Dark Waters, 2002

Director, Hideo Nakata

Basada en un relato corto de Koji Suzuki, esta película fue dirigida por Nakata, el autor de 'Ring'. La verdad es que la película más que pertenecer al género de horror sugiere una temática bastante compleja entre la necesidad de apego de los niños y el difícil mundo de los adultos. Otra forma de ver la historia podría ser el asumir que la tensión que ocurre entre la niña 'fantasma' y la real es una tensión entre las necesidades infantiles del adulto y las necesidades de los hijos. A pesar de ser la historia complicada, la última frase de la niña refiere a la necesidad infantil de sentir que los padres le protegen pase lo que pase.

The Broken, 2008

Director, Sean Ellis

Esta película tiene un estilo clásico, como las películas de Hitchcock. Al igual que ellas tiene algo que no convence y es sencillamente que no se explica porqué sucede lo que sucede. Muy al igual que 'los Pájaros' película donde a los pájaros les da por atacar a la gente así porque sí (lo cual es puramente absurdo) en la presente cinta, unas criaturas que salen de los espejos intentan reemplazar a todo aquel que se mira a sí mismo en el espejo. El problema de la película es la confusión entre el Yo de la víctima y el del que la suplanta. Ellis supongo que inteligentemente añade la parte de amnesia traumática para confundir y crear un suspense interesante pero falla al confundir como he dicho, el Yo con la apariencia de la persona. Para Ellis, la mente no es más que un subproducto de las facciones que uno tenga, el aspecto que uno tenga. La personalidad, la memoria y todo lo demás viene dado automáticamente con la apariencia y ni se desarrolla, ni se construye, sino que es como parte del 'inborn package of the individual' . Una pena de película si señor, porque está bien construida y su lentitud y atención a las expresiones que acentúan la angustia, son muy apropiadas para crear tensión e interés. No se hace gran uso de efectos especiales y es por ello refrescante.

Night Watch, 2004

Director, Timur Bekmambetov

Esta película rusa basada en la novela de Sergei Lukyanenko parece haber sido un éxito internacional y desde luego posee los requisitos para ello. Es la primera de una trilogía que parece el principio del cine de grandes audiencias para la industria cinematográfica rusa. El mismo Bekmambetow afirma que su filme muestra una mezcla de géneros y refleja el aprendizaje y la admiración despertada en Rusia por las películas americanas. Lukyanenko dice que el género de su novela es el 'metropolitan fantasy' y al comentar la película parece satisfecho con ella.

Los efectos especiales están muy bien conseguidos y el guión está bien trabajado. En cuanto a los papeles parece que son creíbles y junto con la ambientación le dan ese carácter especial que tienen las peliculas rusas. Hay un punto de la película que no me parece convicente y es el propio final. Quizás la historia en sí está muy vista; la lucha entre dos fuerzas opuestas, el bien y el mal, etc. Todo está bien hilado y disimulado para proyectar estos estereotipos en un mundo moderno pero quizás falla la idea un poco, no sé. En cualquier caso y como he dicho la película es bastante agradable de ver y los personajes reflejan situaciones complejas e interesantes. Por ejemplo, el rol de los vampiros, y de cómo el protagonista tiene que aprender a sentir y vivir como uno de ellos para poder llevar a cabo su misión.

30 Days of Night, 2007

Director; David Slade

La ciudad de Barrow es bastante grande y no se refleja que en realidad vivan cerca de 4000 personas en ella en esta película. La noche polar es mucho más larga de 30 días en Barrow, pero creo que los demás detalles del ambiente polar y oscuro de esta región del globo están fielmente representados en este entretenido largometraje que está basado en un cómic. A pesar de ser una historia de vampiros tiene elementos de 'The thing' y otros atractivos añadidos como su buen reflejo de lo que sería los arrabales del consumo. Barrow es un lugar perdido donde acaban todos los que huyen de la sociedad convencional. Los vampiros vienen a cebarse con los que nada quieren saber con el resto del mundo, pero a su vez los humanos muestran comportamientos estrambóticos. Es un poco al contrario de a lo que nos tienen acostumbrados. Creo que la luz y la fotografía están muy bien. El diseño de los caretos de los vampiros es muy interesante y convincente, así como su comportamiento. Una película horrorosa, pero de miedo que da.

Halloween, 2007

Director; Rob Zombie

He visto la versión extendida de la película. Aunque es un mito que John Carpenter iniciara el subgénero 'slasher' dentro del cine de horror con la primera película de esta serie, lo que si es cierto es que generó una verdadera inspiración y audiencia de masas, para futuras cintas de este tipo. La 'Halloween' de Zombie tiene una magnífica factura estilística. Es entretenida, engancha y es convicente aunque no para el ojo clínico. Nunca he visto ningún paciente psicopático con tan poco trauma. En cualquier caso, la historia generará secuelas. El mismo 'Silencio de los Corderos', otro gran exito, es otro gran absurdo clínico. Pero es que la audiencia ama lo imposible. La realidad es realmente fea, y eso es lo que precisamente sobre lo que ni el director ni su audiencia tienen interés. Esta historia es pura estética.

Por otra parte, aquí también se puede ver la creación de un mito urbano, y es que la clase baja es la que genera el problema y la clase media lo tiene que pagar. Ese odio y resentimiento está eficiente y sistemáticamente reflejado en todas las futuras películas del subgénero. Después ya en los noventa, acercándonos a fin de siglo se va generando el siguiente mito del 'mal'. Los malos, Al Qaida, y toda esta absurda historieta fanática y evangélica. Hitchcock convenció al mundo anglosajón de que se puede culpar a los pájaros de forma gratuita, y más tarde con la continua corrupción de esta cultura, ya se puede alimentar la creencia de que la gente hace daño gratuitamente. Así podemos justificar nuestra paranoia. Para mí este tipo de expresiones son un culto a los mitos más primitivos y sórdidos que reflejan el grado avanzado de alienación y pánico social en que los anglosajones se encuentran. El fin está próximo.

La Noche de los Girasoles, 2006

Director; Jorge Sánchez-Cabezudo

Esta es de nuevo otra opera prima que vamos a comentar. En este caso de Sánchez-Cabezudo. Creo que esta película tiene una factura excelente, bastante creíble y muy bien recreada. La construcción de la historia es compleja y fiel a la idea del suspense. También es muy apropiado el reflejo del conflicto entre el mundo rural y el urbano. La película sugiere que es el mundo rural el que se destruye, y que pasa a convertirse en un lugar más bien mítico donde la gente vuelve para reencontrarse con el pasado. El asesino en serie es un elemento que quizás atraviesa ambos mundos y acentúa el drama de lo que pasa en las vidas de los protagonistas. La película da una serie de giros muy interesantes y da vida a personajes y relaciones turbulentas como es el caso de los guardias civiles y los vínculos que tienen entre sí. Sin embargo se echa de menos en esta película un último toque final extra, quizás de locura, quizás de absurdo, quizás algún aspecto macabro o de sugerencia de que las cosas no sucedieran como cada personaje pensó. No sé, en cualquier caso es una interesante representación de la sociedad europea y española que lucha por sobrevivir ante un mundo invididualista que promueve la tentación del consumo y del egocentrismo.

La Mujer Más Fea del Mundo, 1999

Director; Miguel Bardem.

Esta fue la primera película de Miguel Bardem, la cual sin duda alguna merece la pena ver. Creo que en realidad ya la ví hace algún tiempo, pero me apetecía volverla a disfrutar. Creo que posee muchas cualidades esta película porque retrata muy bien mucho de lo que España o Iberia es. Hay un mundo dentro de la españolidad al que se rechaza, una serie de personas que repugnan y no son necesariamente una minoria en nuestra sociedad. Bardem hace buen uso del guión, de los efectos especiales y del mensaje complejo que esta película tiene.

Sin embargo hay dos aspectos estridentes en la cinta que de alguna manera 'afean' la belleza de esta obra. La una es la falta de credibilidad de los actores. No sé si esto está hecho a propósito. Este asunto se conecta con lo esperpéntico de muchas de los diálogos y comportamientos de los personajes que sugieren que se está parodiando a un género cinematográfico, pero en realidad no sé cuál. No sé si se parodia a la ciencia ficción o se parodia al mismo cine. Esta crítica intensiva mezclada con la debilidad de los intérpretes hace que quizás accidentalmente se transmita algo también particularmente distintivo de la vida española; su superficialidad, su prisa, su impulsividad, su rabia y auto-odio y por tanto su debilidad cultural.

Creo que hay muchas cosas que se pueden aprovechar de la película y quizás esto se convierta en un eslabón de una cadena de buenas películas que la mejoren. Espero que algún día se pueda superar sobre todo el auto-odio. Esto conlleva a no tomar en serio la vida. Creo que hay momentos para el humor y momentos para la seriedad. El exceso de comedia es síntoma de cinismo y de una gran desconfianza y desilusión por todo. Mayor ilusión y autoconvencimiento haría que las cosas pudieran cambiar, pero es esto mismo lo que en España no pasa. El cambio de siglo y milenio ha sido augurado en esta cinta como una gran desilusión. ¡¡No confundamos pasado con futuro Bardem!! ¡Viva la República!

Synecdoche New York, 2008

Director: Charlie Kaufman

Esta cinta es una continuación de otros filmes que apuntan hacia una circularidad existencial algo centrípeta. Como ‘Groundhog Day` de Ramis o ‘8½’ de Fellini, Synecdoche New York se lanza hacia una exploración del Self en la que uno puede perderse tome la dirección que tome. Es confuso seguir la película y quizás esto está hecho a propósito, porque la vida en sí es algo confusa, agobiante, tediosa y dolorosa. Pero claramente la cinta es una aventura hacia dentro. No estoy seguro de que esto haga departir esta obra del arte y abrace lo psicótico como algún crítico ha dicho. Pero si ese es el caso, ¿qué mas da?

Hay otras filigranas que la película ofrece. Son como metáforas y apreciaciones del carácter humano que tienen un gran valor psicológico. La juxtaposición de distintas realidades, mundos dentro de otros mundos, conexión y desconexión, confusión y límites del propio Yo, son algunas de las muchos elementos que constituyen la estructura de la personalidad vistas de un modo fenomenológico.

Referencias a la psicología de Jung o a ideas orientales sobre la vida humana, puede que tengan sentido para articular el motivo de esta película. Pero creo que también esta cinta puede que intente conectar neorrealismo con imaginación. En cualquier caso una película que merece la pena ver. Sin embargo, no es una obra que me haya producido un determinado estado mental aunque tampoco me ha dejado indiferente. Esto quizás implique que la cinta es capaz de resonar a través de diferentes y profundos estratos de nuestra psique sin que lo sepamos. En cualquier caso es bueno mandar sondas como estas a nuestro interior y ver qué pasa. Well done Charlie!

La Zona, 2007

Director: Rodrigo Plá

El uruguayo Rodrigo Plá, ha conseguido en esta cinta mostrar con nitidez, lo que significa la diferencia de clases. Aunque la película parece reflejar la sociedad mejicana, en realidad esto podría suceder prácticamente en cualquier parte del mundo. Las paradojas de la justicia, las dobleces de la ética en una sociedad que vive cada vez más orientada a la acumulación y al consumo del poder por unos pocos.

El debut de Plá es un éxito, y la construcción técnica de esta película de suspense refleja los múltiples recursos intelectuales y artísticos de este nuevo director. Los personajes son creíbles y el contraste social es brutal. Es una auténtica bofetada a todos aquellos que piensan que los valores y que la ideología política ya no tiene sentido.

Slither, 2006

Director: James Gunn

Esta es una película para pasar el rato y reír mientras se harta uno de palomitas. Para los aficionados al cine de horror, Slither explota un tema bien fundamentado en cintas clásicas del género, pero tiene como adición la mezcla de elementos como lo cómico, el estudio de la hibridación entre el humano y el alienígena y también la conciencia como una entidad que se puede expandir hacia otros organismos. En cuanto a efectos especiales hay mucha fluctuación: en algunos momentos, por ejemplo cuando uno de los 'bichos' nada en la bañera en busca de su víctima la escena no tiene credibilidad, pero en otras situaciones los efectos están bien conseguidos.

Juno, 2007

Director: Jason Reitman

Esta película canadiense, dinámica y juvenil, sorprende y nos asusta con esa arrogancia típica de los adolescentes. Ahora que cada vez me alejo yo más de aquellos años y más me aproximo a la paternidad como un estado mental, me doy cuenta de cómo y porqué la juventud es arrogante. Esta película ayuda a través de sus dos principales personajes (Juno y Bleeker) a entrar en la vida adolescente. La construcción de las secuencias es fresca y tanto la paleta de colores como otros aspectos técnicos (como la luz) o artísticos (música) están muy bien engarzados.

Creo que sin caer en lo evangélico, ni en lo parroquiano, el filme nos coloca en una situación creíble y compleja donde una adolescente asertiva y de clase modesta se queda embarazada casi sin pensarlo. La dureza y la dulzura de la situación se exponen en sucesión y sin esconder casi nada, o sin maquillar las cosas de una falsa moral cristiana. Asimismo, nos deja de postre quizás como la película ´L´enfant´ un interrogante hacia el futuro. ¿Qué será del futuro niño? Las generaciones próximas se enfrentan con una verdad más excitante que la nuestra.

It, 1990

Director: Tommy Lee Wallace

Creo que las novelas de Stephen King son todas iguales, y aunque tienen una arquitectura interesante en relación al miedo que pueden generar, todas contienen ese estilo de Hitchcock en el que no hay racionalidad, sino una pura explotación del miedo. En este caso, la película parece seguir esa línea. Sin embargo, la forma en que los distintos personajes de la película son introducidos es muy interesante, porque permite construir en la mente de cada uno, las vivencias de un grupo de adolescentes, 'los losers', los que son sensibles y humanos. Estos jóvenes que parecen estar en contacto con sentimientos y conductas humanos sufren el trauma de experimentar algo inexplicable. Se me ha ocurrido pensar que introducir la idea de un monstruo para contar qué horrible es este mundo, es algo antiguo, pero también nuevo. Es antiguo porque la cultura oral y escrita está repleta de estas historias. Es nuevo porque el cine ha permitido una nueva forma de contar estas historias. Y también es nuevo por lo que ahora sabemos acerca de los traumas psicológicos. Por tanto estamos ante un tipo de película que nos permite acceder al sufrimiento emocional de los niños, tal y como ellos los ven: es decir, experimentar el terror sin tener capacidad emocional o madurez para entender lo que les está pasando. La otra ventaja de contar así una historia, es la de no tener que criticar a la sociedad por la parte que a ésta le corresponde en cuanto a la responsabilidad de evitar que los niños sufran. La sociedad es así exonerada y uno puede continuar viviendo su vida sin tener que cuestionar nada.

Solaris, 1972

Director, Andrei Tarkovsky

Me acerqué a la obra de Stalislaw Lem a través, del Solaris de Steven Soderbergh. Después leí la novela y por último, he tenido la suerte de hacerme con el DVD del 'Solaris' de Tarkovsky. Por lo visto Lem, colaboró con Tarkovsky en la creación del guión para esta película, sin embargo Lem nunca pareció simpatizar con la versión final de Tarkovsky. Para Lem, lo principal era reflejar fielmente la idea de su libro, que esencialmente refleja las limitaciones que el ser humano tiene respecto al desarrollo del conocimiento. Tarkovsky sin embargo optó por crear algo nuevo, y de este modo desviar más la atención hacia la fenomenología, la moral, el constructivismo y la conflictiva existencial. A mi modo de ver, Tarkovsky consigue desarrollar una nueva idea y ayuda a través del cine a expresar la tensión, la experiencia y la transformación de las ideas y los sentimientos ante un nuevo descubrimiento científico. Es una película magistral y que pone de relieve no sólo el potencial artístico e intelectual del cine, sino también la capacidad ilustrativa del mismo para exponer complejos procesos emocionales, cognitivos y éticos. Sin lugar a dudas es una película inolvidable y poderosa. El Solaris de Tarkovsky es una obra maestra del cine. Es una gozada escuchar a los personajes hablar en ruso y sentir la extrañeza de la vida en el espacio y el vértigo de lo desconocido con más rotundez si cabe.

L'enfant, 2005

Directores: Jean-Pierre Dardenne y Luc Dardenne

Esta es una gran película creada por los Dardenne, hermanos de origen belga y que sin ser nada sentimental es capaz de transmitir una poderosa temática postindustrial en la que dos caracteres jóvenes y marginados navegan por la existencia.

El estilo técnico de esta cinta implica evitar identificar directamente la ciudad donde todo ocurre, lo cual está hecho a propósito. Aunque los directores no esconden de qué ciudad se trata, el principal efecto que tiene es el ocultar ciertos aspectos de la dinámica evolutiva de los personajes, que da la sensación de pérdida de control, de espontaneidad, o de incluso invisibilidad. Estas personas viven y sufren casi sin ser vistos, pasan desapercibidos. Nosotros los que intelectualizamos la vida, pensamos sobre ella. Los personajes y la tragedia de la película reflejan la trayectoria de aquellos que simplemente viven sin pensar.

Otro angustioso aspecto gira sobre el título de la película. Todo va sobre un bebé, al que se le ama y se le desprecia al mismo tiempo. Qué será de ese bebé en el futuro? y él acabará sabiendo lo que le ocurrió? Genial película.

Che, 2008

Director: Steven Soderbergh

Un filme doble porque tiene dos partes y está contado en dos idiomas, pero está hecho de una pieza, por la sensación de fidelidad que da y de la capacidad de transmitir un trozo de la historia y el retrato de un personaje histórico.

Sin duda tiene una buena factura, y casi que no le encuentro ningún fallo de no ser porque en la segunda parte he notado que han filmado en Andalucía. Creo que es un enorme error haber filmado en la sierra Andaluza. No conozco Bolivia, pero creo que América tiene una ecología muy diferente y me sorprende que hayan elegido nuestro país andaluz para los exteriores de la segunda parte.

Por lo demás, la interpretación, la secuenciación de la historia está muy bien. Hecho de menos algún gráfico o mapa para realzar más la idea de la estrategia militar, el intento de escapar teniendo al ejército boliviano pisándoles los talones. Gran historia y bien contada. El DVD está bien organizado y las entrevistas ayudan mucho a mejorar la comprensión de la película y la historia.

The Squid and the Whale, 2005

Director: Noah Baumbach

Una película retro y refrescante al mismo tiempo. Noah Baumbach ha sabido reflejar la vida de Brooklyn. He vivido allí y su representación de esta parte de Nueva York me parece de lo más viva y creíble.

La construcción de los personajes también me parece bastante coherente con la psicología humana, y sus conflictos personales e interpersonales se ajustan al funcionamiento psiquíco de las personas de clase media e intelectual.



Esta cinta tiene también un toque trágico que seduce al espectador europeo. Su realismo y su sencillez son gratos de ver. Sin embargo, quizás hay que señalar que la hostilidad y la competición entre los esposos no está bien clarificada (quizás una versión en novela lo podría hacer). La promiscuidad que se refleja en el papel de la esposa quizás esté un tanto exagerada, así como la incapacidad del marido para adaptarse al mundo sin su esposa. Pero esta apreciación es algo más personal y no categórica.

La parte más bonita y que se conjuga bien con lo trágico y lo negativo de la historia, es cuando Walt visita al psicólogo y lo que le sucede a partir de ahí. Está muy bien presentado el papel del psicólogo: un individuo sobre el que la gente no tiene muchas expectativas, pero que cuando está en acción, provoca cambios en la ruta vital del individuo

Vicky Christina Barcelona, 2008

Director: Woody Allen

Una película un tanto extraña para un espectador que experimenta a los actores desde un punto de vista cultural no-anglosajón. Penélope Cruz parece imitar sin éxito a una chabacana moderna, aunque se entiende las dificultades cuando el perfil psicológico del personaje es un fallido retrato de una persona con trastorno mental. Este papel junto al inverosímil rol de Javier Bardem, que hace de un Don Juan de los años sesenta me hace sentir que Woody Allen se quedó estancado en la era franquista española. Pero lo más ridículo es la interacción entre ambos personajes que me hace pensar que el teatro de los Alvarez-Quintero sea el concepto más sofisticado que este director tenga para un guión en español.

Esta superficialidad me sorprende y decepciona de alguien como Allen, pero no hay nada más que ver cómo retrata a Cataluña y Asturias musicalmente: con música Andaluza (y una música archiconocida, que de nuevo muestra su ignorancia de lo nuevo y lo actual de las músicas íberas). Resulta incomprensible que la película se trate de personajes interesados en la cultura catalana y la banda sonora no tenga una sardana o algo catalán al menos. Por supuesto, el personaje de Javier Bardem está tomado de la cultura andaluza y no de Cataluña.

La guinda final está en el hecho de que como siempre (y de nuevo, esto no es nada nuevo puesto que existe un precedente literario: La Tesis de Nancy de Ramón J. Sender, 1962) los personajes anglosajones vuelven a casa para comportarse como si nada hubiera pasado. Sin embargo, todo es representado como si los dichos personajes son los que se van a enfrentar con un reto. No puede ser un reto si la experiencia no te cambia. De nuevo, una concepción infantil del 'otro'. Woody, ¿de qué te han servido tantos años de psicoanálisis?

Eternal Sunshine of the Spotless Mind, 2004

Director: Michel Gondry

Película que recuerda a 'A Clockwork Orange', se basa en una idea preconcebida de que la ciencia aplicada a la mente o el cerebro no puede funcionar. Sin explicar porqué, se trata de borrar de la memoria ciertos recuerdos pagando a una empresa especializada en el tema. Por desgracia para los clientes, el tema no es tan efectivo como se suponía. Una película impulsiva, en la que la circularidad de los eventos intenta psicologizar la historia, con un resultado ambiguo. La misma pelicula muestra que habría que destruir casi toda la memoria para acabar de erradicar los recuerdos de una persona amada. Quizás este sea el único principio psicológico válido de todo el filme. Como contrapunto, decir que el resultado es positivo porque utiliza un fondo ordinario y es capaz de entretener sin mucho artificio.

Me ha resultado una cinta entretenida y también agradable de ver a los actores americanos haciendo papeles menos convencionales de lo normal y mucho más humanos. En ese sentido la película tiene un estilo bastante europeo, de hecho el director es francés.

Cassandra´s Dream, 2007

Director: Woody Allen

Es una película un poco decepcionante a nivel de la idea de base, puesto que no es más que un cuento moral de lo más evangélico. Si te portas mal, acabas mal. Lo peor de todo es que el castigo solo alcanza a los más tontos. En cualquier caso, la película recuerda a 'Match Point', también filmada en Inglaterra y con la misma factura carente de credibilidad. Creo que Allen no conoce bien el tema del crimen y esto afecta seriamente a estas dos películas.

Como observación desde Inglaterra, la película tiene diálogos dificilmente posible para los ingleses. Se nota que no es inglés y fuerza a los actores a hablar de una forma no inglesa. Por otra parte, parece una película pagada por los ingleses (como lo pueda ser 'Australia') puesto que he visto más días soleados en esta película, que en los ocho años que llevo viviendo en Inglaterra. Sin embargo, el resto de la ambientación es creíble y refleja la sociedad inglesa.

Para salvar la cinta podría decir que su simplicidad facilita la parte entretenida, y desde luego es efectiva en ese nivel porque no se hace pesada de ver y sólo decepciona al final.

El carácter de Terry es psicológicamente imposible de entender (siendo el más simple, y desarrollando más problemas morales que el hermano inteligente).

The Life of Others (Das Leben der Anderen) 2006

Director: Florian Henckel von Donnersmarck.

Esta película alemana, es bien seca y con poco adorno. Muy realista y muy precisa, tal y como procedía la policía comunista en la Europa del Este sólamente hace unos años.

Transmite un sentimiento trágico y una sensación de que al final, lo que cada uno ha aportado en un mundo injusto, es un granito de arena en favor del progreso. Sin embargo, todo tiene un precio. También implica que el inquisidor o la Stasi (policía política de la RDA) pueden ser convertidos y que nadie está libre, de ser libre, ni siquiera el opresor.

Quizás, como muchas obras de este calibre quizás den mucho crédito a lo que el mundo del arte pueda influenciar a la gente, en el sentido de hacerlas cambiar de ideas políticas o de que el arte consiga cambiar una situación política adversa para el país.

En cualquier caso, un reparto de actores interesante. Mínima acción y por tanto algo estática. Algo de suspense.

Segunda Introducción

Creo que algo especial a aportar desde este blog es que voy a comentar películas vistas y oídas en versión original (inglés, español, francés, alemán, italiano), lo cual me proporcionará una ventaja sobre el visionado de películas que ocurre típicamente en España.

Por otra parte la desventaja es que comentaré principalmente películas que veré en DVD y que alquilo a una compañía llamada http://www.lovefilm.com/. No es lo mismo verlas en el cine, por supuesto. Por eso he titulado este blog 35mm en honor al formato clásico que está amenazado por la revolución digital.

Una Introducción a 35mm

He renunciado a pagar la 'TV license' que como un impuesto revolucionario nos obligaba a subvencionar a la BBC. He decidido emplear mi dinero en ver las películas que yo quiera, cuando yo quiera. Y voy a comentarlas una a una para no olvidarlas y aprender de ellas.