American Beauty, 1999

Director:  Sam Mendes

Parece que fue ayer cuando salió esta cinta en la pantalla grande. ¡Cómo pasa el tiempo! Sin embargo, y tristemente hay que decir que en la sociedad occidental nada ha cambiado desde entonces. Quizás se es más consumista y frívolo si cabe. Se suele leer que este filme es una sátira de la clase media y que trata sobre las inquietudes de personas de este estrato social. Sin embargo, a mí me parece que como muchas de las cintas americanas, ésta es una engañifa inteligente que no conduce a nada más que a seguir con lo mismo. La obra está perfectamente ejecutada desde múltiples ángulos, sin embargo, un hombre que intenta sanarse y ayudar a los demás no ataca y se burla de su esposa. Lester es un agresor pasivo, un cínico e irresponsable individuo que es incapaz de comprometerse con la compleja realidad donde vive. Se desliga de todo, como típico anglo, se desprende de su compromiso social y afectivo para entrar en una masturbación contínua. Al mismo tiempo los demás parecen entregados al mismo fin, encapsulados en sus propias burbujas. Sin anhelos, actúan oportunística e impulsivamente, arrebatándose a si mismos su propia libertad, la libertad para pensar sobre ellos y los otros. Quizás sólo existen breves destellos de reflexión. Cuando Lester puede enrollarse con Angela y no lo hace, cuando su hija se enrolla con un friki, etc. Sí, hay momentos de reflexión pero no son momentos entregados al otro. Son formas de evitar problemas, de disminuir la angustia y la culpa. Es una cinta atractivísima y superdivertida, pero como mucho de lo que se produce en nuestro imperial país angloparlante, es artificial y malintencionado. No es una obra que trata sobre la belleza, sino una operación de marketing para hacer a los americanos deseables y consumibles a pesar de su empecinado camino hacia la autodestrucción. No se trata de la vida superficial de la clase media americana, sino de crear una manera de ensalzar aún más un modo de existir basado en el autismo social y en el asesinato como la medicina que lo cura todo. Bien es verdad que nos comportamos de forma más aleatoria y espontánea de lo que creemos, y que podemos ser ensalzados o eliminados de la comunidad por fuerzas desprovistas de raciocinio. Carolyn representa lo más abyecto y poderoso de esa comunidad. Carolyn es ambiciosa y su sed de poder es insaciable. Ella es el verdadero centro de la historia, la que mueve los hilos y genera toda la dinámica y conflictiva, porque es la única que se entrega verdaderamente al dios-dólar. Todos los demás quieren nadar entre dos aguas y son por lo tanto unos aficionados en comparación con Carolyn, y parásitos de la verdadera hormiga obrera, la que construye ese gran país desde los cimientos. Es la que ha pensado la sociedad y la que mantiene el status quo. Carolyn establece el modo de operar en el mundo, facilita las reglas y el modo de salvar el alma, de vivir y esculpir todo lo que es perceptible a través de los sentidos como un producto consumible. Carolyn esconde el corazón de esa civilización en la que la psicología es un arma más para conquistar y vender. No se narra la historia del hombre en crisis, sino de la fuerza hegemónica de las mujeres trabajadoras en un mundo cada vez más postrado hacia el trabajo como generador de identidad, cultura e ideología. La mujer de Frank, el coronel retirado, no es más que una sombra del pasado. Carolyn es el presente y el futuro. 

Con respecto a la construcción de la historia decir que la narración es espectacular y mesmerizante. Ayuda al reconocimiento del tiempo como un concepto que varía y que visto desde la fenomenología de Lester, se expande de una manera redonda, en donde la mente contempla los sucesos sin necesidad de concatenarlos en una secuencia. La manera en la que los distintos personajes interactúan resulta tan eficaz y espontánea que uno puede estar tranquilo al reconocer que American Beauty ha creado personajes arquetípicos que ayudan y ayudarán a comprender mejor la sociedad que nos domina. La contemplación de la propia vida que nos ofrece esta película es algo menos original pero sumamente efectiva y efectista.

Un último toque reflexivo y constructivo del filme es el reconocimiento de la vulnerabilidad de todos los caracteres que viven en la historia. No es una vulnerabilidad falseada, ni escueta. Es un paso al frente en la necesidad de contar lo que viven las personas haciéndolas más completas (por ejemplo, haciendo reconocer el verdadero valor del erotismo y de su distinto peso y valor según el estadío evolutivo en que se encuentra la persona) y en este sentido esta película es completa.

10000 Noches en Ninguna Parte, 2013

Director: Ramón Salazar

Esta es la mejor pieza de las tres vistas hasta ahora en el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Es la cinta más completa y trabajada psicológicamente. En ella se presentan narrativas distales (de la biografia temprana) y proximales (de la biografia contemporanea) del protagonista. Su construccion es perfectamente fresca y nada predecible puesto que se intercala con imágenes surreales y oníricas, fantasías y posibles realidades de un hombre absorbido por la presencia omnipotente de una madre egocéntrica y hedonista. El personaje interpretado por Andrés Gertrudix experimenta su existencia como un acto de constante bondad y aceptación del otro, pero debido fundamentalmente a su mermado Yo. No hay lugar para una explosión de emociones y o de actos que expresen una protesta o un desligamiento, sino más bien una escapada interior de la que no se sabe a ciencia cierta a donde le llevará. Nuestro hombre permanece encadenado a un cordón umbilical que lo estrangula y que a su vez lo condiciona caracteriológicamente. El filme aporta una construcción creíble de la angustia y la vivencia interior de un hombre que vive de las posibilidades, que se nutre de barajar sus recuerdos, pero que es posible que no pueda nutrirse de algo que lo mantenga cuerdo o integrado con sus procesos mentales. La música, y los elementos geográficos ayudan a posicionarnos en diferentes escenarios reales o imaginados donde este joven coexiste con sus fantasmas y sus demonios, con sus hadas y con sus musas, con su bruja y con su alter ego. Que el muchacho escape o no, que lo intente o no, es irrelevante. Aquí se muestra la forma en que alguien vive, como si estuviéramos dentro de la mente de un John Malcovich, pero sin poder controlar el volante de su consciencia. Es de hecho la representación eficaz de un hombre retraído y traumatizado una y otra vez. El joven mancebo vivirá en nuestros corazones como un icono de aquellos hombres y mujeres que siendo aplastados por la vida, no hieren a nadie y coexisten en silencio, llevando una procesión de penas y dolor que nadie podrá nunca vislumbrar. Un gran trabajo introspectivo y profundo que merece reconocimiento internacional.

Miéle, 2013

Directora:  Valeria Golino

Lo que parece una historia que se va a inclinar por una u otra facción referente a la eutanasia se convierte en un golpe de efecto que dirige el problema hacia la protagonista, la cual acaba sufriendo en lugar de aprender de aquello a lo que ama: al ser humano. Miéle es una mujer de principios, decidida a cumplir con una misión social controvertida. Actúa como un soldado: con disciplina y con dedicación total, aislándose del mundo que le rodea para poder llevar a cabo su difícil tarea que es la de ayudar a aquellos que no pueden ayudarse a salir de sus propias vidas. En un momento dado, Miéle tiene que luchar contra uno de sus clientes, el cual más que ningún otro, resulta incapaz de seguir existiendo. Miéle no comprende los límites de su propio conocimiento y su ética de boy-scout le juega una mala pasada. Ella iba buscando algo más que un trabajo y algo más que una acción encomiable y se encuentra con un drama inexplicable que la desarma y la vuelve tan frágil como sus clientes. Miéle representa a muchos profesionales de la salud que trabajan sin ser supervisados, viven aislados sin poder elaborar ni reflexionar sobre lo que hacen y se acaban convirtiendo en víctimas de su profesión, víctimas de la vida y de la sociedad. Son héroes anónimos que reviven sus traumas pretéritos una y otra vez hasta que caen abatidos por la complejidad de la existencia. Cuando uno se arriesga a intentar solventar un problema demasiado grande, trae hacia si mismo la posibilidad de ser engullido por ese problema. Engullido como Jonás, en el estómago de una ballena que nos digiere poco a poco y se nos lleva nuestras vidas mientras yacemos allí, aislados, a oscuras esperando que se evapore el último hálito de nuestra conciencia. Valeria Golino consigue traspasar las dicotomías y las controversias de la eutanasia con un certero guión existencial y constructivista. Una gran obra europea que merece la pena disfrutar y que hemos visionado entre un gran número de espectadores. 

Djúpið, 2012

Director:  Baltasar Kormákur

Esta cinta que se caracteriza por su énfasis en lo documental y periodístico nos lleva al mundo de los pescadores del mar del norte. Está basada en una historia real y su cuidadoso retrato de los sucesos que acontecen durante un naufragio parecen valiosos desde un punto de vista psicológico. La vida simple de los pescadores y su destino en el mar se mezcla con el contraste de la geografía y la sociedad nórdica, cuyas facciones y perfiles nos resultan chocantes y oscuros. Es un mundo definido por la crudeza extrema de la naturaleza. Las personas parecen retratadas como el mismo paisaje: sombrías y carentes de calidez, rudas y atrapadas en un mundo de espacios tenebrosos y vientos gélidos. 

Los accidentes son frecuentes y los riesgos que tomamos parecen excesivos cuando observados de manera neutral la conducta humana. La supervivencia es algo que nos enorgullece y este filme se enfoca en un hombre que parece no estar orgulloso de nada de sí mismo y que es arrastrado hacia una gloria y una supervivencia a la que trata lo mismo que a todo lo que le rodea: con brutalidad e indiferencia. Islandia parece un lugar autista y habitado por gigantes que como osos polares son capaces de ignorar la muerte blanca y convertirse ellos mismos en predadores de la vida marina. Sin embargo, Gulli, el hombre que sobrevive lo imposible es también un oso de peluche, un ser infantil y tierno que quizá vive escondido dentro de un enorme cuerpo. La cinta no explora este aspecto en detalle y se centra sobre todo en reproducir una narración coherente en perjuicio de habernos privado de enriquecernos con la experiencia humana y la respuesta emocional de esa sociedad que pierde a sus marinos de vez en cuando. Los niños huérfanos, las viudas y las promesas incumplidas dan un guiño de lo que podría ser una historia más firmemente anclada en la vivencia interna, la cual como he indicado se sacrifica para dar salida a la objetividad miope, la cual deja al protagonista en la misma situación que al espectador; frustrado. A pesar de todo es una cinta refrescante y bienvenida en este décimo festival de cine europeo de Sevilla.

Elle s'en va, 2013

Director: Emanuelle Bercot

La cinta se desarrolla en un momento histórico en el que se proyecta a un país (Francia) disfrutando de una paz social y una homogeneidad que haría crédulo hasta al más cínico, de que el nacionalismo más centralista posible es lo más legítimo y benigno del ser humano. Un momento donde las preocupaciones no van más allá del sí mismo y de nuestras propias acciones, se alían con ese centralismo político. Todo gira en torno al aquí y ahora impuesto por una vida sin raíces y basada en el aquí te pillo y aquí te mato. En el fondo la protagonista se siente insatisfecha de su carrera vital. Víctima de sus propios triunfos en lo que cualquiera de su género pudiera aspirar se tropieza una y otra vez con obstáculos que no comprende y continúa irreflexiva esa caminata errabunda en la que genera daño colateral hasta que acaba de manera definitiva siendo víctima de su propia vida superflua y hedonista. Cuando Bettie se encuentra con su propio vacío se marcha hacia ninguna parte (un pais que parece no tener personalidad, ya que parece igual por todos lados) llevando consigo como provisiones un poco de tabaco, el cual simboliza la propia cortina de humo que ella misma necesita para no ver la levedad de su alma y la ingenuidad de sus constructos. Conforme su escape sin retorno avanza, esa cortina de humo va dejando que pasen haces de luz de vez en cuando, retazos con los que Bettie empieza a reconstruir su pasado y su presente. A través de esos momentos se vislumbra el fracaso de la homogeneidad centralizadora, por ejemplo al recordar que ser Miss Bretaña no significa nada si no se consigue ser Miss Francia, y asimismo se percibe el desgarro psicosocial al confrontar que un nieto es sólo un accidente biológico en lugar de una prolongación del arjé, de lo diverso y lo único. Por último está ni más ni menos que la comercialización de la senectud y el vano intento de rejuvenecer las postrimerías de la vida, para convertir a los abuelos en una nueva clase de consumidores.

Como suele suceder, los niños salvan la historia, al experimentarla desde un prisma nuevo, heróico y singular a través de su interacción conflictiva con el nieto, Bettie encuentra su propia forma de sanar el despropósito de su vida. La acción se va volviendo menos angustiosa y más dinámica y relacional conforme progresa la cinta sin que falten momentos retro en donde la acción conduce a una regresión (por ejemplo cuando Bettie se encuentra en un bar nocturno rodeada de personajes grotescos y magullados por los golpes de la vida) momentánea que no sólo aclara mejor el perfil de personalidad de Bettie sino que también le ayudan a ella misma a replantearse su propio carácter. Lo que continúa es un nudo de relaciones que produce un desenlace grupal genial, como sólo los franceses saben contarlo. El grupo sana y permite la comunicación. Las ganancias se transforman en pérdidas y al contrario, ayudando a reestructurar las condiciones de vida. Los conflictos dan lugar a oportunidades y las oportunidades provocan la gestación de nuevas soluciones a viejos problemas. Todos juntos en su diversidad y su armonía producen un nuevo estado (quizás paradójico) donde parece haber espacio para las raíces, lo auténtico y lo genuino. La única cuestión es, ¿cómo es posible ese mundo alternativo si en realidad nada ha cambiado? Este angustioso finale solo se puede contestar con la frase con la que se despide el filme: "adelante con la vida".

Viaje a Surtsey, 2012

Director: Javier Asenjo y Miguel Ángel Pérez

Esta cinta en la que debutan Asenjo y Pérez como directores me ha parecido una historia coherente y bien desarrollada a nivel técnico. Cómo única nota a criticar de lo que es la acción, diría que las mochilas deberían de pesar algo más, ya que los actores las lanzan por el aire como si fueran almohadas. Por lo demás todo tiene buena factura y ha sido un placer verla en el Avenida. Creo que la idea de desarrollar una historia con un marco natural íbero poco usual en las pantallas me parece estupendo, ya que los directores no se despistan por dicho motivo. Se ha creado una narración apropiada con temas contemporáneos sobre relaciones humanas en las que se entrecruzan generaciones y conflictivas muy válidas. Da la impresión de que el temperamento y carácter ibérico se va transformando, y estas historias muestran que la psique creativa se aleja de lo espúreo con paso firme. El cine se convierte en una oportunidad para la reflexión y la exploración personal, así como de una propuesta ética donde la naturaleza pueda y permita dar salida a conflictos que la vida urbana sanciona como insolubles. "Darse cuenta" es algo muy importante, un acto de conciencia que en la vida social hispánica siempre ha faltado. Asenjo y Pérez nos ayudan a traer al ciudadano de a pie la sensatez del darse cuenta y la oportunidad de reunir a los que parecen atrapados por sus propios prejuicios y barreras. Por encima de todo queda la montaña, esa entidad purificadora, gran alternativa a la religión y dadora de energía. Gracias por este filme tan apañado y refrescante. 

다른 나라에서 (En Otro País), 2012

Director: Hong Sangsoo

Esta es una cinta marcada al principio por obsesionalidad, lentitud y simplicidad. Se repiten las situaciones con los mismos actores, como si pudieran impersonar diferentes individuos, pero los caracteres son los mismos, lo cual hace que se perciban como opciones conductuales generadas por las mismas psiques. Solo varian las identidades circumstanciales, como el hecho de que la mujer francesa este casada o no. El guionista y director, ha decidido transmitir algo inquietante a traves de esta continua vuelta a lo mismo, en tres actos surreales que gradualmente destilan mayor angustia conforme la cinta se introduce en esta historia con estratos paralelos. Los tres mundos parecen entrelazarse  y tornarse mas complejos conforme pasamos de un acto a otro y de este modo la confusion se va revelando hasta el punto de dar la impression de estar tratando con una compleja madeja existencial. Sin embargo, la intervencion de un monje budista en la historia, da definitivamente el toque final donde el reduccionismo es mostrado en toda su pureza. No existe el miedo, no existe el otro, y el yo es un constructo absurdo. Mas que alumbrar, lo que Hong Sangsoo pretende es apagar los faros de la razon y dejar que un magma amorfo se apodere la conciencia. A parte de esto, podria decirse que la joven que escribe el guion y que al fin y al cabo, construye la pelicula, puede en realidad reflejar su propia complejidad a traves de estas historias donde proyecta erotismo, resentimiento contra la masculinidad, frustracion, confusion y una profunda idealizacion de la mujer europea. Curiosamente, esa idealizacion no esta dirigida hacia el hombre, cosa que revela el genero del que escribe el guion (hombre). Al fin y al cabo Hong es el que imagina a la mujer europea y no la estudiante de cine. Te hemos  pillado Hong. Pero es una buena cinta para disfrutar en el Avenida cinco Cines, si señor.

Coco Avant Chanel, 2009

Director: Anne Fontaine

Aunque no es una biografia completa sobre la disenadora Coco Chanel, si que se puede decir que esta cinta es una pieza reflexiva sobre los movimientos contemporaneos que la clase trabajadora ha generado a nivel intelectual y social. Chanel partió como casi todos, de un origen humilde y como todos nosotros tuvo que trabajar mucho para salir adelante. Al mismo tiempo hay muchos otros procesos que ocurren en paralelo, como es el necesario inversor o patron, de la clase alta que apoya sus proyectos y de como ricos y trabajadores se relacionan y se enriquecen de modo distinto. Chanel es presentada como una persona innovadora, sin embargo al mismo tiempo es extremadamente conservadora, pasiva-agresiva y ambiciosa. Hay que llevar muy presente estas ideas para acabar codeandose con la clase dominante. Su personalidad expresada a traves del vestir se muestra sencillamente rebelde mas que original. De hecho la moda a la que ella reta surge tras un periodo de sobriedad, lo cual da mas a entender que sus disenos son un producto de su propia concepcion estoica absorvida durante su experiencia como huerfana en un convento de monjas. 

En cuanto a la narracion creo que es una representacion coherente y emotiva de la vida de una persona con una gran determinacion. Por desgracia su continuo infortunio sentimental parece haberla convertido en una mujer individualista y centrada en si misma y su trayectoria profesional parece haberse enfocado exclusivamente en la alta costura y por tanto en la alta burguesia. Puede que en aquella epoca esa fuera la unica salida para ella. Lo que esta claro es que la descripcion narrativa de esta obra parece hacer justicia con sus decisiones, sus prejuicios y sus puntos mas oscuros. Al fin y al cabo Coco Chanel fue una niña abandonada y una mujer abandonada y despreciada por aquellos en quien ella puso su corazon. 

Es una pelicula recomendable para reflexionar sobre la trayectoria etica de todos los que alguna vez han intentado poner toda la carne en el asador e intentar salir de un mundo mediocre y subsidiario. Y un documento para visualizar en que puntos y en que condiciones la sociedad europea ha sido permeable a los cambios y la promoción de los desaventajados.  

La Grande Bellezza, 2013

Director: Paolo Sorrentino

En este filme se reencuentran historias y obras previas italianas que reformuladas nos ayudan a situar a un paso de distancia la decadencia europea de lo retratado en versiones anteriores por otros autores. Quizas en este caso hay menos incertidumbre y un rumbo mas claro. Se abandonan definitivamente ciertos pilares como los de la religion y el erotismo se convierte en el sustituto por donde heroe y santo tienen que ser medidos. Se avanza en el complejo camino del existencialismo y el constructivismo y se ahonda en la conciencia. La muerte asciende a coronacion final de la existencia y el dinero es el mejor modo de ser coronado en las mejores circuntstancias y con los mejores honores.

La cinta se mueve con energia y claridad de modo que es dificil a veces pensar que se trata de una pelicula y no de la vida misma. Los personajes estan tan bien caracterizados que encajan a la perfeccion con ese tremendo escenario de la vida civilizada que es Roma. Si yo fuera el siguiente director italiano en continuar con esta saga me sumergeria algo mas en una construccion mas personal y menos ligada a lo que es o debe ser reconocidos por todos. Esto permitiria poner en tela de juicio los siguientes pilares de la vida contemporanea: el sobrevalorado erotismo y el sobrevalorado dinero. Pero estos son pasos que el arte debe de dar despues de que la psicologia cientifica irradie con suficiente fuerza para alumbrar sus mentes.

Gran trabajo de Sorrentino que he disfrutado en un dia perfecto andando por Brick Lane y que he acabado en Hackney en el Picture House que esta frente al ayuntamiento. 

El Estudiante, 2011

Director: Santiago Mitre

Mitre se estrena de modo magistral reflejando un ambiente que conoce bien. Una obra realizada con mínimos recursos que reporta máximos expresivos e intelectuales. No sólo es la vida universitaria reflejada con diáfana precisión, sino que la naturalidad de los personajes hace que el filme parezca casi un documental. Los intringulis políticos no son más que una consecuencia de los intereses de los individuos. La política es en sí, la vida psicológica de las personas llevada a un terreno consciente y ajeno a los lazos de sangre. Influencias, aprendizaje, progreso y estancamiento son sin duda lo que el ser humano emprende en la vida de la universidad, lo mismo que en la política. Ambos mundos se entrelazan de manera brillante en esta obra la cual no necesita hacer referencia directa a hechos políticos de un país, sino que destila autenticidad y proporciona perspectiva para comprender mejor el significado más profundo de los movimientos sociales más organizados, es decir, los aparatos de los partidos políticos. Roque y todos los otros jóvenes que protagonizan esta historia son personas de carne y hueso. Seres hermosos, inocentes y con ganas de vivir. Según la iniciativa personal, los deseos de volar más alto o de vivir el momento, permiten que cada uno vaya encajándose en ese extraordinario nicho ecológico que es la vida estudiantil, un espacio vital para el progreso de la sociedad y del individuo. Ninguna de las estrategias y actos son en realidad reprobables, puesto que son moneda de cambio en un sistema que genera múltiples lenguajes y significados paralelos que se entrecruzan constantemente. El arte de vivir es el arte de manejar todos esos lenguajes y subculturas (por ejemplo la capacidad de estudiar, de amar, de ligar, de encontrar un vínculo en una jungla desconocida, de sobrevivir en una organización política, etc). Roque y sus amigos son criaturas vitales y sensuales que abrazan al mundo para exprimirlo. La narración de la historia es tan natural y fluida que hasta parece imparcial. Una gran película que hace a uno salir del cine totalmente satisfecho y contento de poder visionar un caos humano en una sociedad distante, y que puede ser organizado y comprendido por nuestras mentes como si estuviera ocurriendo aquí mismo. 

Au Cul Du Loup, 2012

Director: Pierre Duculot

Según Duculot, la cinta narra la historia de alguien que aprende a gestionar su destino. No conformarse con una vida aburrida y el deseo de mejorar, parecen según él, ser los ingredientes de la narración. A mí en cambio, me parece que el filme cuenta cosas muy distintas. Creo que el desarraigo, la alienación urbana y el verse privado de identidad tiene mucho que ver con esta película. La protagonista es una persona normal, de una ciudad normal. El encuentro con el pasado le ayuda a situarse de manera refrescante consigo misma. Su conexión con su abuela, la cual revela una bien guardada historia que genera una enorme curiosidad en Christina, le permite decidir si quiere repetir el hecho histórico de intentar lo que su abuela no pudo concluir. Esto entronca con la idea de espiritualidad muy bien. El rito religioso visto como una repetición de un acto creativo tiene su eco en la protagonista del filme. En ese proceso, Christina, se da cuenta que es momento de manifestar su adultez y relacionarse con su familia y con el mundo de forma totalmente consciente. Este proceso de construcción de la consciencia es una experiencia de crecimiento y de encuentro con los demás. La forma en la que los distintos personajes que se alían u obstaculizan su desarrollo emocional están presentados resulta muy fluida y dinámica, permitiendo el reajuste de roles y de resolución de los problemas que todos han de afrontar, a partir de que Christina se posiciona existencialmente. Resulta enternecedor la reacción del padre y el hermano al ir a Mausoleo, a ayudar a la hermana. Sin duda han aprendido algo sobre ella y sobre sí mismos. Los personajes rurales son reales y complejos, lo cual alejan el mundo rural de una representación idílica o distorsionada. Así mismo, el medio natural es visto de forma brutal y salvaje, cosa que sin duda alguna es. Sin embargo, es el acto de significado que Christina desarrolla ante sí, lo que convierte una casa ruinosa en un proyecto de vida, en una razón para vivir o quizás, un motivo para empezar a existir. Una gran obra, que da gusto de ver en el cine, sí señor. 

Fin, 2012

Director: Jorge Torregrosa

Esta cinta es una gran contribución al cine por su estudio cuidadoso de un tema bastante complicado. En esta película se mezclan ideas y géneros de manera estupenda. Es mucho más que un entretenimiento y mucho más que una película profunda. El espectador se ve introducido en una historia donde lo anecdótico y convencional de una reunión de amigos se transforma en algo cada vez más personal y angustioso. No se sabe a dónde se dirige la narración manteniendo el suspense todo el tiempo. Poco a poco se desvela un gran reto humano, y es el deseo y la convicción de continuar existiendo. Un trabajo que obliga a aceptar la desaparición de los otros congéneres de forma brutal. Una obra maestra y un trabajo efectivo que satisface a la audiencia en muchos sentidos. No sé sabe de el origen de esta prueba de extrema dureza a la humanidad. Sólo hay algo sutil indicado a través de uno de los protagonistas que parece mentalmente perturbado y a la vez cargado con la convicción de que algo terrible va a pasar. Como en muchas ocasiones ocurre, los que sufren de problemas emocionales se sienten que llevan el peso de la culpa de todos nosotros. En este caso, el individuo acarrea el fin de los tiempos en sus manos, como si portara un tarot ominoso. Los supervivientes encaran un futuro nuevo sin mácula. Hay mucho de conexión inconsciente con lo que sucede en el momento. En este filme quizás hay de esperanza más de lo que parece. En esta época de crisis hay mucho que se debe de quedar atrás, yo diría casi todo. Y lo que debe de sobrevivir es esencialmente poco. Para asegurar que seguimos adelante hace falta precisamente salir desnudo y limpio. Son escasos los que estarían dispuesto a ello. Por tanto, ideas viejas y nuevas de nuestra cultura occidental se entrelazan de manera efectiva y sugerente en este magnífico trabajo artístico.

World War Z, 2013

Director:  Marc Forster

Esta cinta es entretenida y pasa por ser una pieza más en la colección zombi. Como novedad tenemos una pandemia en donde los infectados corren como descosidos y crean un estilo particular de ataque. Una horda veloz que se activa con el ruido. El guión intenta mostrar alguna sofisticación con la idea de camuflaje biológico para sortear a los infectados. Sin embargo y por desgracia, la interpretación del papel principal es tan fría y tan poco creíble que todo se vuelve un juego de niños en manos de un superhéroe jolibudiense. Este es el riesgo de intentar convertir el cine B en peliculas para el gran público. En cualquier caso es un buen intento. Hay una crítica social en cuanto a que las hostilidades sociopolíticas parecen hundirnos más en el agujero negro de la pandemia o incluso comenzar la pandemia en sí, debido al odio a los otros. Pero al ser la cinta diseñada en USA, dicha crítica se externaliza y se projecta en otros pueblos y culturas que son resentidos y responsables. Siempre los USA cargando a los demás con sus propios problemas psicopáticos. En cualquier caso, un paso firme de la cultura zombi a la gran pantalla. Otra pequeña novedad dentro del contexto Obama, es que ahora los hispanos también ayudan algo en su justa y proporcional medida. Esto también es un progreso.

Attack of the Giant Leeches, 1959

Director: Bernard L. Kowalski

La cinta es producto de una empresa comercial que buscaba salida a productos de bajo costo que tenía como objetivo la audiencia joven y adolescente. La compañía que financió el proyecto fue de las primeras en utilizar técnicas de investigación psicológica para estudiar el mercado incipiente: hicieron uso de los grupos de discusión para explorar los gustos de los jóvenes, a la hora de sacar a la pantalla historias de su interés. 

En sí la cinta es bastante explícita en todos los sentidos. Llama la atención el que no se oculte los monstruos y que el protagonista muestre de manera burda su desacuerdo con la máxima autoridad del pueblo. Su aspecto de atleta y de hombre seguro de sí mismo parecen ser diseñados para simpatizar con la candidez de la juventud. Problemas modernos, como la radioactividad y soluciones clásicas para destruir la fuente de peligro, parecen los pilares de esta obra. La historia comienza con un ambiente provinciano y relativamente tranquilo. Sorprende la falta de emoción con que los personajes masculinos responden a las desapariciones en contraposición a la expresión femenina de preocupación y miedo. Por otra parte, parece haber una especie de preocupación medioambiental en estado embrionario, la cual desaparece a través de un subterfugio del guión: hay que poner cargas de explosivos para sacar a la superficie lo que está pasando ahí abajo. No se considera la angustia, sino la respuesta directa al reto. Una vez que el enemigo es eliminado la historia concluye.

Creo que teniendo en cuenta las limitaciones materiales, la obra es interesante y para nada aburre. De hecho dura algo más de 60 minutos.  

Los Últimos Días, 2013

Directores:  David Pastor, Àlex Pastor

Esta cinta es una obra excelente y entretenida. Creo que comienza de modo algo dificultoso pero mejora bastante después. Me gustaría explicar porqué es algo chocante al principio. El problema es que el protagonista es un ingeniero, el cual no se espera uno que sea tan jipioso. De hecho cuando la historia se pone en marcha, da la impresión de que no está tan sucio, ni tan enmierdado, ya que desde el principio el muchacho viste como un estudiante de primero de carrera. Lo lógico hubiera sido colocar a un personaje más engominado y propio del ambiente de oficinas y empresa. Pero a parte de eso, como digo, lo que va sucediendo va construyendo una historia bastante notable. De hecho la ambigüedad respecto a la catástrofe que se avecina es ideal. Además no importa, el caso es que la gente se enfrenta a un presente al que no es capaz de responder y toda la cultura sufre una regresión pasmosa hasta niveles cavernícolas. Es ingenioso y bien trabajado el guión, con algún elemento (de menor importancia) extraño, como por ejemplo: si uno vuelve a su casa después de estar sin lavarse durante meses, lo lógico es cambiarse de ropa y ponerse algo fresco y no seguir con la misma ropa apestosa. Por lo demás el estudio psicológico y ambiental de ese escenario futuro es creíble y notablemente ensamblado en una cultura con lógica y elegancia española. Algunos aspectos del diálogo me parecen abruptos, pero como no soy español, supongo que deberán pertenecer al estilo de la cultura de la mitad norte de la península. A parte de eso, el resultado es extraordinario y conmovedor. Al igual que la cinta que he comentado justo antes, me parece que es un conglomerado de ideas previas, que da un paso hacia adelante. Un psicologísmo más profundo que lo acostumbrado en los trabajos angloamericanos y un homenaje a los niños, que son la esperanza del futuro. Particularmente emocionante el final, donde el trabajo de efectos especiales hacen lucir mucho a la cinta y nos deja con un buen sabor de boca, desde donde mirar nuestras debilidades y fortalezas humanas. En este sentido, el filme trabaja con una hecatombe psicológica, como si de pronto toda la humanidad fuera engullida por sus pánicos más profundos. 

Oblivion, 2013

Director:  Joseph Kosinski 

Oblivion refleja una vez más un proceso psicológico básico que parece perpetuarse en el cine americano. Es el de proyectar en el enemigo, las actitudes o la propia personalidad y valores americanos. No importa si el enemigo es alienígena. Se comporta de manera usurpadora, agresiva y predadora, muy al estilo angloamericano en política internacional. En este sentido, la cinta es una amalgama y cóctel de muchas otras obras  de corte apocalíptico. Quizás tiene una alineación o guiño más cercano a "Moon" por el uso del concepto de clonar a las personas, pero hace un uso original del mismo. Me atrajo su trailer en donde se dice: ¿cómo puede añorarse un mundo que nunca se ha visto? Es una frase hermosa que fomenta la reflexión sobre la memoria y la construcción de la historia desde el presente. En este sentido el guión es interesante.

Hay muchos aspectos paradójicos de la narración que resultan chocantes. Por ejemplo, ¿cómo puede recuperarse de la cola de una nave la caja negra cuándo ésta se coloca en la cabina? ¿Cómo puede oirse una grabación de caja negra que supuestamente está en la cabina, si esa conversación no se estaba registrando (ya que la caja negra estaba viajando en el compartimento donde están los astronautas en estado de hibernación, que logran escapar tras contactar con la nave alienígena). 

La cinta tiene demasiados tiros y acción para mi gusto y cansa bastante, especialmente cuando creo que no es necesario para hacer la película interesante. En cualquier caso, tiene aspectos psicológicamente paradójicos, que reproducen el estilo "Robinson Crusoe" en donde al parecer la gente puede vivir sola sin casi contacto con otros. Eso no es creíble. Por otra parte, la recreación de un planeta Tierra desfigurado es sin duda alguna caprichoso pero efectivo visualmente: Ciudades tragadas por movimientos de tierra que no consiguen romper edificios superaltos, mares en la tierra y tierra en el mar. En general es un filme entretenido y pasable. Creo que podría hacerse una versión algo más profunda y menos basada en disparar y matar.

El mejor aspecto tratado en esta historia es la sensación de desolación y fatalismo. Quizás es de nuevo el preludio del fin de los Estados Unidos y de su voracidad incansable. La soledad y la delirante obediencia ciega parecen perfiles angloamericanos bien reflejados en los actores. La vida clínica y fría, dedicada al trabajo y a lo eficiente, todo cuadra dentro de una cultura carente de alma. Lógicamente describen su espíritu de manera creíble. No es casualidad que los dos protagonistas llevan cosidas las banderas del Reino Unido y Estados Unidos. Ambos juntos hasta el fin de los días. Al final, hay esperanza después de eliminar al gigante, al ogro, al dios.  ¿Pero quién heredará la Tierra? 

Un último aspecto de reflexión es la atracción que tiene para mí el filme en relación a un proceso psicosocial curioso: la película tiene que jugar con la "mentira" para dar enganchar. Es una doble mentira, puesto que se empieza diciendo una historia que no es en realidad. Es algo que el protagonista cree. Su compañera prefiere tragarse las incongruencias y mentiras, quizás representando la tendencia femenina a someterse a las normas y no salirse de lo establecido. Ambos protagonistas reaccionan a su manera ante algo de lo que los humanos admiramos y nos entusiasmamos: con aquellos que nos engañan. El engaño es quizás una de las conductas más humanas y más paradójicas. Ver esto en un ente alienígena es algo inesperado, pero está claro que al final, el mismo ente puede ser también vulnerable al mismo proceso. En el fondo todas las criaturas de este universo parecen estar inclinadas a hacer ilusionismo frente a los demás. Pero, ¿es el Tet un ente artificial o es biológico? No estoy seguro pero en cualquier caso, muy hecho a semejanza del ser humano.

La Roca, 2011

Director: Raúl Santos

Me he visto forzado a ver este documental, el cual me hace sentir vergüenza. Es un trabajo pagado con dinero andaluz, que supuestamente habla sobre asuntos andaluces y no se menciona ni una sola vez la palabra Andalucía. Para colmo el sujeto que firma la obra, recibe una beca Talentia, es decir una beca andaluza para realizar el proyecto. No conociendo al individuo, uno no puede juzgar estas cosas con objetividad, pero resulta difícil no pensar que este hombre no sea más que un palmero del PSOE, el cual parece estar detrás de semejante estafa. Lo que no deja sin atisbo de dudas es la incapacidad de Raúl Santos y su equipo para captar y comprender el hecho que intenta proyectar en la pantalla. Quizás es resultado de una profunda pobreza intelectual, propia de los criterios y perfiles requeridos para recibir una beca de los sociatas. Toda una historia milenaria reducida a un capricho del fascismo franquista. ¡Qué típico viniendo del PSOE! No hay nada sobre la ocupación imperialista británica y de cómo hasta hace poco han tratado a los gibraltareños con criterios de apartheid. No hay nada de reflexión intelectual, sino una validación de lo absurdo, esto es, aceptar la distorsionada percepción de aquellos que siendo analfabetos y estando trastornados por el hambre y la codicia se adueñan de la narración y construyen un mundo donde legitiman el  travestirse y de convertirse en servidores del vampiro británico. Corromper al país se convierte en moneda de cambio para seguir viviendo. El presente de Gibraltar refleja esto con contundencia: los hijos de Gibraltar hablan inglés y no saben nada de Andalucía. Ese es el agradecimiento que hemos recibido al abrir la frontera, treinta años después. Toda la costa andaluza colonizada por británicos que no hablan una palabra de nuestro idioma y desprecian nuestra cultura. Toda la comarca de Gibraltar postrada como antes de la historieta de la verja. Nada ha cambiado, a pesar de treinta años de PSOE y su régimen de chorizos y estafadores. Pero esto claro, para Raúl Santos, no es nada importante.

Hay una cautivadora observación de varios llanitos hablando sobre el qué hubiera sido de Gibraltar sino se hubiera cerrado la verja. Es cautivadora, pero tramposa. No sabemos lo que hubiera pasado, pero sabiendo cómo les encanta el dinero, dudo mucho que Gibraltar hubiera seguido un camino distinto al que sigue hoy. A ambos lados de la frontera, lo que importa es tener el estómago lleno, algo que a los del PSOE y al resto de los españoles se les olvida. Aquí en Andalucía a parte de ser esclavos también comemos. Nadie quiere ser pobre. Con el esperpéntico espejo surreal con el que se encuentran los llanitos al mirar a La Línea todos los días, ¿quién quiere ser andaluz? Pero es que de eso se trata. España quiere que el mundo vea a Andalucía a través de La Línea.

Esta es la imagen de pandereta que la Junta de Andalucía fomenta de nuestro país andaluz, lo cual no es sino una prolongación de lo que el mismo Franco quiso hacer. Afortunadamente todo sirve para algo, y para mi esta cinta es un modelo del cual rehuir, una pieza psicopatológica de auto-odio y autodesprecio por la identidad de Andalucía. Por fortuna los intelectuales andaluces nos alejamos de este bodrio como de la peste. Sin embargo, como digo, he de agradecer el logrado esfuerzo por mostrar lo bajuno de estos individuos. Aquí queda recogido para que la historia lo reconozca: el estímulo institucional para perpetuar una identidad travesti y falsa. Ni somos británicos, ni somos españoles: SOMOS ANDALUCES.

Lo Imposible, 2012

Director,  Juan Antonio Bayona

Nada que decir en contra de esta obra maestra. Sólamente analizar aspectos psicológicos, como suele ser costumbre en este blog. Un aspecto que parece muy relevante es la necesidad de cambiar o sustituir los personajes por otros de origen anglosajón. Es significativo el hecho de que esto ha impactado en las propias masas de intelectos angloparlantes. Ahora son cada vez más conscientes de que los demás estamos adaptando los criterios para hacerlos más comerciales. Ellos creen que los personajes se han convertido en gente "blanca", cuando en realidad, los blancos somos nosotros. Los españoles fueron las primeras personas del planeta en llamarse a sí mismas "blancos". Es curioso el uso sociopolítico del término en Estados Unidos, el cual no respeta su origen histórico. Somos nosotros los blancos y ustedes solamente son gambas crudas. En fin, esto es lo que hay. En cualquier caso, es cierto que la comercialización de este filme ha producido pingües beneficios que es lógico pensar hubiera sido improbable haber logrado si los personajes hubieran hablado español. Esto es una actividad empresarial, no sólo cultural. Y el vehículo es la propaganda realizada a través de hablar una lengua foránea.

A parte de todo esto, recojo aquí el testimonio de una compañera inglesa, Dra Erica Warner, la cual indica su gozo de ver un blockbuster totalmente alternativo, muy lejos del aburrido Hollywood, con gran frescura y fuerza. No es de sorprender tal observación viniendo de una psicóloga clínica afrobritánica. A ella no le han importado el travestismo cultural de la cinta. Todo lo demás es bien simple. La historia es bien predecible a juzgar por el título, pero el cuidado estudio visual y el esfuerzo puesto en la representación literal de los hechos, hace sin duda a esta obra un documental humano y humanístico. Otras partes menos brillantes tienen que ver con su aspecto lacrimógeno y obsesionado con lo concreto. Una excesiva atención a lo que pasa directamente distrae de la verdadera tragedia humana, que sucede día a día. No es precisamente una situacion extrema como la que vemos en la cinta la que define a las personas. Pero en cualquier caso, un guión efectivo y lacrimógeno que de seguro ha entrenido a muchas personas. La renuencia de Hollywood a dar un oscar a esta obra es sin duda debido a la consciente preocupación de que poco a poco hemos ido aprendiendo sus trucos y claro, ellos tienen que seguir vendiendo sus lavadoras. El aceptar a esta película como "oscariana" sería dar luz verde a muchos productores y directores hispanos a invadir el mercado americano. Está claro que antes de que nos los comamos con papas, van a poner resistencia. Gracias a Juan Antonio Bayona, por poner al cine español en el  mapa a pesar de travestirlo con la cultura anglosajona. ¡Este es el principio del fin de la cultura en inglés!

Mamá, 2013

Director:  Andrés Muschietti 

'Mamá' es una cinta bastante bien ejecutada para ser una ópera prima. Es fácil sentirse algo decepcionado por el guión tan predecible, pero si obviamos esta parte, lo cierto es que la interpretación infantil de esta película es bastante impresionante. Hay momentos bien estudiados y conseguidos y otros que dan ganas de reír. Pero Es sin duda un trabajo conseguido en muchos aspectos. Me gusta la idea de introducir el trastorno extremo de desapego. El abandono de los niños a un mundo oscuro y salvaje. Sus limitaciones y problemas para adaptarse según su grado de trauma es creíble, y la reaccion de la persona que intenta adaptarlos está también a un nivel respetable de credibilidad. También está interesante la idea de un fantasma ambiguo que puede proteger o hacer daño. Esto puede dar a nuevas películas que estudien este tema con más profundidad. Creo que el comienzo con los dibujos infantiles cuenta la historia demasiado rápido. Yo lo hubiera dejado para el final. Con respecto a la psicología del momento presente, es también relevante introducir el tema de la crisis y quizás sugerir las consecuencias de la ambición capitalista, un mundo que dejamos a los niños en un estado brutal y absurdo. Por otro lado, la 'Mamá' también podría considerarse como una especie distorsión onírica de lo que puede llegar a ser una madre o la fuente de protección de un menor. En el mundo real, alguien que carece de valores y de ideas puede acabar criando monstruos. Lo cierto es que el personaje de 'Mamá' se rebela más como una persona oligofrénica, incapaz de comprender en qué consiste una relación de apego con un niño. En cualquier caso, esta película es por tanto un intento complejo y difícil de unir varias temáticas. Es en cierto modo un éxito puesto que es esa la manera en que arte y ciencia progresan. La fusión y la riqueza de ideas es aquí obvia y estoy seguro de que Don Andrés Muschietti nos deleitará próximamente con nuevas e interesantes obras de arte.

Agnosia, 2010

Director; Eugenio Mira

Al principio te crees que estás viendo una pelìcula de suspense de carácter histórico, simplemente al juzgar por el poster y el titulo. Después al comenzar parece que la historia va de espionaje industrial. Al poco rato las cosas van y se transforman en una especie de película de terror y más tarde la cosa sigue cambiando y cambiando. Todo es en realidad un vehículo para narrar una bella historia de amor o mejor dicho, una historia romántica.

Agnosia es un filme de extraordinaria calidad y con tan buena factura que me ha hecho sentir como si estuviera viendo el equivalente a una ópera en versión cinematográfica. He disfrutado de su narración, de la expresión cuidadosa de sus actores y de todas y cada una de las piezas que forman esta  magnifica película. De hecho le perdonaría el uso del concepto de agnosia, que creo que no está reflejado en el problema de la protagonista al menos tal y como entendemos la agnosia hoy día. Pero eso mismo no importa, porque se trata de una visión retrofuturista de un momento del pasado, donde hay tensiones entre tiempos y entre intereses y visiones sociopolíticas de Europa. Una película llena de valor, puesto que se muestra arriesgada al mezclar temáticas como el suspense, la ciencia, la historia y la ficción. El resultado es una riqueza de sensaciones y de elementos interpersonales y humanos bastante relevantes. Enhorabuena a Eugenio Mira y su equipo que han creado a mi modo de ver toda una obra universal y profunda que mezcla genialmente el amor, la tecnología, modernidad y capitalismo europeo.