbergh

Un filme doble porque tiene dos partes y está contado en dos idiomas, pero está hecho de una pieza, por la sensación de fidelidad que da y de la capacidad de transmitir un trozo de la historia y el retrato de un personaje histórico.

Sin duda tiene una buena factura, y casi que no le encuentro ningún fallo de no ser porque en la segunda parte he notado que han filmado en Andalucía. Creo que es un enorme error haber filmado en la sierra Andaluza. No conozco Bolivia, pero creo que América tiene una ecología muy diferente y me sorprende que hayan elegido nuestro país andaluz para los exteriores de la segunda parte.

Por lo demás, la interpretación, la secuenciación de la historia está muy bien. Hecho de menos algún gráfico o mapa para realzar más la idea de la estrategia militar, el intento de escapar teniendo al ejército boliviano pisándoles los talones. Gran historia y bien contada. El DVD está bien organizado y las entrevistas ayudan mucho a mejorar la comprensión de la película y la historia.

The Squid and the Whale, 2005

2009-07-08T08:49:00.000-07:00

Director: Noah Baumbach

Una película retro y refrescante al mismo tiempo. Noah Baumbach ha sabido reflejar la vida de Brooklyn. He vivido allí y su representación de esta parte de Nueva York me parece de lo más viva y creíble.

La construcción de los personajes también me parece bastante coherente con la psicología humana, y sus conflictos personales e interpersonales se ajustan al funcionamiento psiquíco de las personas de clase media e intelectual.

Esta cinta tiene también un toque trágico que seduce al espectador europeo. Su realismo y su sencillez son gratos de ver. Sin embargo, quizás hay que señalar que la hostilidad y la competición entre los esposos no está bien clarificada (quizás una versión en novela lo podría hacer). La promiscuidad que se refleja en el papel de la esposa quizás esté un tanto exagerada, así como la incapacidad del marido para adaptarse al mundo sin su esposa. Pero esta apreciación es algo más personal y no categórica.

La parte más bonita y que se conjuga bien con lo trágico y lo negativo de la historia, es cuando Walt visita al psicólogo y lo que le sucede a partir de ahí. Está muy bien presentado el papel del psicólogo: un individuo sobre el que la gente no tiene muchas expectativas, pero que cuando está en acción, provoca cambios en la ruta vital del individuo

Vicky Christina Barcelona, 2008

2009-07-08T08:20:00.000-07:00

Director: Woody Allen

Una película un tanto extraña para un espectador que experimenta a los actores desde un punto de vista cultural no-anglosajón. Penélope Cruz parece imitar sin éxito a una chabacana moderna, aunque se entiende las dificultades cuando el perfil psicológico del personaje es un fallido retrato de una persona con trastorno mental. Este papel junto al inverosímil rol de Javier Bardem, que hace de un Don Juan de los años sesenta me hace sentir que Woody Allen se quedó estancado en la era franquista española. Pero lo más ridículo es la interacción entre ambos personajes que me hace pensar que el teatro de los Alvarez-Quintero sea el concepto más sofisticado que este director tenga para un guión en español.

Esta superficialidad me sorprende y decepciona de alguien como Allen, pero no hay nada más que ver cómo retrata a Cataluña y Asturias musicalmente: con música Andaluza (y una música archiconocida, que de nuevo muestra su ignorancia de lo nuevo y lo actual de las músicas íberas). Resulta incomprensible que la película se trate de personajes interesados en la cultura catalana y la banda sonora no tenga una sardana o algo catalán al menos. Por supuesto, el personaje de Javier Bardem está tomado de la cultura andaluza y no de Cataluña.

La guinda final está en el hecho de que como siempre (y de nuevo, esto no es nada nuevo puesto que existe un precedente literario: La Tesis de Nancy de Ramón J. Sender, 1962) los personajes anglosajones vuelven a casa para comportarse como si nada hubiera pasado. Sin embargo, todo es representado como si los dichos personajes son los que se van a enfrentar con un reto. No puede ser un reto si la experiencia no te cambia. De nuevo, una concepción infantil del 'otro'. Woody, ¿de qué te han servido tantos años de psicoanálisis?

Eternal Sunshine of the Spotless Mind, 2004

2009-05-23T00:57:00.000-07:00

Director: Michel Gondry

Película que recuerda a 'A Clockwork Orange', se basa en una idea preconcebida de que la ciencia aplicada a la mente o el cerebro no puede funcionar. Sin explicar porqué, se trata de borrar de la memoria ciertos recuerdos pagando a una empresa especializada en el tema. Por desgracia para los clientes, el tema no es tan efectivo como se suponía. Una película impulsiva, en la que la circularidad de los eventos intenta psicologizar la historia, con un resultado ambiguo. La misma pelicula muestra que habría que destruir casi toda la memoria para acabar de erradicar los recuerdos de una persona amada. Quizás este sea el único principio psicológico válido de todo el filme. Como contrapunto, decir que el resultado es positivo porque utiliza un fondo ordinario y es capaz de entretener sin mucho artificio.

Me ha resultado una cinta entretenida y también agradable de ver a los actores americanos haciendo papeles menos convencionales de lo normal y mucho más humanos. En ese sentido la película tiene un estilo bastante europeo, de hecho el director es francés.

Cassandra´s Dream, 2007

2009-05-20T13:37:00.000-07:00

Director: Woody Allen

Es una película un poco decepcionante a nivel de la idea de base, puesto que no es más que un cuento moral de lo más evangélico. Si te portas mal, acabas mal. Lo peor de todo es que el castigo solo alcanza a los más tontos. En cualquier caso, la película recuerda a 'Match Point', también filmada en Inglaterra y con la misma factura carente de credibilidad. Creo que Allen no conoce bien el tema del crimen y esto afecta seriamente a estas dos películas.

Como observación desde Inglaterra, la película tiene diálogos dificilmente posible para los ingleses. Se nota que no es inglés y fuerza a los actores a hablar de una forma no inglesa. Por otra parte, parece una película pagada por los ingleses (como lo pueda ser 'Australia') puesto que he visto más días soleados en esta película, que en los ocho años que llevo viviendo en Inglaterra. Sin embargo, el resto de la ambientación es creíble y refleja la sociedad inglesa.

Para salvar la cinta podría decir que su simplicidad facilita la parte entretenida, y desde luego es efectiva en ese nivel porque no se hace pesada de ver y sólo decepciona al final.

El carácter de Terry es psicológicamente imposible de entender (siendo el más simple, y desarrollando más problemas morales que el hermano inteligente).

The Life of Others (Das Leben der Anderen) 2006

2009-05-15T13:47:00.000-07:00

Director: Florian Henckel von Donnersmarck.

Esta película alemana, es bien seca y con poco adorno. Muy realista y muy precisa, tal y como procedía la policía comunista en la Europa del Este sólamente hace unos años.

Transmite un sentimiento trágico y una sensación de que al final, lo que cada uno ha aportado en un mundo injusto, es un granito de arena en favor del progreso. Sin embargo, todo tiene un precio. También implica que el inquisidor o la Stasi (policía política de la RDA) pueden ser convertidos y que nadie está libre, de ser libre, ni siquiera el opresor.

Quizás, como muchas obras de este calibre quizás den mucho crédito a lo que el mundo del arte pueda influenciar a la gente, en el sentido de hacerlas cambiar de ideas políticas o de que el arte consiga cambiar una situación política adversa para el país.

En cualquier caso, un reparto de actores interesante. Mínima acción y por tanto algo estática. Algo de suspense.

Segunda Introducción

2009-05-15T13:30:00.000-07:00

Creo que algo especial a aportar desde este blog es que voy a comentar películas vistas y oídas en versión original (inglés, español, francés, alemán, italiano), lo cual me proporcionará una ventaja sobre el visionado de películas que ocurre típicamente en España.

Por otra parte la desventaja es que comentaré principalmente películas que veré en DVD y que alquilo a una compañía llamada http://www.lovefilm.com/. No es lo mismo verlas en el cine, por supuesto. Por eso he titulado este blog 35mm en honor al formato clásico que está amenazado por la revolución digital.

Una Introducción a 35mm

2009-05-15T13:26:00.000-07:00

He renunciado a pagar la 'TV license' que como un impuesto revolucionario nos obligaba a subvencionar a la BBC. He decidido emplear mi dinero en ver las películas que yo quiera, cuando yo quiera. Y voy a comentarlas una a una para no olvidarlas y aprender de ellas.