Eva, 2011

Director:  Kike Maíllo

Esta es una cinta estupenda, que da gusto ver y que sino fuera porque simplemente está realizada fuera de los estudios de Hollywood, hubiera ganado oscars y mucho más. Como reflejo del zeitgeist de nuestra época, la película refleja la fusión y la conexión entre pasado y futuro a través de su estilo y de cómo se sitúa estéticamente. El efecto retro de la decoración y la vestimenta es un claro ejemplo. La narración tiene un sabor melancólico e incluso neurótico diría yo. Se refiere a la angustia existencial de la pérdida y la vida en un perpetuo duelo. Esto nos revierte de nuevo a cómo vivimos ahora los intelectuales, quizás imbuidos en nuestro mundo, que no quiere sufrir los efectos del tiempo y que como contrapartida nos hace pagar caros la decisión de abandonar todo y entregarnos a una especie de singladura suicida. Lo que buscamos con ansia se aleja cada vez más, e incluso podemos estar ciegos ante lo que supuestamente creemos mejor conocer. El conocimiento es una entidad paradójica que no revela verdades absolutas, sino que más bien refleja nuestra propia condición. A pesar de todo, la tecnología y la ciencia son el premio de consolación a una humanidad que ni debe, ni puede superarse a sí misma.

Diseñar y construir una mente es el sueño final de la psicología. Su representación artística en esta cinta es hermosa y se acerca mucho a cómo los psicólogos trabajamos a nivel teórico. Con ello me refiero al uso de nodos y procesadores que simbolicamente se representan en el filme como piezas de un sistema interactivo y virtual. Algún día podremos desarrollar modelos tal y como se refleja en esta historia y seremos capaces de ponerlos en marcha y probarlos con la naturalidad con la que se prueba un nuevo automóvil. Mientras tanto nos queda esperar que la ingeniería y la informática nos faciliten el camino. Lo único a criticar es que lógicamente, un ingeniero nunca podría fabricar una mente mejor que el protagonista de la cinta: no es un psicólogo y carece de la comprensión necesaria para entender los mecanismos de la mente. El resultado es un Frankestein absurdo.

Puede que esto no sea intencional, pero otro análisis del guión puede sugerir que el protagonista es autista y desconoce las emociones a nivel metacognitivo. A pesar de que es un ingeniero y es creativo, su autismo lo vuelve ingenuo e incapaz de entender los mecanismos cognitivos y emocionales del ser humano, no sólo a nivel profesional sino también personal. La verdad es que esto hace que la película tenga más sentido aún. 

The Hangover, 2009

Director:  Todd Phillips 

Esta es una cinta que me ha perseguido en los últimos años, a pesar de haber intentado rehuirla, sobre todo al principio. La primera vez que ví esta comedia, me pareció una vulgaridad obscena en donde descaradamente se alaba a la prostitución y a todos los vicios a los que uno se puede dedicar en una despedida de soltero a la americana. No es que haya cambiado esa percepción ni mucho menos, y niegue que esta película sea un catálogo de misoginia y machismo. De hecho creo que la audiencia a la que está dirigida  esta película puede experimentar la sensación de que esta película refleja una mayor tolerancia social, un guiño, o quizás una especie de permiso público para ejercitar y reproducir a escala real las aventuras y desventuras que los payasos de esta historia personifican. Lo que me gustaría añadir es simplemente más niveles de análisis.  A pesar de todo lo obvio, y dado que uno va cambiando con los años, también va aprendiendo a ver qué está bajo la superficie de la conducta social. Esto me ha permitido revisitar la narración y ver que la valoración de la historia ha sido distinta. Ahora a mi edad, compruebo que la vida del hombre de clase media es sobre todo monótona, carente de motivación y más que nada privada totalmente de erotismo. La solución americana no es ninguna solución, puesto que lo mismo que la británica son esencialmente hipócritas,  alienadas y carentes de dirección. La cinta por tanto es un escape, una distorsión y un adiós a la juventud antes de abrazar los aburridos años de casados. La conducta de los hombres, caótica, brutal y patética, es reflejada a cada paso de la narración con ironía y a golpe de tarjeta de crédito. Todo está marcado con una música variada que ayuda a crear expectación y a engendrar expectativas falsas, lo cual crea curiosidad y le mantiene a uno enfocado.

 Uno de los protagonistas más sobresalientes, Alan, el que hace de colgado, genera incertidumbre y sorpresa y canaliza un deseo desenfrenado de explorar emociones. Los que le acompañan caen de una u otra manera mesmerizados por este lunático que los atrapa en una enigmática resaca, desde la cual tienen que resolver a toda prisa todos y cada uno de los entuertos en los que se han metido la noche anterior. Entre tanto, los mensajes psicosociales, los comentarios, interacciones y golpes que tiene el diálogo, destilan y reflejan la vida contemporánea, llena de mentiras, falsedad y falsas esperanzas. El trasfondo es un profundo deseo de intimidad con el género femenino, un deseo imposible de satisfacer porque cuando únicamente puede alcanzarse, se esfuma como si nunca hubiera existido. ¿Qué es lo que los hombres persiguen? ¿Persiguen la belleza femenina? ¿Persiguen el Dorado? ¿Persiguen la felicidad? No se sabe. La historia de esta película a lo mejor sugiere que si hay algo que perseguir y que a lo mejor puede perdurar es la amistad entre los hombres, lo demás es puro humo. Me he reído mucho con esta cinta, me he reído de mí mismo y de los hombres. Eso es bueno.

Der Untergang, 2004

Director:  Oliver Hirschbiegel

He leído uno de los libros en los que se basa esta cinta y al igual que ésta, da una impresión de tedio y de falta de imaginación. Quizás la película es algo mejor y menos seca. He leído buenos libros sobre Hitler e intentar convencer a la gente que una versión es mejor que otra, o que las cosas son de una manera y no de otra resultan ideas pasadas de moda. La historia final de Adolf Hitler está llena de drama y de fuerza. Muchos procesos psicológicos entran en juego para ayudar a entender qué es lo que pasa alrededor de este hombre, porque está claro que eso fue lo más importante. Cómo todos alrededor obedecieron ciegamente a su ídolo, cómo todo se basó en ideas delirantes y extremas, pero a la vez, cómo todo está basado en presuposiciones que han sido culturalmente dominantes en Europa al mismo tiempo. Hay mucho oportunismo en la actitud de Hitler, lo cual también refleja la figura de un líder que simplemente busca una forma de hacerse con el poder. Para alguien así, el fin justifica los medios. Eso es todo. La barbarie resultante refleja la actitud no sólo de un pueblo europeo sino de más de uno. Los psicópatas pueblan los puestos políticos pero son los demás los que los apoyan. Todos son responsables. Una cinta que refleja con actitud periodística un momento terrible en Europa.

Eyes Wide Shut, 1999

Director:  Stanley Kubrick

Contar una historia erótica no me parece algo complicado si se tiene una buena fotografía y actores agraciados. En este caso creo que hay algo más que eso. La cinta no me parece excesivamente controvertida sino quizás algo mistificadora o idealizadora en relación al lado vicioso de la clase pudiente. Todos sabemos a lo que se dedican los ricos y no creo que la cosa fuera tan paranoica si uno se intentara meter en un puticlub de ricos. Pero el caso es como digo que la historia en sí, es algo más que todo eso y entronca con las fantasías y miedos de los miembros de una pareja de clase media. Creo que la historia toca con una construcción contemporánea de la pareja en la que la exclusividad y la fidelidad toca extremos que dan chispas y dan que pensar hasta qué punto desarrollar sentimientos por alguien a nivel de pareja es realista o práctico. La prostitución vista como parte del acerbo cultural es algo innegable y renunciar o renegar de ella es renunciar a la naturaleza humana. Hay una significativa ambivalencia en la narración y uno se pregunta: ¿es todo una broma de mal gusto que se ha montado su mujer? La paranoia es un elemento fundamental en nuestro vivir diario. Captar el peligro y anticipar el daño es propio de los cautos, pero también es normal dejarse llevar por la ira y los celos. El sentido de la justicia y la paradójica entrada en una dimensión desconocida, más allá de la ética convencional arrastran a un ciudadano hacia un territorio fangoso y lleno de sorpresas y trampas. Pero quizás es eso lo que su vida carece, o quizas ¿necesita? Una pelicula que se disfruta pero que también aterra y genera ansiedad. Por último una observación algo sutil y relacionado con la capacidad humana para detectar causalidad. Los seres humanos parecen particularmente proclives para buscar y encontrar causas y relaciones, pero bastante torpes para identificar lo casual, dado que buscamos causas incesatemente. Podría ser que la cinta refleje esta tendencia ya que hay muchas ocasiones en las que uno podría pensar que no hay intencionalidad o relación entre los diferentes sucesos que el protagonista experimenta.

W., 2008

Director:  Oliver Stone

Hace tiempo que no pongo un post y tengo una buena excusa. He vuelto a emigrar y ahora vivo en Gibraltar. En fin, ¿quién me lo hubiera dicho? La vida es así. No he tenido mucho tiempo de ver películas ni pensar sobre nada más que lo que tenía delante de mis narices así que ahora que estoy aterrizando aquí y me estoy acostumbrando a todo, he encontrado un hueco para empezar de nuevo.

Esta película es un tanto catártica y lo siento así tanto como para los espectadores de todas las naciones como para Mr Bush himself. Creo que no hace justicia en una cosa muy importante y es en el hecho de denotar con más claridad que el individuo en cuestión es parte de una ecuación más amplia, donde hay gente detrás que tira de los hilos, y esto no está reflejado para nada. ¿Dónde está el papel de los Cubanos de Miami en todo esto? ¿Qué pasa con los tejemanejes del petróleo? ¿Y sobre su papel en la manipulación internacional de la epidemia de la gripe aviar y de la swine flu? Esto es sólo la historia de un hombre, un hombre mediocre y cabezota. Pero quizás sea necesario acercar la lente a esta distancia para reflejar esa humanidad sobre la que Stone parece querer sobrevolar y mirar con vista de halcón.

No es una simple caricatura lo que vemos, sino también un retrato postmoderno de un Nota poderoso y con esto enlazo la idea de la película The Big Lebowski. Este es el verdadero zángano crónico y no el zángano que está desposeído. El es perteneciente a la élite y no hace más que continuar el status quo. Sólamente su sense of entitlement ha podido llevarlo a la cumbre. No creo por eso que la cinta sea más condescendiente con el personaje por retratar aspectos humanos. Como persona Mr Bush fue y es humano. Esto no es lo que juzgamos, es otra cosa más y la película nos deja al final con ese sabor de confusión y de ignorancia profunda que transpira semejante jerifalte.

Grupo 7, 2012

Director: Alberto Rodríguez Librero 


Una gran cinta de gran efecto que coloca a Andalucía en el mundo moderno. Conflictos insolubles entre contemporaneidad y decadencia arrebatan al espectador durante todo el show. La realidad vivida por aquellos que sufrimos aquellos años se nos revela catártica e íntima, para que podamos curarnos de un país condenado al sufrimiento y a la ceguera. A pesar de todo lo bueno, tiene siempre que quedar claro que los protagonistas no pueden ser andaluces porque claro, los que cortan el bacalao son siempre los del Norte. En cualquier caso, merece la pena ver esta cinta y comprobar que las buenas historias policiacas son buenas si estan bien contadas y no tienen porque proceder de los mismos lugares de siempre.

Prometheus, 2012

Director: Ridley Scott

Es una cinta que ha despertado mi interés y la he visto dos veces en el cine, pero me ha decepcionado por su carácter evangélico y católico apostólico. ¿Qué hace una tripulación futurista un veinticinco de diciembre en un planeta claramente colocado en el espacio como una trampa vengativa? Los humanos se comportan como María y José esperando la llegada del Anticristo, haciendo pagar a la humanidad el crimen de haber matado al Ingeniero que una civilización más avanzada y probablemente generadora de nuestra estirpe mandó a la Tierra hace dos mil años. ¡Qué historia más barata! Todo está lleno de simbología de la edad media (lo erótico es malo, las emociones son malas y por tanto la humanidad debe ser destruida). A pesar de la gran frustración, hemos disfrutado de los efectos visuales y del futurismo de los paisajes, naves y uniformes sexis. Pero a parte del gran esfuerzo artístico puesto por la actriz que encarna a la Dra Shaw, lo demás es una historia fuera de lugar y más carca que el Opus Dei.

Rififi, 1955

Director: Jules Dassin

Esta cinta debe de haber sido plagiiada miles de veces. Es la esencia del cine de gángsters y un verdadero clásico pedagógico donde se muestra la imposibilidad de llevar a cabo un acto criminal organizado. Los caracteres están plagados de contradicciones y problemas que los hacen huir hacia adelante. De nuevo, es la obsesión europea por el 'Dorado'. No tiene sentido estar en el mundo sino para demostrar que nuestra propia carrera vital es una competición veloz para lanzarse a un vacío sin límites. Una angustia que se hace cada vez más frenética invade la cinta y la ceguera ayuda a todos los que viven en la cultura del hampa a creer que hay luz al final del túnel de sus vidas. Cada uno a su manera, se crea su propia tela de araña. No importa si uno viene de un lado más humanista o más psicópata. Todos intentan el camino fácil, todos prefieren la brutalidad, el hedonismo y el golpe efectista en lugar de una vida más sosegada. Estamos viviendo los efectos del mundo industrial, donde el ciudadano medio sufre de manera cada vez más consciente de la subyugación, alienación y del aburrimiento. En este contexto es donde se vive teniendo que aceptar el papel de mera pieza de un gran mecanismo que nadie entiende bien. 

Una película como esta ayuda a muchos a soñar, y a creer que más valen unos días de emociòn que cien años de esclavitud y tedio. Pero los que realmente actúan y se convierten en gánsters son los que han perdido todo, los más desgraciados y traumatizados que creen no tener nada que perder, puesto que ya lo perdieron todo en su infancia y adolescencia. ¿Qué intentan demostrar con sus actos aberrantes?: Quizás su potencial humano, su capacidad para transcender y ser inmortales a su manera.   Son humanos a pesar de todo, y quieren enmendar su vida (nótese la enorme ternura del gánster herido de muerte llevando al niño de vuelta con su madre). No saben cómo y tratan en vano de exigir el perdón de una sociedad que los ve con perplejidad como monstruos incorregibles. Dassin, canaliza así la representación del submundo criminal, y lo sacraliza como si de monjes o caballeros medievales se tratara. Una pieza clásica en la videoteca del aficionado a las historias contadas a través de la gran pantalla. 

Ossessione, 1943

Director:  Luchino Visconti

Visconti desarrolla el conductismo a niveles prodigiosos. Su capacidad de expresar a través de la conducta cualquier problema humano, parece ser desarrollada sin ningún esfuerzo. El estudio de los movimientos y la coordinación expresiva de los actores es tan fluida que uno creería estar viendo el mundo a través de una ventana y no una representación del mismo. Es tal el grado de nitidez psicológica obtenida, que la cinta tiene poderes psicoterapéuticos a nivel vicario. Es la vitalidad con la que los personajes actúan, su entrega y su error, lo que nos ayuda a ver en ellos, lo que no deberíamos de repetir. Son pequeños pensamientos, pequeñas ideas que crecen y crecen y convierten el mundo en un lugar insoportable. Pequeños prejuicios y rigideces que acaban justificando una tragedia sin fin. Una auténtica parábola de los sentimientos y una verdadera obra romántica donde el amor a primera vista está finamente elaborado. Esta cinta es un conjunto de filigranas visuales y emocionales que enganchan al espectador como ninguna otra película lo pueda haber hecho. La belleza y pureza de los caracteres es casi milagrosa y coloca al ser humano en ese extraño y delicado equilibrio de identidad en el que podemos ser ángeles y diablos a la vez. Una película educativa e iluminadora a la vez que no necesita de glorificar paisajes, ni vestidos, ni cuerpos humanos para facilitarnos el ver lo que de prodigioso tiene el mundo de las relaciones interpersonales.

Der Baader Meinhof Komplex, 2008

Director: Uli Edel

Una pieza europea necesaria, en la que Edel nos ayuda a reflexionar sobre cómo la acción política de los años setenta se contaminó de psicosis (refiriéndonos a la fragmentación de ideas y sentimientos) y de neurosis (conflictos e inmadurez emocional) llevando todo esto a un drama espartano. La factura artística y el respeto por la estética y las formas de aquellos años es palpable. Los artistas han puesto todo su esfuerzo en refrescarnos con la inocencia adolescente de aquellos estudiantes que querían educar al mundo con sus descubrimientos sexuales y políticos, sin darse cuenta de que el mundo ya está más que educado. Ellos, que se entregaron a una causa perdida, lo dieron todo. ¿Porqué actuar de esta manera tan desesperada? Hay pistas que ayudan a entender mejor la conducta autodestructiva de los intelectuales del mundo occidental. Es la invasión cultural americana con su promesa de éxito y con su premio al más productivo y talentoso, lo que engaña a todos los jóvenes una y otra vez. Ese deseo de someter por vía pacífica o por vía violenta a los demás, ese deseo de ser una estrella, de cegar y conquistar todos los corazones, es el verdadero cáncer de nuestros jóvenes radicales. Les falta humildad que no capacidad de sacrificio. Ahí están los chinos, que a la chita callando llegarán más lejos. Pero mientras Europa siga obsesionada por un modelo inhumano (el del genio, el del individuo brillante y arrebatador), las acciones o intentos renovadores seguirán siendo impulsivas y agresivas. Las verdaderas revoluciones son silenciosas. Es más revolucionario haber legitimado el derecho a tener cloacas, centros de reciclaje, educación pública y papel higiénico que el poder desgañitarse en una plaza hasta las tres de la mañana. 

Edel nos ayuda a comprender con una narración neutral, de cómo la teoría política de izquierdas ha ignorado la psicología y ha pagado con creces tal acción. Los nuevos líderes han de ser más profesionales y más abiertos al diálogo. Deben dejarse aconsejar y pedir perdón por los errores. Los RAF eran individuos que se creían dotados de algún derecho especial para poder ejecutar sus acciones. Eran como caracteres salidos de los evangelios, como agentes 007 con derecho a eliminar toda hierba inapropiada. Es la otra cara del fascismo. ¿Pero si todo esto parece obvio, porqué ellos no se dieron cuenta? La cinta lo refleja muy bien: la violencia y las formas del poder dominantes eran provocadoras, humillantes e insultantes. Lo vemos al principio de la historia donde la policía golpea y mata a pacíficos manifestantes. El poder dominante también está cambiando y se está haciendo más sofisticado. Era por tanto una necesidad el desarrollar la visión necesaria para preveer que el futuro no estaba en la violencia ni en la radicalización, sino en el diálogo y la participación social. Aún así, esto todavía no es tan fácil de reconocer para muchos de los estratos sociales que componen las sociedades postindustriales modernas. 

En cualquier caso, una película que hay que ver y disfrutar visualmente. La desnudez expuesta como emancipación es eléctrica (así como lo es cuando indica transgresión o acceso a un privilegio (representada en la película Il Decameron de Pasolini).

Il Decameron, 1971

Director: Pier Paolo Pasolini

Esta cinta tiene una conexión con las obras de Tarkosvky donde la edad media está reflejada con una efectividad magistral. En esta ocasión, lo que más me ha llamado la atención desde el punto de vista psicológico, es que la obra me ha recordado la psicología pre-urbana o quizás la psicología oral. En este sentido ilustro con ejemplos lo que quiero decir: cuando algunos personajes sueñan, reflejan una identificación total con sus experiencias oníricas y no adoptan una perspectiva más racional o distanciada. Simplemente aceptan el sueño como una revelación. Sus pensamientos son conducta y no hay metacognición, a no ser por un caso aislado, como el del pintor de iglesias que decide concluir aseverando que -¿para qué pintar si los sueños son más satisfactorios?- Esta representación de la psicología individual creo que es válida y refleja la experiencia fenomenológica infantil (no sólo la psicología en la historia). A pesar de todo, es en la edad media donde emerge el pensamiento moderno y es por lo que de algún modo esto se vislumbra entre líneas.

Como añadidura tenemos la plasmación cultural de lo italiano en la edad media, y su particular modo de entender la vida y las relaciones humanas. Es sin duda una cultura compleja donde se valora la diversidad de puntos de vista y posiciones sociales. El conflicto de intereses o la capacidad de resolver problemas sociales y paradojas (por ejemplo en relación a las creencias y normas sociales) someten a los ciudadanos medievales a verdaderas singladuras personales, que pueden ser convertidas en ejemplos  didácticos de los discursos sociales. La cinta nos ayuda a imaginar cómo la intimidad y la privacidad actúan como motores que organizan los diferentes discursos, pero a la vez, éstos discursos parecen estar infundidos de savia artística, de cultura y de identidad. Son importantes los escenarios, los trajes, los alimentos y los modales. Todo ello nos humaniza y nos da sentido. Nos mueve más allá de la animalidad, aunque ésta sea en última instancia nuestra raíz. La desviación, la perversión, lo ilegítimo y pecaminoso son versiones necesarias de un mundo que tiene como último propósito el seguir adelante. La trampa, la ambición, la santidad y la caridad son actitudes intimamente ligadas y que son sobretodo hilos que ayudan a tejer la vida de nuestras ciudades. Es cuestión del individuo sano de saber moverse a través de estos canales psicológicos sin quedar atrapado en lagunas y callejones sin salida.

Pasolini nos ayuda a entender que la única moral es la de seguir vivo y que si hay que estar vivo hay que estarlo como un ser humano, esto es, en sociedad. Una pieza cinematográfica de relevancia, que ha usado como cimientos una obra literaria europea fundamental.

Un Prophète, 2009

Director;  Jacques Audiard

Una cinta entretenida aunque quizás un poco larga. A lo mejor es porque sigue la saga de las películas de gangsters y dentro de éste género la audiencia disfruta de la dinámica propia de estas películas, no lo sé. El caso es que en esta obra se introducen ideas diferentes como es la progresión de un marginado de origen musulmán a través de la mafia dominante de un presidio y la propia humillación sufrida es utilizada por el protagonista para recuperar su dignidad, la cual ha sido secuestrada por los gangsters sin que él haya podido hacer nada para remediarlo. Sus pecados, es decir, aquello que ha tenido que hacer para sobrevivir le persiguen en forma de psicosis, y quizás su cura es construir una zona de influencia donde antes no había nada. El director hace bien en darle visibilidad a un grupo de creciente importancia en Europa, pero sigue la tradición americana de buscar el lugar menos adecuado para ello. El submundo criminal no es buen espacio para hablar sobre hispanos, italianos o musulmanes, porque la mayoría de ellos son gente normal. Por lo tanto, siento diferir con Audiard y me temo que ha utilizado a los musulmanes a conciencia para simplemente facilitar el efecto zeitgeist y anunciar quíenes son los nuevos dueños de la mafia en Europa. La evolución del carácter del protagonista es notable y todo lo que sucede alrededor es creíble y bien representado. Las traiciones, trajines y demás intrigas del poder son discurso y contenido bien pertrechado en la cinta y para el aficionado al tema creo que ésta es una pieza de arte europeo bien válida. 

En Attendant le Deluge, 2004

Director, Damien Odoul

Esta cinta resulta una pieza relajante de música visual que teniendo muchas referencias y conexiones con otras obras, camina hacia delante sin vacilar demostrando su propia independencia y calidad. Las buenas obras siempre son asociables a las que les preceden, quizás por el simple hecho de que nacieron antes o porque queremos coronar algo digno con los paradójicos laureles de lo 'ya visto'. Se me viene a la mente Buñuel y Kundera, por ejemplo, al ver esta cinta. 

Cuando el solitario dueño de un cortijo francés cae en la cuenta que su vida tiene los días contados, decide contratar a unos faranduleros para que representen una obra clásica sobre la que él pueda proyectar sus deseos de gozo, inmortalidad y de permanencia. Todo se desvía del plan, pero el hombre es capaz de redirigir la trayectoria y encontrar un guión alternativo, más ajustado a sus angustias y contradicciones, y por tanto más propicio para obtener un espontáneo reencuentro con todo aquello que por dar vida se convierte en vital, especialmente cuando uno siente que la vida misma se escapa por momentos. La vida siendo observada con ese distanciamiento que da la edad, la frustración y el cinismo, ha magnificado la depresión del protagonista. Y es ese estado depresivo el que realmente muere y busca su final. A través de su vivencia con el grupo de actores, el señorito se deshace de dicho estado como el que se desprende de un traje como si en una comunidad terapéutica viviera. De hecho, su genial recreación sobre su propio final, le hace dar un paso atrás y enmendar los últimos momentos que le quedan en este mundo.

La película transcurre con vitalidad sin la necesidad de añadir artificio alguno y su talento se muestra en la naturalidad con la que suceden las cosas en el campo. La vida lenta y sensorial que caracteriza el mundo en la naturaleza se va dejando complicar con lo subjetivo de cada nuevo personaje y cada nuevo punto de vista que se añade con el progreso de la narración. Así mismo, una compleja red de relaciones interpersonales que se va construyendo y desvelando conforme los protagonistas empiezan a conocerse. Todo esto ocurren sin sobrecargar la historia y gradualmente sustraen al espectador de toda su atención en los aspectos concretos de lo que ve. Por ejemplo, el inicial anclaje en un chateau campestre y desvaído o lo definido de los papeles del señor y de su jardinero Pipo, se van enriqueciendo y ampliando, haciéndose cada vez más complejos e imbricados conforme avanzamos en la historia, casi sin notarlo. Es una narración humana y cautivadora, que sitúa una serie de cuestiones existenciales (la levedad del Ser, la mortalidad, el arrepentimiento por los errores, el sentimiento constante de pérdida a través del tiempo) en un contexto decadente y entre un grupo de individuos absorbidos por el momentáneo  distanciamiento y lujo que proporciona el chateau. Unos actores de tres al cuarto que se acomodan en el cortijo  y se autoinvitan a unirse a la taciturna vida de su dueño con el pretexto de ir construyendo la obra poco a poco, sin que el mismo haga lo más mínimo por dirigirlos competentemente.  Aunque los actores yerran como empleados, aciertan como astutos oportunistas en adentrarse en el mundo del señorito pare escapar del suyo y de las limitaciones con las que viven. 

Sin dejar de creer en un un aserto como este: 'la vida debe ser un escenario para recrear nuestra grandeza y satisfacer nuestros deseos', el señorito da un giro a su vida y se vuelve más flexible para asegurar el éxito de sus creencias. Esto lo puede hacer alrededor de unos actores que poseen diversas condiciones y diatribas y que como tales permiten representar al señorito su acto final. Las tendencias de la personalidad se agudizan con los años, se agudizan con las crisis y se agudizan y se agudizan; elevan al filósofo y hacen más frívolo al hedonista. Pero todos son humanos y se rigen por principios que como el tic-tac de un reloj, marcan la pauta de nuestra conducta con hitos que nos llevan de capítulo en capítulo evolutivo. Aquí vemos el capítulo final de un hombre y todos los que le rodean en ese tramo no son sino distintos reflejos del sí mismo.

Faranduleros y señorito se mezclan en esta obra diseñada a la altura de los tiempos para ofrecer un retrato algo epicúreo de la condición humana. Ahora no sólo los ricos son los únicos susceptibles a alimentar el Ego y vivir una privilegiada existencia, sino que todos aquellos que los rodean se han aburguesado igualmente cada uno a su manera. Como añadidura, no hay excesos de violencia o de perversión, ni siquiera hay signos de lucha de clase. Es en ese sentido esta obra algo onírica o más bien idealista. Pero ahí están dibujados esos momentos que por su autenticidad cuentan en la vida más que el resto, y que por su apertura a las emociones son tan escasos como breves. De este modo se despidió de la vida este hombre afortunado; sin clase social, y quizás sin gloria, pero de una manera plena y en buena compañía.    

Pandorum, 2009

Director:  Christian Alvart

Esta es una cinta interesante que mezcla aspectos de Alien con elementos añadidos de lo que se podría concebir como problemas de salud mental surgidos como consecuencia de la hibernación. La historia sucede en un momento crítico en el que la habitación del planeta Tierra se hace difícil y es inevitable una huída hacia adelante en plan el Dorado. Debido a la temática, quizás la historia tiene elementos menos sorpresivos que sus antecesoras, pero esto no debería de ser una merma, ya que basuras como el agente 007 carecen de capacidad para sorprender y siguen siendo taquilleras. Por tanto, porqué esta cinta tiene que ser criticada de esa manera? no lo entiendo. En cualquier caso, respecto a los temas psicológicos, la película presenta un problema científico que ya conocían por tanto no se entiende bien, porqué se vuelve a caer en el mismo error y dejar que todo se estropee. Quizás el viaje era demasiado largo, quizás hubiera que haber desarrollado varias generaciones de personas viviendo y cuidando de los hibernados. ¿Quién sabe? El caso es que de tanto hibernar, la evolución genera sus variaciones y sus perversiones. La perspectiva de transplantar la vida humana a otros planetas parece cada vez algo más lógico y necesario y la necesidad de invertir en las ciencias del espacio aún más que imperativo. En cuanto al detalle y los cuidados del ambiente espacial, todo va mejorando y por ejemplo la hibernación se representa de una forma más realista y creíble, así como la vida en una nave supergigante. Se han hecho esfuerzos significativos para crear esa sensación de enormidad. Por último la mezcla final entre espacio y océano es muy efectiva y genera escenas muy cinemáticas y fotográficas.

Avatar, 2009

Director: James Cameron

Esta es una cinta de todos conocida y que no necesita mucha presentación. Creo que el dinero invertido en la obra es brutal y más brutal ha sido la recaudación. Los efectos especiales y el realismo de los caracteres virtuales es sorprendente, pero supongo que como todos sabemos, la película no genera interés en ningún otro aspecto. A pesar de todo, creo que las expresiones faciales reflejando   emociones básicas están bien estudiadas y son creíbles, en particular, las caras que pone Neytiri. Para los que hemos disfrutado de las novelas gráficas o tebeos, ésta obra es una copia glorificada de muchos de los cómics que pudimos comprar allá en los años 80. Todos los diseños de flora y fauna están más que vistos. Pero es muy agradable verlos en movimiento. Yo no he visto la cinta en 3-D así que no puedo opinar sobre este efecto.

Es curioso una vez más, ver la reacción de la audiencia ante la masiva inversión en propaganda y su correlación con el espectáculo que la película proporciona. Es como si la gente supiese que de algún modo la modernidad debe de tener una determinada apariencia, y todos los que creen en la moda y en lo actual se tienen que lanzar desesperados en la misma dirección, por la misma película o por el mismo libro. En ese sentido, quizás no hay nadie defraudado, con excepción de los miles de creadores e innovadores que día a día aportan sistemáticamente cosas al mundo al mismo ritmo en que la mayoría de la gente los ignora. Sin embargo, y volviendo a la película, la narración parece un claro ejemplo de fantasía autocomplaciente sobre un imperio americano en el espacio. Dado que hay una supremacía americana a nivel político y militar en la Tierra, imaginemos cómo esto fracasaría en otro lugar con gentes con un nivel tecnológico y científico inferiores. Está claro así que la mente americana tiene un bajo concepto del funcionamiento intelectual de los ciudadanos de las naciones que ha oprimido y oprime. Por otra parte se podría justificar como un signo de legitimación de su propio abuso en el planeta Tierra, puesto que esta cinta indica que los americanos van a lo que van por dinero y nada más. Otros aspectos interesantes y menos políticos es la idea de ser un paralítico y poder transplantar la mente en otro organismo. De nuevo, es una moral utilitarista: me hago amigo de los nativos porque me compensa. A nivel de comportamiento animal, los guionistas han decidido que en el planeta Pandora, hay que provocar a los animales salvajes para que te dejen en paz, y al parecer los bichos son tan bravucones, que cuando una pantera gigante hambrienta se puede merendar al avatar de Jake, prefiere chulearse en frente de una docena de mastodontes. En fin, una forma singular de entender la psicología animal. 

Vincere, 2009

Director; Marco Bellocchio

Esta es la historia de una mujer enamorada de Benito Mussolini, la cual desarrolla una obsesión ciega por dicho hombre de Estado. La cinta es muy atractiva de ver y nos coloca con facilidad en aquellos oscuros años de cambios sociales y violencia que sacudieron el viejo continente. La historia está narrada de una manera ambigüa, de modo que no está claro si ella pierde su salud mental y cree haberse casado con Mussolini o si casándose con él, Mussolini simplemente acaba abandonándola y por ello ella desarrolla un proceso delirante. Una exploración superficial de esta historia indica que en efecto, el asunto no está nada claro. Sin embargo, si hay pruebas de que Mussolini le pagó una pensión y la mantuvo, de modo que es lógico que la señora se sintiera con derecho a reclamar su papel en la vida de este personaje histórico. A pesar de que el proceso en el que ella entra es descrito ambiguamente, está mucho más claro que el hijo de ambos, sí que sufre de una serie de problemas psicológicos como consecuencia del medio en el que vive. Por ejemplo, el hijo sabe de su padre y siente el abandono del mismo durante toda su vida. Creo que el director ha intentado mantener el suspense y no declarar que Mussolini hizo todo lo posible para eliminar toda prueba de que esta mujer hubiera tenido una relación formal con él. El problema es que esto hace que la historia pueda parecer una mera descripción de una persona volviéndose psicótica, sin ninguna conexión con su propia biografía o pasado. Es un riesgo sin duda. Creo que hubiera sido útil haber colocado algún epílogo al fina de la obra para hacer el asunto un poco más claro. En todo caso, es como he dicho una cinta entretenida y que nos ayuda a comprender muchos de los entresijos de la historia moderna y la lucha por el poder político en Europa. Algunas imágenes poseen una tremenda fuerza erótica y a la vez de modernidad. Todo esto me hace pensar en la paradójica identidad italiana, llena de contrapuntos y contradicciones.

Una última observación es la intratable incomprensión que Ida Dalser sufre en el sistema psiquiátrico. Nadie cree su historia, nadie da crédito a alguien que se percibe como enfermo. Y lo peor de todo es que si hay alguien que tiene compasión, el problema es tan complejo que hace que la persona no pueda escapar del tormento y del castigo de la sociedad. En ese sentido, la representación de la institución médica como agente benigno y paciente está distorsionado puesto que como he dicho anteriormente, es posible que el mismo Mussolini se encargara de eliminar pruebas de que Ida fue su esposa. Lo patético de la historia es el comprobar de que hubiera boda o no, si que hubo convivencia y también hubo un hijo de por medio. Pero la medicina no tiene interés en la psicología: todas las pruebas personales de haber vivido con Mussolini no son válidas para demostrar la necesidad de Ida de ser al menos 'reconocida' por alguien. Y es curioso pensar que si uno tiene que vivir en un mundo  donde no se te 'reconoce' (o la persona o personas que uno considera más importante no nos reconoce), hasta qué punto uno se acaba desentendiendo del mundo o del afecto a los demás.

Secret Window, 2004

Director, David Koepp

Esta película se salva por la gran actuación de Johnny Depp y por el buen proceso cinemático de su narrativa visual. Sin embargo, psicológicamente es absurda, y no refleja nada de la psicología de nadie. Es una pura construcción literaria que no tiene correspondencia con ningún proceso normal o anormal. Nadie puede olvidarse de lo que uno hace cuando a la vez ha calculado y premeditado bien esa acción. Es simplemente una historia que demuestra una total ignorancia sobre psicología. Sin embargo, el desarrollo del personaje central (antes del giro revelador de la historia), con sus gestos, sus cabreos y sus torpezas, pueden muy bien reflejar a una persona normal reaccionando ante adversidades de la vida, como el divorcio o un sujeto que se quiere vengar de nosotros. Eso es todo. Después de esto, lo que sigue es una segunda película que ha sido pegada a la primera, sin tener en cuenta lo anterior creando una discontinuidad que fragmenta la narración de forma brutal. Cuando he visto la reacción de otros espectadores en reviews me sorprende que el nivel de ignorancia del escritor (Steven King) se correlaciona con el del espectador y su complacencia con esta cinta. Pero bueno, a veces ser un ignorante escritor te permite cautivar a espectadores ignorantes .  

Monsters, 2010

Director;  Gareth Edwards

Esta es una magnífica cinta de bajo costo y máximo rendimiento especialmente a nivel de calidad. Sorprende que no hubiera historia, sino simplemente una idea. Pero está claro que la historia se ha formado al lanzar la idea cuando el equipo se lanza a filmar los 'exteriores'. Tiene elementos existenciales que hace a la historia fluir y reconciliar muchos cables sueltos que en la cultura anglo siempre suelen hacer chispas. El bilingüismo y el trasfondo hispánico está tratado con respeto y realismo. El estudio de lo sobrenatural y la reacción humana de habituarse a todo es un concepto ejemplar con el que trabajar y entre toda esta ciencia-ficción alienígena está una relación imposible, torpe y aquejada de todos los vicios urbanos. El final es sublime; allí donde lo alien y lo humano pueden coincidir. Esta mezcla me recuerda a 'District 9' que también es igualmente agradable y efectiva de ver. La música también facilita el acceso a lo espiritual, junto con los shots fotográficos en la jungla. La soledad, el desvarío, la tolerancia entre culturas y pueblos en estado de amenaza...todos los elementos orbitan unos junto a otros con gran efecto. ¡¡Y qué decir tiene de que los únicos actores profesionales son los dos protagonistas o que los efectos especiales están hechos con un portátil!! Los actores espontáneos son increíbles. Incluso se nota la fructífera fusión entre técnicas europeas y americanas de enmarque de los actores (medium, close-up and full shots). Estas son las películas que hay que hacer y que reflejan no sólo el aqui y el ahora sino que también nos ayudan a través de la imaginación a trascender. Esperemos que mucha gente, como dice uno de sus productores, replique este tipo de proyectos.

Bad Lieutenant, 2009

Director,  Werner Herzog

Esta cinta es un remake de la original de  Abel Ferrara de 1992. Al parecer el guión es muy distinto del original y se dice que ha habido algún mal rollo entre ambos directores, aunque no sabemos el porqué. El caso es que esta versión es puramente una película de entretenimiento y nada más. No aporta nada nuevo, más allá de una buena interpretación y un rato de distracción. En contraposición al Cine Negro, todo lo que expresa la película es directo y sin ambages, aunque también hay algún mínimo espacio para la reflexión sobre las limitaciones que tienen los valores sociales (por ejemplo el reconocer hasta que punto es posible funcionar dentro de los límites de la ley)  y la complejidad de la sociedad en la que vivimos (los roles sociales son más difusos de lo que parecen). Pero todos estos procesos están meramente esbozados. Supongo que como su predecesora, la historia da cierto respiro a la masa incesante de obras que alaban e idealizan a la policía. En este caso la obra muestra todo lo contrario, lo cual es también un extremo. Pero al fin y al cabo, el cine, al igual que otras formas de arte, no pueden competir con la sofisticación de la vida social humana. Las historias tienen que exagerarse o distorsionarse para hacerse cinemáticas y en este sentido el resultado es convincente. En cuanto a la personificación de los caracteres, creo que hay un cierto grado de esa deformación, especialmente en el protagonista y su novia. Ambos parece muy contentos allí donde se encuentran, cosa que resulta algo chocante. Pero  ¿quién sabe?, a lo mejor mucha gente vive así. Este mundo es muy grande y cabe de todo. Sólo cabe esperar que no nos topemos nunca con gente así.

Four Lions, 2010

Director: Chris Morris

Chris Morris ha desarrollado esta historia con la misma falsa frialdad que su compatriota Daniel Barber con 'Harry Brown'. Si los ingleses y americanos tuvieran la mínima decencia en aplicarse su cinísmo a sí mismos alguna vez, a lo mejor podríamos tolerar sus obras e incluso sentir compasión por ellos. Pero ¿porqué en lugar de esto siempre ridiculizar al que no se puede defender? Por eso mismo.

Esta historia que tiene un trasfondo político muy claro, parece que a nivel de financiación sufrió algunas dificultades. En realidad, era por miedo a aparecer racista. Lógicamente es una obra despectiva para con culturas y naciones diversas. Es un insulto global, y hay que evitar señalarse. Para eso se lo han dejado a este señor Morris, que parece que carece de cerebro para darse cuenta de lo que ha hecho. Para arreglar un poco las cosas y que todo no sea poner a parir a los emigrantes musulmanes, ha habido que sacrificar el papel de la policía, el cual es por cierto, bastante acertado.

En esta película se expresa la necesidad de ser británico a pesar de estar forzado a vivir en un país que renuncia a la vida social. Un país volcado con el capital, y que con sus migajas acalla a la clase obrera con subsidios que nunca llama subsidios, regala pensiones, council houses y acoge a una docena de asylum seekers.  Un país que practica la caridad falsa, porque no educa ni alimenta el espíritu, sino que te   da un billete para que veas desde el gallinero como es el mundo de los ricos. Te hace ambicioso, egoísta y paranoico. 'Four Lions' es la triste historia de los que viven condenados a la soledad, aislamiento y ostracismo. Pero también es una historia que idiotiza al violento musulmán, cuando la mayoría de los violentos británicos son encumbrados como héroes y no se les consideran tarados mentales. Un tema complicado en el que es fácil dejarse llevar por el nacionalismo más clasista. Lo siento pero es un desperdicio de película, una oportunidad perdida, y las pocas risas que uno puede soltar se tuercen con la maliciosa intención política que subyace a esta cinta.

Harry Brown, 2009

Director:  Daniel Barber 


Daniel Barber refleja la necesidad inglesa de presentar un fenómeno social como si el ojo que observa fuera objetivo. Este es un acto sofisticado, puesto que se reconoce la necesidad de tratar con un tema difícil, pero como en todas las instancias inglesas, se niega el hecho de que la política y la vida humana no admiten una sola postura. La marginalidad y el vicio de la clase baja es algo monstruoso que debe ser castigado por un ex-militar pensionista. Es una vieja historia de gran resultado de taquilla en el pasado. La falta de imaginación se nota incluso por la semejanza en el nombre de la película con el del conocido actor lituano Charles Bronson, que protagonizó muchas cintas de este mismo estilo. Por desgracia, Harry Brown no ha tenido tal éxito a pesar del intento de evocación quasi-subliminal de un ídolo de otra época. La cinta está protagonizada por casposos policías y casposos yonkies. Daniel parece intentar en vano resucitar estas momias haciendo uso de sus conocimientos sobre televisión, publicidad y sobre todo esperando tirar de la actitud conservadora de la audiencia británica, que desde hace tiempo ha renunciado a la democracia y vive una rancia alternancia política. Su héroe geriátrico indica que se necesita resucitar constantemente la impresión de que los crímenes de los pobres son los que arruinan la sociedad y no los de los ricos. Y que todo tiene solución, pero se requiere fuerza y brutalidad aunque ésta venga de un hombre enfermo. El resultado es una cinta fácil de seguir (hay que reconocer el mérito cinemático), sin sorpresas y también entretenida sobre todo por razones personales. El lenguaje rudo y grosero del inglés marginado es el único vehículo permitido al proletario para hablar por las pantallas. Su sinceridad se convierte en un insulto que es fácil de invalidar y considerar inaceptable. En términos generales traer a la gran pantalla una película de este tipo resulta no sólo una idea inoportuna sino también evidencia de una pulsión repetitiva de culpar y simplificar la compleja madeja social. Así mismo, el cine debe reflejar la actitud de su cliente fundamental que es una clase media anticuada y conservadora. 


Da la casualidad que paso todas las semanas por donde se filmó la película: el barrio londinense de Elephant and Castle y aunque algunos de los edificios que salen ya se han demolido y eliminado de la ciudad, todavía queda el más grande y monstruoso como un espectro de la anquilosada sociedad europea. ¿Está el cine inglés perdido, o es esta cinta una historia sobre un 007 desvencijado? Viejas glorias, historias facilonas.

Machete, 2010

Director:  Robert Rodriguez and Ethan Maniquis

Esta cinta, como varias de las que ha dirigido el señor Rodríguez, han sido calificadas como obras con mal gusto y con un contenido dominado por una violencia excesiva o gratuita. Uno se pregunta si a estas alturas se puede hacer un comentario crítico sobre películas de este calibre, cuando los psicólogos se han hartado de despotricar durante años sobre los efectos nocivos de tales películas. Lo cierto es que cuando se puso en evidencia la importancia de los modelos o ejemplos sociales para el aprendizaje social de los niños, fue lógico dirigir la mirada a los anuncios, los dibujos animados y otras formas de cultura visual y examinar su contenido violento, sexual etc. Ahora que ya han pasado muchos años y hemos sobrepasado la era de los juegos de ordenador y comprobamos que los niños no son más violentos por pegarse todo el día matando enemigos digitales, parece conveniente sentarse a pensar un rato sobre el tema. Los que han seguido interesados por esta línea de investigación han empezado a ver que la agresividad humana es algo natural, y que la violencia se puede ritualizar a través de juegos que en realidad sólo causan un daño virtual. Si esta es una respuesta satisfactoria, creo que entonces, una película como Machete, se puede entender muy bien. El filme refleja injusticia, necesidad de cambio social y la inclinación a buscar nuevos héroes. La ritualización de la violencia y el voyerismo erótico parecen normalizar al espectador, que puede buscar una salida a sus necesidades primarias sin romper normas o saltarse a la torera las leyes  que mantienen a la sociedad en equilibrio. Es de hecho un claro fenómeno el que no haga falta ser un psicópata para sentir rabia, agresividad o una pulsión erótica de vez en cuando. Igual que hay arte para conceptualizar mejor el mundo o para expresar emociones comunes, también debe de haber espacio para conducir y canalizar otras emociones menos políticamente correctas pero también salientes. Parece que el delegar en héroes y en historias construidas por otras mentes no sea una forma patológica de relacionarse con el mundo, sino más bien un método para integrar esos procesos con el resto de la compleja trama experiencial de la vida. En este sentido esta cinta organiza muy bien todos estos elementos, los cuales resultan en una estética singular y genuina. El mensaje más revolucionario es también viable mezclado con humor, erotismo y violencia. Como adición a estos reflejos coloristas está la habilidad del guión y de las propiedades cinemáticas de esta obra, de poder convertir la película en un tebeo que al distorsionar la realidad hace de la ficción un mundo más probable y saboreable. Una última observación es que como otras películas de Rodríguez, la presente muestra con franqueza la realidad lingüística y cultural de USA, la cual está cada vez más inclinada hacia la hispanidad, cosa que espero vaya a más con el tiempo.