Friday 9 October 2015

Tropa de Élite, 2007





Director; José Padilha

Tropa de Élite es un gran filme cuya historia se desarrolla en las favelas de Rio de Janeiro. Se mire por donde se mire, ya sea a nivel de presupuesto, de recursos...es una gran obra cinemática. 

Me encanta la edición y construcción de la historia que circula y gira y fluye como un gran río de emociones y pensamientos que obsesivamente y centrípetamente vuelven fieles a un territorio mínimo y vital. La cinta muestra una lucha interior, una lucha exterior mucho más genérica de lo que en un principio nos pueda parecer. La profundidad de lo aquí expresado sugiere un conocimiento de las dinámicas psicológicas y sociologícas de la vida contemporánea, con su constante y frenética realidad dialéctica en la que las clases sociales, los territorios mentales y las relaciones humanas se enfrentan unas a otras de forma descarnada.

Como tiene que ser y no puede ser de otra manera, esta obra empapa la pantalla seminalmente con los valores ideológicos iberoamericanos y al mismo tiempo llama la atención sobre la inmensa calidad artística que pasa de soslayo aunque ganase su Oso de Berlin. Obviamos la realidad que nos duele y escapamos ante la evidencia del tremendo dolor ajeno que infligimos de manera ciega e inocente con solo comprar un poco de hachís. 

La pérdida de vida humana y de calidad de vida se vislumbra con este análisis minucioso, casi cuántico, diría yo, de la interacción entre las partículas fundamentales de la sociología. Una obra de la que se acabará hablando mucho y hacia la que habrá que volver varias veces para comprenderla mejor y ayudarnos a tomar conciencia de lo que sucede hoy día en las grandes naciones modernas. ¿Quiénes son las víctimas, quiénes son los perpetradores, cuál es el camino a seguir en una jungla amenazante y con ánima propia? Todo está por hacer.

Monday 29 December 2014

Le Prénom, 2012



Directores, Alexandre de La Patellière & Matthieu Delaporte

Es un gran placer poder volver a comentar películas después de verme completamente incapaz de hacer nada al respecto durante tantos meses. Ambos directores y guionistas escribieron un obra para teatro en primera instancia. Lo que está claro es que Alexnadre y Matthieu han realizado una obra gustosa y entretenida de la cual uno no puede sino decir cosas buenas. Esta es la clase de cine maduro que toda cultura necesita y que derrocha estilo y cadencia. Psicológicamente válida y sin actitudes temerarias nos ayuda a adentrarnos en la vida de profesionales y ciudadanos de clase media que se conocen de toda la vida...hasta cierto punto. Me parece muy acertado explorar la paradoja de aquellos lugares conocidos que en realidad son los más inciertos. Creo que esta obra podría ser sucedida por otra del mismo corte y continuar una saga exploratoria. Es un buen punto de partida para el disfrute y la contemplación de la vida social europea, la cual sigue generando riqueza, profundidad y entrega a los valores humanistas. Y por humanismo me refiero a la capacidad de autocrítica, autoconsciencia y por su puesto perdón.

Sunday 13 April 2014

Ocho Apellidos Vascos, 2014


Director;  Emilio Martínez-Lázaro

Por una parte las comedias son necesarias para ayudarnos a escapar de lo cruel y amargo de esta vida, y por otra parte, una comedia como ésta tiene la virtud de contarnos una historia de lo que pasa entre dos humildes ciudadanos de dos comunidades ibéricas, cosa no muy frecuente en el cine español. La narración en sí es entretenida y provoca la risa contenida en los cines andaluces. Me pregunto si tendrá el mismo efecto en los cines vascos. A mí, la verdad, que tenía ganas de reírme, me dejó con una sensación ambivalente. De un lado, no me parece bien criticar por criticar una obra que al fin y al cabo tiene éxito y da cierto caché al cine español por su capacidad taquillera. Por otro lado, me siento estafado al ver una vez más, que aquello que atrae a la masa es ridiculizar a los que tienen identidad. La típica distorsión patética a que nos acostumbran los españoles. Los andaluces somos el vagón de cola de España, pero cuando interesa somos la quinta esencia de lo hispano. Somos la españolidad más auténtica al parecer. ¿Si tan españoles somos, entonces porqué nos llamáis andaluces? No tiene sentido. El objeto es poder reiros de nosotros. No somos españoles, somos criaturas inferiores, que servimos para que los demás se mofen y se sientan mejor al darse cuenta que hay otros peores y más payasos. Andaluces zalameros y vascos inmovilistas. ¿Quién quiere retratar estos estereotipos y quién quiere beneficiarse de esto? Lógicamente no los andaluces y supongo que tampoco los vascos. Como digo, desconozco el mundo vasco, no entiendo la cultura de más allá de Despeñaperros, pero lo que sí me parece claro es que debemos de empezar a reirnos de todos un poco y dejar a los andaluces en paz si sólo vamos a intentar ridiculizarlos. En este sentido también podríamos reirnos haciendo sentir un poco más de respeto por todos. Psicológicamente es posible reirse de algo hermoso y sofisticado, algo bello e inteligente. Quizás la audiencia todavía tiene que madurar para disfrutar de un cine de esta categoría. Más cine y menos discriminación étnica por favor!!! En el cine al que fuí se comentaba el interés en simplemente ver una imagen de Sevilla en el cine. Como siempre los andaluces tan estoicos, conformándose con un retrato de su tierra en pantalla grande, por muy casposo que sea.

Con respecto a la psicología de los caracteres tenemos lo siguiente. El humorista andaluz que se mofa de los vascos, ¿es realmente un especímen andaluz? Creo que es un alien en la tierra andaluza. Aquí nos importa un bledo los vascos. Un grupo de camareros nacionalistas españoles con pelo engominado y leales al betis. Esto es como poner a un gitano como militante de Fuerza Nueva. Los paisajes y personajes vascos parecen salidos de la película irlandesa sobre Michael Collins, los andaluces parecen salidos de una película española de los años sesenta. No creo que los vascos tengan a los andaluces como antítesis de sus valores e identidad, de hecho entiendo que es Castilla y España lo que ellos parecen considerar un obstáculo para su soberanía. Entonces ¿porqué colocar a Andalucía a la cabeza de lo opuesto de lo vasco? Porque es necesario ridiculizar la otra postura. Los que son más capaces de reírse de sí mismos no parecen ser los castellanos. Esos parecen más dispuestos a reirse de los demás, y esos son los que más pagan por ver este espectáculo supongo. Por lo tanto, la caspa y el cutrerío pertenece a Madrid y sus alrededores. Esto es un claro desplazamiento hacia el sur, para poder descargar las posturas más rancias fuera de la "neutralidad" española. Los rancios son los andaluces, claro. Ellos son los antivascos. Cosa más absurda imposible. Aquí no rechazamos a nadie, eso es lo que nos caracteriza como país.

Como despedida un guiño positivo; lo mejor de todo es que en realidad la película no trata de España ni de los españoles, en la historia solo hay íberos de verdad; andaluces y vascos. ¿Es esto el principio del fin de una cultura que persiste en secuestrar la identidad de los pueblos íberos?  

Sunday 23 February 2014

Tao Jie (Una Vida Sencilla) (2011)

Director:  

Ann Hui nos deleita con una historia deliciosa que tiene lugar en la moderna ciudad de Hong-Kong. Lo que puede ser el principio del fin de una vida entregada a la fidelidad y el compromiso, puede convertirse en una experiencia vacía, dominada por el abandono y la frustración. Sin embargo, también puede suceder que el final de la vida de las personas continúe hacia su conclusión de la misma manera en la que se ha desarrollado anteriormente: con plenitud, belleza, amor y generosidad. Esta cinta es una maravilla y un gusto de visionar, especialmente para mí que trabajo con personas mayores y que aprecio el enorme riesgo y esfuerzo que supone crear una obra sobre un grupo social que pierde cancha día a día: las personas mayores, los abuelos, los viejos, los desahuciados y terminales, los frágiles y pasados de moda. La recomiendo para aquellos interesados en aprender sobre cómo trabajar o relacionarse con personas mayores.  En esta cinta se recrean relaciones de amor y de entrega mutua, de comunión entre generaciones, de afecto a través del cocinar y del hacer "al otro" algo personal y simple. Gran trabajo que pone la humildad en un altar y nos permite poner en perspectiva la importancia de la autenticidad y la entrega a los demás. Compartir, confiar y amar, son acciones que no existen sin el otro. El Yo no sirve de nada sin poder dedicarlo a otros seres. Gracias a esta cinta podemos disfrutar de un cine sin golpes de efecto, sin trampas ni cartón. Pura emoción, afecto y valores. Gran trabajo sin duda alguna.

La Vénus à la Fourrure (2013)


Director:  Roman Polanski

Eta es una obra maestra que nos ayuda a redirigir el mundo de la expresión artística en general y del cine en particular. Es como si uno de los capitanes del mundo cinematográfico diera un golpe de efecto o quizás un golpe en la mesa, para así recuperar el cine y librarlo de sus ligaduras. La Vénus à la Fourrure es más que una cinta entretenida y vivaz, es más que arte y diálogo profundo. Este filme emprende un camino hacia la validación y el respeto hacia el teatro, hacia los vínculos íntimos entre ambas formas expresivas y desde donde se aprovecha para exponer las difusas fronteras entre la vida subjetiva y la objetiva, entre imaginación y experiencia interpersonal, entre el deseo y la expresión del mismo. Polanski nos recrea un juego íntimo y personal entre dos desconocidos que exploran la esencia de las relaciones entre los dos géneros. El teatro, el escenario es así la cama, el lugar ideal para poner en marcha un juego nunca acabado y siempre por empezar. El teatro es el lugar idóneo para reflexionar, así como lo es la cama, sobre la naturaleza de nuestras relaciones, sobre la comunicación humana y la materialización de creencias esquemáticas y personalidad. Una relación casual refleja la estructura de la personalidad de cada actor. En este caso, destacan las tendencias sádicas y masoquistas de los protagonistas, pero podrían haberse elegido otras. Esto es sólo una ilustración. Polanski se ha revela como un conservador y vota por la personalidad como un constructo estático y fijo, guiñando un ojo al psicoanálisis y dando una opinión cínica del mundo contemporáneo, lleno de palabras vacías (políticamente correctas) que parecen querer arrebatarnos lo espontáneo y lo congénito. La vida intelectual contemporánea se lleva las relaciones entre adultos a un terreno psicosocial-legal (las disputas emocionales entre adultos reflejan diferencias de poder y son un potencial delito), clínico (el sadomasoquismo es un trastorno) y aséptico (las emociones y las creencias de los interesados no son relevantes) donde se juzgan los sentimientos y conductas de manera casi evangélica y mojigata. Hay una pequeña crítica ahí, puesto que Polanski se deja llevar o confundir por el hecho de que el abuso, la violencia doméstica y los traumas son experiencias válidas también. Las personas también desean escapar de su pasado, rehuir de su personalidad y crear mundos, posibilidades y relaciones nuevas. Pero él tiende la mano hacia una psicología más clásica para hacer honor a las viejas creencias y desde alli intenta dar equilibrio a ambos lados de la relación. El sádico es masoquista, y el masoquista es sádico. De este modo, la prostituta, la mujer pobre e inculta son elevadas al estatus de diosas, para demostrar que el poder y la fuerza masculina son sólamente caras de una moneda que no puede existir sin la tremenda y sobrecogedora potencia de lo femenino. Una pieza genial que genera ideas y riqueza contínuamente, y necesaria en la videoteca del cinéfilo. Muchas gracias por esta obra señor Polanski. 

Monday 30 December 2013

American Beauty, 1999


Director:  Sam Mendes

Parece que fue ayer cuando salió esta cinta en la pantalla grande. ¡Cómo pasa el tiempo! Sin embargo, y tristemente hay que decir que en la sociedad occidental nada ha cambiado desde entonces. Quizás se es más consumista y frívolo si cabe. Se suele leer que este filme es una sátira de la clase media y que trata sobre las inquietudes de personas de este estrato social. Sin embargo, a mí me parece que como muchas de las cintas americanas, ésta es una engañifa inteligente que no conduce a nada más que a seguir con lo mismo. La obra está perfectamente ejecutada desde múltiples ángulos, sin embargo, un hombre que intenta sanarse y ayudar a los demás no ataca y se burla de su esposa. Lester es un agresor pasivo, un cínico e irresponsable individuo que es incapaz de comprometerse con la compleja realidad donde vive. Se desliga de todo, como típico anglo, se desprende de su compromiso social y afectivo para entrar en una masturbación contínua. Al mismo tiempo los demás parecen entregados al mismo fin, encapsulados en sus propias burbujas. Sin anhelos, actúan oportunística e impulsivamente, arrebatándose a si mismos su propia libertad, la libertad para pensar sobre ellos y los otros. Quizás sólo existen breves destellos de reflexión. Cuando Lester puede enrollarse con Angela y no lo hace, cuando su hija se enrolla con un friki, etc. Sí, hay momentos de reflexión pero no son momentos entregados al otro. Son formas de evitar problemas, de disminuir la angustia y la culpa. Es una cinta atractivísima y superdivertida, pero como mucho de lo que se produce en nuestro imperial país angloparlante, es artificial y malintencionado. No es una obra que trata sobre la belleza, sino una operación de marketing para hacer a los americanos deseables y consumibles a pesar de su empecinado camino hacia la autodestrucción. No se trata de la vida superficial de la clase media americana, sino de crear una manera de ensalzar aún más un modo de existir basado en el autismo social y en el asesinato como la medicina que lo cura todo. Bien es verdad que nos comportamos de forma más aleatoria y espontánea de lo que creemos, y que podemos ser ensalzados o eliminados de la comunidad por fuerzas desprovistas de raciocinio. Carolyn representa lo más abyecto y poderoso de esa comunidad. Carolyn es ambiciosa y su sed de poder es insaciable. Ella es el verdadero centro de la historia, la que mueve los hilos y genera toda la dinámica y conflictiva, porque es la única que se entrega verdaderamente al dios-dólar. Todos los demás quieren nadar entre dos aguas y son por lo tanto unos aficionados en comparación con Carolyn, y parásitos de la verdadera hormiga obrera, la que construye ese gran país desde los cimientos. Es la que ha pensado la sociedad y la que mantiene el status quo. Carolyn establece el modo de operar en el mundo, facilita las reglas y el modo de salvar el alma, de vivir y esculpir todo lo que es perceptible a través de los sentidos como un producto consumible. Carolyn esconde el corazón de esa civilización en la que la psicología es un arma más para conquistar y vender. No se narra la historia del hombre en crisis, sino de la fuerza hegemónica de las mujeres trabajadoras en un mundo cada vez más postrado hacia el trabajo como generador de identidad, cultura e ideología. La mujer de Frank, el coronel retirado, no es más que una sombra del pasado. Carolyn es el presente y el futuro. 

Con respecto a la construcción de la historia decir que la narración es espectacular y mesmerizante. Ayuda al reconocimiento del tiempo como un concepto que varía y que visto desde la fenomenología de Lester, se expande de una manera redonda, en donde la mente contempla los sucesos sin necesidad de concatenarlos en una secuencia. La manera en la que los distintos personajes interactúan resulta tan eficaz y espontánea que uno puede estar tranquilo al reconocer que American Beauty ha creado personajes arquetípicos que ayudan y ayudarán a comprender mejor la sociedad que nos domina. La contemplación de la propia vida que nos ofrece esta película es algo menos original pero sumamente efectiva y efectista.

Un último toque reflexivo y constructivo del filme es el reconocimiento de la vulnerabilidad de todos los caracteres que viven en la historia. No es una vulnerabilidad falseada, ni escueta. Es un paso al frente en la necesidad de contar lo que viven las personas haciéndolas más completas (por ejemplo, haciendo reconocer el verdadero valor del erotismo y de su distinto peso y valor según el estadío evolutivo en que se encuentra la persona) y en este sentido esta película es completa.

Tuesday 12 November 2013

10000 Noches en Ninguna Parte, 2013

Director: Ramón Salazar

Esta es la mejor pieza de las tres vistas hasta ahora en el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Es la cinta más completa y trabajada psicológicamente. En ella se presentan narrativas distales (de la biografia temprana) y proximales (de la biografia contemporanea) del protagonista. Su construccion es perfectamente fresca y nada predecible puesto que se intercala con imágenes surreales y oníricas, fantasías y posibles realidades de un hombre absorbido por la presencia omnipotente de una madre egocéntrica y hedonista. El personaje interpretado por Andrés Gertrudix experimenta su existencia como un acto de constante bondad y aceptación del otro, pero debido fundamentalmente a su mermado Yo. No hay lugar para una explosión de emociones y o de actos que expresen una protesta o un desligamiento, sino más bien una escapada interior de la que no se sabe a ciencia cierta a donde le llevará. Nuestro hombre permanece encadenado a un cordón umbilical que lo estrangula y que a su vez lo condiciona caracteriológicamente. El filme aporta una construcción creíble de la angustia y la vivencia interior de un hombre que vive de las posibilidades, que se nutre de barajar sus recuerdos, pero que es posible que no pueda nutrirse de algo que lo mantenga cuerdo o integrado con sus procesos mentales. La música, y los elementos geográficos ayudan a posicionarnos en diferentes escenarios reales o imaginados donde este joven coexiste con sus fantasmas y sus demonios, con sus hadas y con sus musas, con su bruja y con su alter ego. Que el muchacho escape o no, que lo intente o no, es irrelevante. Aquí se muestra la forma en que alguien vive, como si estuviéramos dentro de la mente de un John Malcovich, pero sin poder controlar el volante de su consciencia. Es de hecho la representación eficaz de un hombre retraído y traumatizado una y otra vez. El joven mancebo vivirá en nuestros corazones como un icono de aquellos hombres y mujeres que siendo aplastados por la vida, no hieren a nadie y coexisten en silencio, llevando una procesión de penas y dolor que nadie podrá nunca vislumbrar. Un gran trabajo introspectivo y profundo que merece reconocimiento internacional.
 

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